Anuário BRMC 10 yearbook
Nasce o Rio Music Conference, inicialmente pensado para
ser uma conferência com workshops e feira de negócios com
7 dias de duração na Marina da Glória. Festas com David
Guetta, Pete Tong, Sven Väth, Armin van Buuren, Erick
Morillo e Gui Boratto marcaram o encerramento da primeira
edição. O ciclo de palestras debateu temas como “Revolução
Digital: da queda do vinil à ascensão do MP3” e teve
workshop de discotecagem básica com DJ Marky.
Rio Music Conference was born, initially thought to be a
conference with workshops and a 7-day business fair in Marina
da Glória. Parties with David Guetta, Pete Tong, Sven Väth, Armin
van Buuren, Erick Morillo and Gui Boratto marked the closing of
the first edition. The lecture series debated topics such as “Digital
Revolution: from the fall of vinyl to the rise of MP3” and had a DJ
workshop with DJ Marky.
Dividido oficialmente em festival de Carnaval (Rio Music
Carnival) e conferência (Rio Music Conference) o encontro
ganha um upgrade e muda-se para o Porto Maravilha, no Rio
de Janeiro, mudando a sede para o MAR (Museu de Arte do
Rio) e Museu do Amanhã. Recorde de público: 1500 pessoas
em três dias e mais de 100 atividades. Curitiba sedia o RMC
Brasil e São Paulo o RMC América Latina, atraindo um
número recorde de participantes e convidados.
Officially divided as Carnival festival (Rio Music Carnival) and
conference (Rio Music Conference) the encounter is upgraded
and moves to Porto Maravilha, in Rio de Janeiro, changing
its headquarters to MAR (Rio Art Museum) and Museum of
Tomorrow. Record of audience: 1500 people in three days and
more than 100 activities. Curitiba hosts RMC Brasil and São
Paulo RMC Latin America, setting a new a record number of
participants and guests.
Uma 9ª Edição impecável no Rio de Janeiro, pouco antes
do Carnaval novamente ocupa o revitalizado centro do Rio.
O RMC torna-se BRMC (Brazil Music Conference) e parte
para uma nova casa: São Paulo, que já havia recebido suas
elogiadas edições Latino-Americanas no Unibes Cultural.
A flawless 9th Edition in Rio de Janeiro - just before Carnival, it
occupies again Rio’s revitalized downtown. RMC becomes BRMC
(Brazil Music Conference) and departs for a new house: São
Paulo, which had already received the praised Latin-American
editions at Unibes Cultural.
Após o sucesso da primeira edição, o RMC passa a buscar
espaço para a música eletrônica em meio ao Carnaval carioca,
dividindo-se em “The Conference” e “The Music”. As atrações
foram novamente peso pesado: Erick Morillo, Steve Angello,
Luciano, Sharam, Loco Dice, Tocadisco e Armin van Buuren
completaram o time internacional, sendo que Armin, naquele
ano DJ #1 do mundo, participou também de um papo
exclusivo na conferência. Uma das maiores competições de de
scratching do mundo, o DMC, integrou as atividades.
After the first edition’s success, RMC began to seek space for
electronic music in the midst of the Carioca Carnival; Dividing
it into “The Conference” and “The Music”. Again, heavyweight
attractions: Erick Morillo, Steve Angello, Luciano, Sharam, Loco
Dice, Tocadisco and Armin van Buuren formed the international
team. And Armin, elected number one DJ in the world in that
year, had an exclusive participation at the conference. One of
the biggest scratching/turntablism competitions in the world, the
DMC, also integrated the activities.
O programa RMC Colab leva música eletrônica para
instituições periféricas do Rio de Janeiro. Peter Hook, ex-New
Order e Joy Division, é um dos destaques da conferência. Mais
de 40 mil pessoas comparecem a Marina da Glória durante o
Carnaval para curtir atrações como Tiësto, Afrojack, Dimitri
Vegas & Like Mike e Life in Color – ao todo foram 14 dias
de evento no Rio. As edições regionais em Curitiba e São
Paulo tiveram recorde de público (700 e 900 participantes,
respectivamente) mostrando a força do cone Sudeste-Sul.
The RMC Collaboration program brings electronic music to
peripheral institutions in Rio de Janeiro. Peter Hook, former New
Order and Joy Division, is one of the conference’s highlights.
More than 40,000 people attend to Marina da Glória during the
Carnival to enjoy attractions such as Tiësto, Afrojack, Dimitri
Vegas & Like Mike and Life in Color - in 14 days of event.
Regional symposia in Curitiba and São Paulo (having 700 and
900 participants, respectively) indicated the strength of the
Southeast-South portion.
25 mil pessoas passaram pelas pistas e salas do RMC. As
festas foram uma miscelânea de estilos e talentos brasileiros
e internacionais, com DJs como Booka Shade, Trentemoller,
Dave Clarke, Kaskade, Axwell, Fatboy Slim e dOP, arky
b2b Murphy, Kings of Swingers (Renato Ratier e Mau Mau),
Memê, Gui Boratto, Ask2Quit e Wehbba. Os “Road Shows”
levaram a proposta do RMC para centros urbanos como Belo
Horizonte, Curitiba, Florianópolis, Fortaleza, Ribeirão Preto
e São Paulo.
Twenty-five thousand people passed through the rooms and
dance floors of RMC. The parties were a mix of Brazilian and
international styles and talents, with DJs such as Booka Shade,
Trentemoeller, Dave Clarke, Kaskade, Axwell, Fatboy Slim,
dOP, Arky b2b Murphy, Kings of Swingers (Mau Mau & Renato
Ratier), Memê, Gui Boratto, Ask2Quit and Wehbba. The road
shows brought the RMC proposal to urban centers such as Belo
Horizonte, Curitiba, Florianópolis, Fortaleza, Ribeirão Preto and
São Paulo.
Um dos maiores festivais de música eletrônica que o Rio
de Janeiro já viu acontece no Carnaval. A conferência abre
recebendo o Boiler Room Live from RMC, direto do morro do
Vidigal e recebe a primeira reunião da AFEM (Association for
Electronic Music) no Hemisfério Sul. O evento bate recorde de
convidados internacionais. Os números impressionam: mais
de 30 clubs participaram da Club Week, com 150 festas e 600
atrações musicais. Dentre as edições regionais, São Paulo se
destaca recebendo convidados internacionais.
One of the biggest electronic music festivals Rio de Janeiro has
ever seen takes place at Carnival. The conference was opened by
a Boiler Room edition live from RMC, straight from the Favela
do Vidigal and hosts the first meeting of the AFEM (Association
for Electronic Music) in the Southern Hemisphere - The event
beats record of international guests. The numbers impress: more
than 30 clubs participated in Club Week, with 150 parties and
600 musical attractions. Among the regional editions, São Paulo
stands out receiving international guests.
LINHA DO TEMPO BRMC
BRMC TIMELINE
Com duração de doze dias entre conferência e apresentações
musicais, o RMC 2012 leva à Marina da Glória mais de 60
atrações musicais em 7 noites de festa. É lançado o primeiro
Anuário RMC, e também tem início o Prêmio RMC com 16
categorias. Os vencedores são eleitos por um seleto grupo de
Embaixadores, que são membros do mercado espalhados pelo
Brasil.
Twelve days in between conferences and musical performances,
RMC 2012 brings to Marina da Glória more than 60 musical
attractions in 7 nights of parties. This is when the first RMC
Yearbook is released, and the RMC Awards starts, having
16 categories. The winners are elected by a select group of
Ambassadors, who are market members spread throughout Brazil.
O RMC cresce e separa a conferência das festas: a conferência
acontece agora no Hotel Pestana em Copacabana, antes
do Carnaval, e as festas permanecem na Marina da
Glória, durante o Carnaval. Tem início a Club Week, com
estabelecimentos cariocas apresentando uma programação
voltada à música eletrônica para atraírem a atenção dos
participantes. Edições regionais em praças como São Paulo,
Curitiba e Manaus.
The RMC grows and splits the program into parts: the conference
took place at Hotel Pestana in Copacabana, before Carnival, and
the parties remained at Marina da Glória, during the Carnival.
“Club Week” begins, as many venues in Rio presented an
electronic music orientation in order to attract the participants’
attention. Also, there were regional editions in towns like São
Paulo, Curitiba and Manaus.
Bem-vindos ao Brazil music
conference
a 10ª edição do rio music
conference!
Chegamos lá. É hora de avançar.  to be ahead of the changes and to open paths towards the
Crescer nos traz a responsabilidade de liderar movimentos, estar à frente
das mudanças e abrir caminhos rumo à evolução e o progresso dos
mercados!  anniversary, we took a firm step forward: WE ARE
Imbuídos neste espírito e no clima de nosso 10º aniversário, demos um
firme passo à frente: SOMOS BRAZIL!   We nationalized a brand of a product that was already
Nacionalizamos uma marca de um produto que já era nacional - tendo
realizado mais de 30 conferências em 13 cidades do país desde 2009 - e
apostamos na pujança e no cenário vibrante da grande São Paulo para
seguirmos adiante! SOMOS O BRAZIL MUSIC CONFERENCE.
SOMOS porque nada se faz sozinho. SOMOS um ambiente de trocas,
conexões, união - que busca inspirar, libertar as mentes criativas e
promover a faísca para a inovação; e reunir as cabeças que vão apontar
as tendências e o futuro de uma rica, empolgante e fantástica indústria
musical!
Ao longo de uma década a Dance Music evoluiu, passou a ser um gigante
guarda-chuva de gêneros, abraçou o multifacetado Brasil-continente, se
mostrou fértil em diversidade, crossovers, e catalizador de valores e ideais
de uma cultura global! Ensinamos, aprendemos, construímos - chegamos
no topo. Mostramos que aqueles jovens estavam certos: um mundo novo,
digital e tecnológico estaria começando. É difícil competir com o poder
das batidas da Dance Music e sua capacidade de promover interações,
multiplicar as sensações humanas, conectar genuinamente as pessoas e
gerar pertencimento. SOMOS feitos disso: corpo, alma, emoção. 
Em tempos de inteligência artificial, realidade aumentada e machine
learnings, não haverá muito mais para os Seres Humanos fazerem do que
serem, humanos, apenas. Nesse contexto, avassaladoramente, a música se
apresenta como ferramenta transformadora de alegria, de união e cura.
Também de geração de renda, riqueza e muitos empregos para os setores
criativos. Estamos em muitos campos, apontando o futuro e as tendências
da comunicação das marcas, da moda, da propaganda, da indústria do
audiovisual, dos games até na medicina e na psicologia. SOMOS SHOW!
SOMOS BUSINESS! 
Vamos além. Vamos promover e fortalecer os nossos ecossistemas. Criar
mercados, mais conexões e colaborações. Mostrar o case Brasil e os
caminhos que encontramos aqui a partir de dificuldades econômicas,
sociais e logísticas que se apresentaram. O BRMC continuará de
braços abertos e recebendo delegações da Europa, América; agora Ásia,
Africa, Austrália… Conectando nosso mercado com o mundo lá fora.
Mas também, e principalmente argentinos, colombianos, paraguaios,
uruguaios, chilenos e todos os nossos queridos vizinhos: SOMOS
LATINOAMERICA. 
Vamos manter o nosso olhar para o futuro e assim seguirmos. É para lá
que vamos caminhando e, a cada dia, construir o nosso próprio caminho.
Estimular, provocar o espírito empreendedor e sonhador dos nossos
criativos e artistas; e nas milhões de pessoas impactadas, a sua essência,
sentimento verdadeiro e o sentido de vida. Afinal, SOMOS O QUE SOMOS.
Vamos saborear. De preferência, com uma boa música.
Aproveitem, inspirem-se e divirtam-se!  Thank you very much. Long live the BRMC!
Muito obrigado. Vida longa ao BRMC! Um grande abraço.
Claudio da Rocha Miranda Filho - Co-Fundador e Diretor Geral
Welcome to the Brazil Music
Conference - the 10th edition
of Rio Music Conference!
We got there. It’s time to move forward.
Growing brings us the responsibility to lead movements,
evolution and the progress of the markets!
Imbued in this spirit and in the mood for our 10th
BRAZIL!
national - having held more than 30 conferences in 13
cities in the country since 2009 - and we bet on the
strength and vibrant scenery of São Paulo to move on!
WE ARE BRAZIL MUSIC CONFERENCE.
WE ARE because nothing is done alone. WE ARE an
environment of exchanges, connections, union - that
aim to inspire, free creative minds and crate a spark for
innovation; and bring together heads that will point out
the trends and future of a rich, exciting and fantastic
music industry!
Over a decade, Dance Music has evolved into a giant
umbrella of genres, embraced the multifaceted “Brazilian
continent”. It has proved to be fertile in diversity,
crossovers, and catalyst for values and ideals of a global
culture! We teach, we learn, we build - we reach the
top. We showed that those young people were right: a
new, digital and technological world would be starting.
It is difficult to compete with the power of Dance Music
beats and its ability to promote interactions, multiply
human sensations, genuinely connect people and generate
belonging. WE ARE made of it: body and soul.
In times of artificial intelligence, augmented reality and
machine learning, there will be little more for human
beings to do than… to be human. In this context,
overwhelmingly, music presents itself as a transforming
tool of joy, unity and healing. Also as a market of revenue
and wealth, providing jobs for the creative sectors. We
are, in many fields, pointing out the future and trends
of communication from brands, fashion, advertising, the
audiovisual industry, games to medicine and psychology.
WE ARE SHOW! WE ARE BUSINESS!
We go further. We will promote and strengthen our
ecosystems. Create markets, more connections and
collaborations. Showcasing our country and the paths
that we find here from the economic, social and logistic
difficulties that may occur along the way. The BRMC will
continue receiving delegations from Europe, America,
Asia, Africa, Australia with open arms. Connecting our
market to the outside world. But also, and especially,
connecting Argentines, Colombians, Paraguayans,
Uruguayans, Chileans and all our dear neighbors,
because WE ARE LATIN AMERICA.
Let’s keep our eyes on the future and beyond. That
is where we are heading and, each day, building our
own way. To stimulate, to provoke the enterprising
and dreamy spirit of our artists; and in the millions of
people impacted, their essence, true feeling and sense
of life. After all, WE ARE WHAT WE ARE. Let’s savor.
Preferably, with some good music.
Enjoy, be inspired and have fun!
Best regards.
Claudio da Rocha Miranda Filho - Co-Founder and
General Director
 ANUÁRIO 2018
RIO MUSIC CONFERENCE
AGORA É
BRAZIL MUSIC CONFERENCE
RIO MUSIC CONFERENCE IS NOW
BRAZIL MUSIC CONFERENCE
Um pouco do nosso passado
O Rio Music Conference (RMC) nasceu em 2009
como um encontro da indústria da música eletrônica
e entretenimento visando a convergência entre os
profissionais deste setor e oferecendo oportunidades
a quem deseja participar ativamente do mercado. O
RMC englobava a Conferência (parte dia), o Festival
Rio Music Carnival e o Club Week (parte noite),
estabelecendo-se em meio ao Carnaval carioca na
intensa movimentação cultural já existente na cidade
durante o período. A primeira edição do RMC surgiu
da percepção que o mercado de música eletrônica
estava crescendo. Já na época, mais de 3 bilhões de
dólares eram movimentados por ano sem que houvesse
um encontro que proporcionasse um ambiente
democrático para a expansão organizada e integrada
da indústria.
Para assimilar as particularidades de um país
continental, o RMC percorreu os mercados locais
através de edições regionais, realizadas em 13 cidades
de Norte a Sul do Brasil, fornecendo ao time da
curadoria e organização insights valiosos que acabaram
colaborando para a grande mudança que estava por vir.
Além dos eventos, um dos maiores legados da
conferência é este Anuário de Mercado, que desde 2012
analisa minuciosamente o cenário econômico e artístico
da música eletrônica no Brasil e no mundo, fornecendo
dados e caminhos possíveis para os interessados no
setor.
| 9
A bit of our past
Rio Music Conference (RMC) was born in 2009 as a meeting
of the electronic music and entertainment industry, aiming
the convergence among professionals in this sector and
offering opportunities to those who want to participate
actively in the market. The RMC comprised the Conference
(day part), the Rio Music Carnival Festival and the Club
Week (night part), establishing itself in the midst of the
Carioca Carnival due to the intense cultural movement
that already existed in the city during the period. The
first edition of the RMC came from the perception that
the electronic music market was growing. Already at that
time, more than $ 3 billion was moved every year without
a meeting that would provide a democratic environment
for the organized and integrated expansion of the industry.
In order to assimilate the particularities of a continental
country, the RMC traveled to acknowledge all local
markets inside Brazil through regional editions, held in
13 cities from North to South, providing the curatorship
and organization with valuable insights that eventually
contributed to the great change that was to come.
In addition to the events, one of the major legacies of the
conference is this Market Yearbook, which since 2012
has carefully analyzed the economic and artistic scene
of electronic music in Brazil and in the world, providing
data and possible paths of action for those interested in
the sector.
10 | POR DENTRO DO BRMC10
A trajetória da conferência a consolidou como o
principal evento do meio no hemisfério sul, sendo
o ponto de encontro para personagens importantes
da cena se encontrarem - muitos deles pela primeira
vez. Nas áreas de networking muitas ideias nasceram,
encontraram apoio e cresceram para tomar vida
própria.
No cenário internacional o BRMC mantém acordos
de cooperação e troca de conteúdo com os principais
festivais e conferências do mundo, como o ADE
(Amsterdam Dance Event), WMC (Winter Music
Conference, de Miami), EDMBiz (de Las Vegas), a
PEW (Paris Electronic Week) e o IMS (International
Music Summit, de Ibiza). Desde 2014 a conferência é
associada a AFEM (Association for Eletronic Music),
associação global que representa os interesses desta
indústria.
The long-term trajectory of RMC has cemented it as the
main event in the southern hemisphere. It’s the platform
for important characters in the scene to meet - many of
them, for the first time. In the areas of networking, several
ideas were born, found support and grew to take on a life
of their own.
In the international arena, BRMC maintains cooperation
agreements and exchange of content with the main festivals
and conferences in the world, such as the Amsterdam
Dance Event (ADE), WMC (Winter Music Conference in
Miami), EDMBiz (Las Vegas), Paris Electronic Week and
IMS (International Music Summit, Ibiza). Since 2014 the
conference has been associated with AFEM (Association for
Electronic Music), a global association representing the
interests of this industry.
 ANUÁRIO 2018
Em outubro de 2017 o Rio Music Conference (RMC)
se transforma em Brazil Music Conference (BRMC), a
conferência da dance music e show business. O processo
culminou com o anúncio de um novo calendário e a
mudança oficial para a cidade de São Paulo. O espaço
escolhido para receber a maior de todas as conferências
foi o Unibes Cultural, que já havia recebido três Edições
Regionais da chamada RMC São Paulo.
A mudança acompanha diversas novidades, como os
seis macro-temas que organizam os conteúdos (Art
In Sound, Future Forum, Somos Latinoamerica!,
Trending Topics, Show Business e Music+Brands), um
novo espaco para expositores, um Night Program à
altura e uma grande festa de encerramento. Mantendo
a tradição de reunir centenas de convidados de todas as
partes do Brasil e do mundo em torno de seus debates,
o encontro marca as comemorações do ingresso em sua
décima temporada: BRMC10. Profissionais dos mais
variados segmentos do setor, empresários, artistas e
especialistas de todo o mundo participam ao longo de
três dias de painéis, workshops, espaços de networking
e debates sobre o mercado do entretenimento e da
música.
Em suma, o objetivo foi cumprido com louvor:
desenvolver uma nova conferência com atrativos para
um mercado que se renova em velocidade constante.
Estar à frente de tendências, representar interesses do
Brasil e seus vizinhos da América Latina e abrir espaços
para diálogos cada vez mais plurais não é apenas um
caminho para o BRMC, mas a única escolha possível
para contemplar o exigente cenário da música do
futuro.
| 11
In October 2017 Rio Music Conference (RMC) becomes
Brazil Music Conference (BRMC), the conference of dance
music and show business in Latin America. The process
culminated in the announcement of a new calendar and
official change to the city of São Paulo. The space chosen to
host the largest of all conferences is Unibes Cultural, which
has already had three Regional Editions of the so-called
RMC Sao Paulo.
The change accompanies several new features, such as the
six macro themes to better organize the contents (Art In
Sound, Future Forum, Somos Latinoamerica!, Trending
Topics, Show Business and Music + Brands), a new space
for exhibitors, and a great Closing Party. Continuing the
tradition of gathering hundreds of guests from all over
Brazil and the world around important debates, the
meeting marks the celebrations of the tenth season, so
it’s BRMC10. Professionals from a wide range of industry
segments, business people, artists and experts from around
the world take part in three days of panels, workshops,
networking and debates on the entertainment and music
market.
In short, the goal was well accomplished: to develop a new
conference with attractions for a market that is renewed
at constant speed. Being ahead of trends, representing
interests in Brazil and its neighbors in Latin America and
opening spaces for increasingly plural dialogues is not only
an interesting path for BRMC, but the only possible choice
in order to contemplate the demanding music scene of the
future musicians and artists.
 SUMÁRIO
Index

Linha do Tempo 16
Timeline

Trending Topics 18
E a EDM? 20
Where’s EDM?

Entrevista: Bruno Martini 28

Bruno Martini Interview

Festival Também é Política 32

Festivals are Political

Show Business 36
Dados de Mercado 38
Market Data

Nas Pistas do Brasil 40

Throughout Brazilian Dance Floors

Cenografia é o novo Headliner 48

Set design: the new headliner

Agências e Management 54
Agencies and Management

Art in Sound 58
Bossa Nova 60 60
Entrevista Marcos Valle 69
Marcos Valle Interview

Music+Brands 74
O que as Marcas Querem?
What do Brands Want from You?
76

Entrevista Coy Freitas 80

Coy Freitas Interview

SOMOS Latinoamérica! 86
Continente unido; potencial infinito 88
United continent; infinite potential

Future Forum 108

Novas Tecnologias 116
New Tech

O Amanhã da Música do Futuro 128

Tomorrow’s music future

Heads of the Market 134

Expediente 144
Para manter
a música viva:
Ação e vocação.
Ciência e arte.
Tradição e futuro.
Somos apaixonados por música.
Somos o elo que conecta
compositores, intérpretes,
músicos, editores e produtores
fonográficos aos canais
e espaços onde a música
toca e emociona as pessoas.
Unindo transpiração
e inspiração. Técnica
e encantamento. Razão
e emoção. Tudo em perfeita
sintonia. Como tudo que
é vivo, a arte e o Ecad estão
em constante evolução.
E nossa nova marca passa
a ser o espelho de nosso papel
no mundo, a tradução de
nosso propósito.
16 |
RMC
FEV | FEB
RMC se despede do Rio de Janeiro
com edição no Museu de Arte do
Rio.
RMC says goodbye to Rio de Janeiro
at the MAR - Rio Art Museum
MAR | MAR
Kondzilla, Alok e Vintage Culture
figuram na lista de jovens com
menos de 30 anos mais influentes
do país na revista Forbes Brasil
(edição especial “Under 30”)
Kondzilla, Alok and Vintage Culture
were on Forbes Brasil’s list of most
infuential people under 30 in the
country (“Under 30” special edition)
ABR | APR
Tiësto lança faixa “Boom”
com duo Sevenn flertando com
Brazilian Bass
Tiësto releases “Boom” with duo
Sevenn, flirting with Brazilian Bass
LINHA DO TEMPO
MAI | MAY
• DGTL estreia no Brasil com
edição na grande São Paulo
• Hi Ibiza abre suas portas no
mesmo local onde o clube Space
funcionou por 27 anos
• DGTL has its first Brazilian
edition in the greater São Paulo area
• Hi Ibiza opens its doors in the
same place where Space club ran for
27 years
JUN | JUN
Ministério da Justiça emite nota
técnica afirmando ser ilegal a
prática de cobrança de valores
distintos para ingressos masculinos
e femininos
Ministry of Justice issued a technical
stating that it is illegal to charge
different venue ticket values for men
and women
FRECUENCIAS CHILE
JUL | JUL
Polêmica no Rio: decreto da
Prefeitura condiciona liberação de
alvarás para eventos a análise do
Gabinete do Prefeito
Controversy in Rio de Janeiro: City
Hall decree submits event licenses
to analysis and approval by the
Mayor’s Office
AGO | AUG
“Hear Me Now” de Alok, Zeeba
e Bruno Martini se torna a música
mais tocada da história do Spotify
Brasil e quebra barreira dos 100
milhões de plays no mundo
• Anzu anuncia seu fechamento
após 20 anos de atividades
“Hear Me Now” by Alok, Zeeba
and Bruno Martini becomes Spotify
Brasil’s most played song and breaks
the 100 million plays global barrier
• Anzu announces closure after 20
years running

SET | SEP
Chile recebe sua primeira
conferência de música eletrônica,
Frecuencias
• Privilege realiza seu primeiro
festival em Buzios
Chile receives its first electronic
music conference, Frecuencias
• Privilege makes its first festival in
Buzios
OUT | OCT
RMC se transforma em BRMC
• Martin Garrix mais uma vez é
eleito melhor DJ do mundo no
ranking da DJ Mag. Alok conquista
melhor posição entre brasileiros
na história da votação (19o lugar),
e Vintage Culture e Cat Dealers
também figuram no Top100
RMC becomes BRMC
• Martin Garrix is once again
elected the best DJ in the world
by DJ Mag. Alok gets best position
among Brazilians in the history of
the vote (19th place), and Vintage
Culture and Cat Dealers also ranked
in the Top100
ANUÁRIO 2018
D-EDGE FESTIVAL
NOV | NOV
Resident Advisor anuncia fim do
seu ranking de DJs
Resident Advisor announce the end
of their DJ rank
DEZ | DEC
No Rio Grande do Sul, palco
desaba durante festa e mata o DJ
Kaleb Freitas, que se apresentava
In Rio Grande do Sul, stage
collapsed during event and kills DJ
Kaleb Freitas, who was playing
JAN | JAN
Decisão liminar em favor da
Assenrio autoriza cobrança de
preços diferenciados de ingressos
masculinos e femininos
Preliminary decision in favor of
Assenrio authorizes charging
different prices for male and female
venue tickets
| 17
AVICII
FEV | FEB
DJ e produtor Alesso se apresenta
ao lado de Anitta em bloco de
Carnaval no centro do Rio
DJ and producer Alesso performs
with Anitta at Carnaval in Rio de
Janeiro
MAR | MAR
• Clube Green Valley é eleito
melhor do mundo pela terceira vez
- outros 8 brasileiros figuram na
lista da DJ Mag
• Festa Sensation cancela turnê de
três eventos no país
• Green Valley is elected the best
club in the world for the third time -
8 more Brazilian clubs enter the DJ
Mag list
• Sensation cancels tour with three
events in the country
ABR | APR
Primeira edição do D-Edge
Festival acontece em São Paulo
Morre, com 28 anos, o DJ e
produtor Avicii
First edition of D-Edge Festival
happens in São Paulo
DJ and producer Avicii dies, age 28
18
Conhecer tendências não é apenas uma opção,
mas uma obrigação para os grandes profissionais
de qualquer mercado criativo. Portanto é melhor
manter os olhos e ouvidos bem abertos aos
tópicos recorrentes no mundo atual. Questões de
gênero, sexualidade e política estão nos holofotes;
influenciadores e personalidades do mundo digital
são o grande foco de atenção e investimento. Por
outro lado, movimentações culturais genuínas
têm mudado o panorama do mercado e quebrado
fronteiras na música. Aqui é o espaço para debater
iniciativas, movimentos e pessoas que vêm
moldando o mundo em que vivemos.
Being aware of trends is a must for all serious
professionals in any creative market. And right now,
issues of gender, sexuality, data privacy and politics
are in the spotlight, while influencers and personalities
from the digital world are the main focus of attention
and investment. Despite the focus on digital platforms,
it is grass-roots cultural initiatives that really change
the market and the cultural landscape, breaking down
borders in music and other cultural activities. Trending
Topics is the place to discuss initiatives, movements
and the people who are shaping the world we live in.
#METOO
Quem pensava que o movimento #metoo não
fosse chegar à música eletrônica se enganou.
Apesar de não acontecer com a mesma força e
repercussão do cinema e de outros segmentos
da música, histórias de assédio masculino
na cena vêm aparecendo. A DJ e produtora
The Black Madonna — voz que se destaca
em defesa de um segmento mais inclusivo —
pensa que ainda há muito a avançar nesse
ambiente tão propenso a abusos. O que mais
vem por aí?
SEM MAIS RANKINGS
O Resident Advisor fez um anúncio
surpreendente no final de 2017. O site, um
dos mais influentes do mundo na música
eletrônica, decidiu parar de promover suas
disputadas eleições dos melhores do ano,
tanto com votos de leitores como da própria
equipe. Depois do resultado de 2016, os
editores perceberam que as votações não
refletiam mais a diversidade da cena e
continuavam dominadas por homens norte-
americanos e europeus. “Não queremos mais
ranquear artistas desse jeito”, comunicaram.
#METOO
If you thought the #metoo movement wouldn’t
spread to electronic music, think again.
Although it is not as viral and intense as in
cinema and other music segments, stories
of abuse to women in the scene have begun
to show u. The DJ and producer The Black
Madonna - a voice who stands up for a more
inclusive segment - thinks there is still much to
improve in this environment which is very prone
to abuse.
NO MORE RANKS
Resident Advisor made a surprising
announcement at the end of 2017. The site, one
of the most influential in the world of electronic
music, decided to stop promoting their much
disputed elections of the best of the year among
voters and their own team. After the results of
2016, the editors perceived that votes no longer
reflected the diversity of the scene and were still
dominated by North American and European
men. “We don’t want to rank artists this way”,
they communicated.
20 | TRENDING TOPICS

CRÉDITOS YOHAN AUGUSTO

CADÊ A EDM?
WHERE’S EDM?
POR PAULO CANI

Por um lado, o gênero que arrebatou multidões no

Brasil perdeu espaço; por outro, está mais consolidado
do que nunca.
On the one hand, the genre that drew huge crowds
in Brazil has lost its ground. On the other, it is more
established than ever.

Nos dias atuais muito se fala em crise, política, bem como

onde vamos parar com tanta desordem generalizada
em diversos mercados. Na música eletrônica o cenário
está similar e tem muita gente perdida sobre tal futuro
incerto. O universo vive certa instabilidade, por conta
do setor financeiro, investimento em marketing e da
própria internet que colabora para disseminação do
conteúdo. Ao mesmo tempo, é uma indústria bilionária
que se transforma a todo instante deixando órfãos,
literalmente, fãs e artistas dedicados a vários estilos.
Entre dezenas de subgêneros existe um em especial que
Nowadays, much is being said about crisis. The political
one, as well as where we will end up after such generalized
disorder in various markets. In electronic music, the
scenario is similar and a lot of people is lost about such
unpredictable future. This universe maintains a certain
visible stability, due to investments in marketing and the
internet, that contributes to the diffusion of content. At the
same time, it is a billionaire industry that goes through
transformations all the time, leaving many (literally)
 ANUÁRIO 2018
é tópico diário em discussões por todo o país, onde a
pergunta que surge é sempre a mesma: “Cadê a EDM?”.
A música eletrônica passou por muitas fases, a
humanidade vivenciou uma série de acontecimentos e
assistiu a propagação de músicas como, por exemplo,
“Radioactivity” do Kraftwerk na década de 70, “Blue
Monday” do New Order por volta de 80 até chegar
nos primeiros hits da dance music nos anos 90, como
“Pump Up The Jam” e “Rhythm Of The Night”. Que
época de ouro, não é mesmo? E não por menos, foram
descobertos uma infinidade de talentos, entre eles Daft
Punk, Groove Armada, Fatboy Slim, The Chemical
Brothers e The Prodigy.
Foi justamente nesse período que surgiu um espaço
para a Dance Music no mainstream, com o empurrão
da MTV transmitindo vídeo clipes da e-music até
surgirem os primeiros programas de música eletrônica
nas rádios, em todo o planeta. Os primeiros vestígios
da Electronic Dance Music, como a conhecemos, são
percebidos através do icônico David Guetta em 2004.
Mas foi exatamente em 2007 no lançamento do disco
“Pop Life” que então a EDM nasceu de forma oficial,
sendo introduzida em todos os canais de comunicação
existentes no mundo, incorporada ao pop Norte-
Americano de vez e batizada como a conhecemos
hoje. Todos os continentes abraçaram o gênero que,
em 2011, levou Guetta a tornar-se o DJ mais popular
já visto, desbancando o Techno e Trance, gêneros que
desde 1997 dominavam o tão polêmico e requisitado
Top 100 DJs da revista britânica DJ Mag.
Para Juliana Faria, do Dance Paradise Jovem Pan, as
coisas aconteceram naturalmente: “Historicamente o
rádio é um veículo muito poderoso até hoje; ele vive
por novidade, principalmente musical. Musicalmente
falando a EDM é super propícia para ser um som
radiofônico. Tem melodia, vocal e toda a essência do
que as pessoas gostam de ouvir seja nas festas, no carro
ou com os amigos. Os programas de rádio no geral se
pautam através de rankings como a Billboard, por
exemplo, então foi bem fácil a introdução do gênero no
nosso veículo”.
Não demorou muito para o Brasil entrar na onda. As
principais empresas do setor logo foram deixando de
lado a nomenclatura das raves para iniciarem o processo
| 21
orphaned fans and artists of various styles. Among dozens
of subgenres, there is one in special that is a recurrent topic
in debates all over the country. And the question always is
“Where’s EDM?”
Electronic music has gone through many phases.
Humankind has experienced a series of events and
witnessed the propagation of tracks such as Kraftwerk’s
“Radioactivity” in the 70s, New Order’s “Blue Monday”
around 1980, up to the first dance music hits in the 90s,
such as “Pump Up the Jam” and “Rhythm of the Night”.
What a golden age that was! Not surprisingly, an infinity
of talents was discovered. Among them were Daft Punk,
Groove Armada, Fatboy Slim, The Chemical Brothers and
The Prodigy.
It was precisely in that time that Dance Music gained
some ground in the mainstream with a little push from
MTV airing electronic music videos, until the very first
electronic music radio programs emerged worldwide. The
first traces of Electronic Dance Music as we know it could
be seen through the iconic David Guetta in 2004. But it
was most exactly in 2007 that EDM was officially born
with the release of “Pop Life”. It was then introduced into
all media channels worldwide, incorporated into North
American pop music for good and named as we know it
now. All of the world embraced the music genre that, in
2011, turned Guetta into the most popular DJ ever seen. As
a result, EDM overtook Techno and Trance, the genres that
had been topping the controversial and much sought-after
Top 100 DJs chart of British DJ Mag since 1997.
According to Juliana Faria of Dance Paradise Jovem Pan,
things followed their natural course. “Historically the
radio has always been a very powerful medium. It relies
on novelty, mainly musical. Musically speaking, EDM is
super radio-friendly. It has got melodic and vocal lines, and
all the essential elements of what people like listening to
at parties, in the car or with friends. Radio programs in
general are guided by charts such as Billboard’s, so it was
very easy to introduce this genre in this medium.”
It wasn’t long before Brazil went with the flow. The main
companies in the sector put rave terminology aside in
order to start organizing electronic music festivals such
as XXXperience, Universo Paralello, Kaballah – and the
list goes on. Those were glory days with lineups oriented
22 | TRENDING TOPICS
de organização dos festivais de música eletrônica:
XXXperience, Universo Paralello, Kaballah e a lista
vai longe. Tempos gloriosos com line-ups focados em
atrações internacionais caríssimas, que pegou carona
em um “período de ouro” brasileiro, com a economia
em alta e o poder de consumo nas alturas, que durou
até 2015 quando começaram os escândalos políticos
e o dólar foi às alturas. Foi então que os players do
setor começaram a ter dificuldades em contratar os
artistas internacionais, abrindo espaço para os talentos
brasileiros. Vintage Culture e Alok se tornaram os
novos ídolos protagonizando o auge do Deep House e o
Brazilian Bass, respectivamente.
“Outro fator que acelerou a ‘morte’ da EDM no Brasil
foi o fato de ser um subgênero que nasceu em outro país
e ganhou popularidade no Brasil, ou seja, não é algo
criado por nós, como o BR Bass e suas ramificações, ou
indo mais além, o Drum’n Bass brazuca que bombou
no início dos anos 2000.” - completa Felippe Senne, da
HUB Records.
O mercado enxergou - ou simplesmente empurrou
- os artistas nacionais de EDM como a bola da vez.
O pagamento era em reais, a logística barata em
comparação com os internacionais. Ademais, a música
eletrônica nunca evoluiu tanto quanto nos últimos
anos, e nunca atraiu tantos holofotes da mídia e
atenção de outros estilos musicais: sinais de que o pico
de saturação estava próximo.
towards extremely expensive international artists, riding
on the back of a Brazilian “golden age”, with the country’s
economy booming and a high purchasing power. This lasted
until 2015, when a number of political scandals broke and
the US dollar skyrocketed. It was then that players in the
sector found it hard to hire international artists, which
created space for Brazilian talents. Vintage Culture and
Alok became the new idols, being key protagonists in the
pinnacle of Deep House and Brazilian Bass, respectively.
“Another reason that made the ‘death’ of EDM faster in
Brazil was the fact that it is a subgenre that was born in
another country and became popular here. In other words,
it isn’t something we created, like Brazilian Bass and its
branches, or rather, the Brazilian Drum’n Bass that was a
big hit in the early 2000s”, Felipe Senne of HUB Records
adds.
The market saw EDM’s national artists as the next big
thing – or simply pushed them into being it. The pay was
in Brazilian reais and the logistics cheaper compared to
international artists. Furthermore, electronic music had
never evolved as much as in the last few years, and had
never been in the spotlight of the media and attracted
other musical genres’ attention. A clear sign it was
reaching saturation point.
According to sound engineer Bernardo Schwanka
24 | TRENDING TOPICS
Segundo o Engenheiro de Áudio da FABRIEK, Bernardo
Schwanka, não foi só uma questão de mercado: “O
público estava saturado do EDM que tocava tanto em
festival quanto em festas para 100 pessoas. O ciclo
precisava mudar e surgiram subgêneros como brazilian
bass, que nada mais é que um EDM mais lento. As
construções das tracks do gênero normalmente são
feitas com synths e samples comuns na época do EDM”.
Com a transformação dos estilos musicais a todo
vapor, eis que surge o “Pop Eletrônico” carregando
com si diversas influências, mas por aqui pelo menos o
predomínio se manteve ao Deep House, Brazilian Bass,
Trap e similares. Esse reflexo, como já foi dito, chegou
a todos os eventos do Brasil, brilhando em clubes do
interior, festas e grandes festivais como Rock in Rio e
Lollapalooza. A essa altura da conversa, a pergunta que
introduz o texto sem dúvidas pode ser respondida por:
a EDM está em todos os gêneros da música eletrônica
comercial, mesmo que seu mercado esteja em baixa em
nosso país.
Nas plataformas de streaming os números não mentem.
As 10 músicas mais populares do Alok no Spotify, por
exemplo, acumulam cerca de 600 milhões de plays. A
música co-criada com Bruno Martini e Zeeba, “Hear Me
Now”, atingiu o posto de música brasileira mais tocada
em toda a história da plataforma. Ainda assim, hoje,
dos 10 DJs mais escutados no Spotify Brasil, apenas
CRÉDITOS FERNANDO SIGMA
(FABRIEK), it wasn’t simply a market matter. “The
audience was exhausted with the EDM that was playing
either at festivals or 100 people parties. The cycle needed
to change and subgenres like Brazilian Bass, which is
simply a slower-paced EDM, came out. The construction
of Brazilian Bass tracks is usually based on synths and
samples, quite common elements at the age of EDM”.
As a result of the fast-paced changes in musical styles,
Electronic Pop then emerges, carrying with it many
influences. But, in Brazil, they were predominantly Deep
House, Brazilian Bass, Trap, and the like. As mentioned
before, this has reflected in all Brazilian events, becoming
the highlight at clubs on the countryside, at parties, and
major festivals like Rock in Rio and Lollapalooza. At this
stage, this article’s original question can be answered by
stating that EDM is in all of commercial electronic music
genres, even if its market is down.
On streaming platforms, numbers don’t lie. Alok’s top ten
tracks on Spotify, for example, rack up 600 million plays.
“Hear Me Now”, co-created with Bruno Martini and
Zeeba, has reached the position of most-streamed song in
all of the platform’s history. Even so, out of the 10 most-
listened DJs on Spotify nowadays, only FTampa is an EDM
producer. The kids that drank at this source have grown up
and spread their wings. In the Top 100 ranking of DJ Mag
(the very same magazine that had eyes only for Techno,
 A associação de
Direitos Autorais
mais completa
do Brasil!
A Abramus
defende o
direito autoral
na música,
nas artes visuais,
na dramaturgia
e no audiovisual.

www.abramus.org.br

/abramus /abramus /abramusartes /abramusoficial

26 | TRENDING TOPICS

“Creio que pista e streaming ainda são cenários

bem separados no Brasil.”
Pollyanna Assumpção

FTampa é produtor musical de EDM. A molecada

que bebeu desta fonte cresceu e ganhou o mundo, no
ranking dos 100+ populares da revista DJmag (aquela,
que até a chegada de Guetta tinha olhos e ouvidos
apenas para o Techno, Trance e House) o Brasil tem
três representantes, sendo Alok o #19, Vintage Culture
o #31 e Cat Dealers #74, respectivamente.
“Creio que pista e streaming ainda são cenários
bem separados no Brasil, principalmente quando
percebemos que os maiores hits dos DJs brasileiros
mais populares são ainda bootlegs. Temos cases de
sucesso que fazem hits pras pistas e pras plataformas,
mas se analisarmos o começo da trajetória de muitos
deles, percebemos que as músicas autorais vieram
depois de algum tempo de carreira onde muitos já
eram estabelecidos com agendas lotadas.” - Pollyanna
Assumpção, da Universal Music Brasil.
Com esse tal Deep House brasileiro tomando conta, os
artistas tiveram a oportunidade nos últimos tempos de
expandir os negócios, levando seus shows para turnês
nos Estados Unidos, Europa, Ásia, entre outros, lugares
requisitados. Apesar de vivermos um cenário atípico, o
resto do planeta ainda respira bastante da EDM, e o DJ
mais bem pago do mundo ainda é o britânico Calvin
Harris – pela quinta vez consecutiva, arrecadando uma
média de U$50 milhões por ano. Hoje a lista dos 100
DJs mais populares, citada anteriormente, é composta
em grande maioria por artistas de EDM, Pop, Dance e
Trap.
Neste universo de mudanças intensas, há muito o que
acontecer, novos ciclos devem surgir. A EDM está viva
para alguns e é passado para outros. Mas uma coisa é
certa: boa parte do que nosso mercado é hoje, deve-se
à Electronic Dance Music. Seja qual for o seu gênero
predileto ou aquele com que você trabalha, o fato é que
todos ganhamos com a ascensão deste estilo musical no
Brasil e no mundo.
Trance and House music until the rise of David Guetta), we
have got three Brazilians: Alok at No.19, Vintage Culture
at No.31 and Cat Dealers at No.74.
“I believe that dancefloor and streaming are quite separate
scenarios in Brazil, mainly as we realize that Brazilian DJs’
greatest hits still are bootlegs. We’ve got successful artists
that produce hit tracks aimed at the dancefloor as well as
streaming platforms. But if we take a deep look at their
history, we realize that original tracks were only produced
after a while in their careers, when they were already
established artists with busy schedules”, states Pollyana
Assumpção of Universal Music Brasil.
Because Deep House has been taking over the scene,
artists have had the chance to expand their businesses in
the last few years, touring the U.S, Europe, Asia and taking
their sets to the most sought-after places. Although the
Brazilian scenario is an atypical one, the whole rest of the
world still breathes EDM in, and the highest paid DJ in the
world is Calvin Harris, topping the chart for the fifth year
in a row, having earned around 50 million dollars a year.
Today the Top 100 DJs list, as mentioned above, is mainly
made up of EDM, Pop, Dance and Trap music artists.
In this universe full of intense changes, there is still a lot to
happen and new cycles may come about. EDM is still alive
for some and belongs to the past for others. But one thing
for sure, a great part of what the music market represents
today is due to Electronic Dance Music. No matter what
your favourite genre is or which one you work with, it is a
fact that we all benefit from the rise of this musical style in
Brazil and worldwide.
28 | TRENDING TOPICS

O MUNDO É POUCO PARA

ELE: BRUNO MARTINI
BRUNO MARTINI:
THE WORLD IS ENOUGH
POR BRUNA CALEGARI

“O desafio é ouvir seu coração, observar o

mundo ao seu redor e saber esperar a sua vez
de jogar”
“The big challenge is to listen to your heart, watching
the world around you waiting for your turn to play.”
 ANUÁRIO 2018
Ele faz música sem barreiras geográficas e de idade;
não tem referências óbvias, passa longe de modinhas e
tem personalidade de sobra. Hoje, ele é a cara de toda
uma geração. Bruno Martini tem 25 anos e alcançou
projeção internacional com o sucesso “Hear Me Now”,
a música brasileira com mais execuções no Spotify até
hoje. Acompanham o setlist “Sun goes Down”, “Never
let me go” e “ With Me”. Já colaborou com o lendário
Afrika Bambaataa, recentemente produziu um álbum
com Timbaland, produziu remix para Sofia Carson,
compôs em parceria com Dennis DJ, Vitor Kley, Alok, e
a lista continua! Atuando como DJ, Bruno é nascido e
criado em meio ao universo da música - o jovem talento
é filho de Gino Martini, integrante da banda Double
You. Desde muito cedo o garoto que figurava no Disney
Channel vem desenvolvendo uma personalidade
artística inquestionável, e suas conquistas possuem
tal magnitude que se assemelham a carreiras com
mais de 20 anos. Talvez porque, para Bruno, a música
é uma carreira que vem sendo trilhada desde muito
cedo. Entenda mais sobre sua história, presente e um
futuro que, se depender de suas posições agregadoras e
otimistas, promete ser brilhante.
Seu pai tem um background musical muito rico.
Como foi para você crescer num ambiente musical
e, depois de um tempo, desenvolver seu próprio
som?
Poucos sabem que eu me formei em engenharia, mas
a música sem dúvida alguma é o alicerce de quem
sou. Desde muito novo convivi com estúdios, músicos,
equipamentos e entendi a construção de uma canção.
No meio do caminho ainda virei ator de um seriado
da Disney [Que Talento!, de 2014 a 2016] que tinha
a música como síntese principal. Uma coisa foi me
levando a outra e, hoje, não sei dizer o que faria se
não fosse música. É algo que se confunde com a minha
própria vida e personalidade.
Conciliar uma carreira tão meteórica como estudos
é possível? O Bruno engenheiro ainda existe ao
lado do Bruno DJ e produtor musical?
Eles são parte do mesmo Bruno! Há uma construção,
há pontes musicais e na engenharia há calculo, método,
pensamento cartesiano. Mas sem um coração, sem a
pulsação e a vontade de fazer algo diferente e que atenda
a um grupo grande de pessoas, toda essa exatidão não
| 29
He makes music without geographic or age differences;
no obvious references, stays away from trends and has
lots of personality. Today, he is the face of an entire
generation. Bruno Martini is 25 years old and has reached
international projection with the hit “Hear Me Now”, the
Brazilian song with most plays on Spotify until now. Listen
to the setlist “Sun goes Down”, “Never let me go” and “With
Me”. He has already collaborated with the legend Afrika
Bambaata, recently produced an album with Timbaland,
a remix for Sofia Carson, wrote with Dennis DJ, Vitor Kley,
Alok and the list goes on! As a DJ, Bruno was born and
raised in the music business - the young talent is the son
of Gino Martini, member of the band Double You. Since he
was very little and appeared on the Disney Channel, he has
been developing an unquestionable artistic personality,
and his achievements are so grand that they equate to
careers of more than 20 years. Perhaps it’s because to
Bruno, music has been his career since he was a child. To
get to know more about his story, present and a future that
promises to be brilliant just due to his open and optimistic
positions.
Your father has a very rich musical background. How
was it for you to grow up in a musical environment and,
after some time, develop your own sound?
Not many people know, but I have a degree in engineering,
but music, without a doubt, is the base of who I am. I have
been in studios, known musicians, handled equipment and
learned how to write a song. In my path I also became an
actor of a series on the Disney Channel [Que Talento” from
2014 to 2016], which had music as its main theme. One
thing led to the other and today, I don’t know what I would
work with if not music. It’s something that mixes up with
my own life and personality.
Is it possible to balance such a successful career and
studies? Does the engineer Bruno still exist beside the
DJ and producer Bruno?
They are part of the same Bruno! There is a construction,
there are musical bridges and in engineering there is
calculus, method, cartesian thinking. But there is no heart,
no pulse and a will to do something different that attends
to a big group of people, all of this exactness doesn’t have
30 | TRENDING TOPICS
tem um bom resultado pra mim. As notas musicais são
como algarismos, as melodias são como pilares, vejo
semelhanças mas não consigo dizer exatamente quais!
Só posso dizer que tanto num caso como no outro, a “
conta tem que fechar” e o resultado ser positivo.
Quais são os grandes desafios de manter uma
carreira em um mundo que muda tão rápido, com
tamanha oferta de produtores?
O desafio é manter os pés no chão, é manter-se fiel ao
que se acredita, é ouvir seu coração, observar o mundo
ao seu redor e saber esperar a sua vez de jogar. Não vejo
a música como uma competição, uma olimpíada; eu a
entendo como uma construção, uma expressão. É erro e
acerto; nada mais é do que treino, é dedicação e paixão
pelo que se faz. Sem paixão não tem graça. E não estou
competindo, estou fazendo o que eu acredito.
Como foi migrar do estúdio para os palcos, e da
banda College 11 criada depois do programa no
Disney Channel, para a cabine do DJ? Como você
enxerga, da sua posição, a indústria da música
eletrônica?
Pode parecer curioso mas ainda estou tentando me
achar, estou experimentando diversas formas de me
expressar. Quero deixar uma assinatura; quero muito
que alguém ouça e fale “essa só pode ser do Martini”!
Creio que meu terreno é mesmo o da música pop mas
quero unir meus dons, tocar instrumentos, reunir
e interagir com outros artistas, transitar em outras
vertentes, fazer vídeos e passar uma boa mensagem.
Estou experimentando, e sinto que estou apenas
começando.
Acredita que existe muito espaço para artistas
brasileiros conquistarem o mercado internacional?
O mundo é uma coisa só: a internet deixou isso assim.
Se nos comunicarmos em uma linguagem universal, o
mundo vira uma bolinha. Quero falar para o mundo
mas não tenho essa pressão de ser “mundial” apesar de
ser uma artista da Universal internacional (risos). Sou
Brasileiro e amo meu país apesar de tocar em muitos
países. Vamos ver o que acontece. Vivo um dia após o
outro!
a good result to me. Musical notes are like digits, melodies
are like pillars, I see similarities but I can’t say exactly
which! I can only say that in both cases, the problem ‘must
be solved’ and the result positive.
Which are the greatest challenged to maintain a career
in a world that changes so fast, with so many producers?
The challenge is to keep your feet on the ground, be faithful
to what you believe in, listen to your heart, observe the
world around you and know when it is your turn to play.
I don’t see music as a competition, an olympic game;
I see it as a construction, an expression. It is trial and
error; nothing more than training, through dedication and
passion for what you do. Without passion there is no fun.
And I am not competing, I am doing what I believe in.
How was it to move from the studio to the stage, and from
the band College 11, created after the Disney Channel
program, to the DJ booth? How do you see, from your
position, the electronic music industry?
This might seem curious but I am still trying to find my
voice, I’m experimenting with different forms of expression.
I want to leave my mark; I really want someone to listen
and say “this can only be Martini”! I believe my place is
pop music but I want to unite my talents, play instruments,
colab and interact with other artists, other types of
music, make videos and pass on a good message. I’m
experimenting, and I feel that I am just beginning.
Do you think there is much space for Brazilian artists to
conquer the international market?
The world is only one: the internet has made it that way.
If we communicate in a universal language, the world
becomes a bubble. I want to talk to the world but I don’t
have this pressure to be “global”, even though I am a
Universal international artist (laughs). I am Brazilian and
I love my country even though I play in many different
countries. Let’s see what happens. I live one day at a time!
32 | TRENDING TOPICS

FESTIVAL PSICODÁLIA, 2018. CRÉDITOS HAI STUDIO / DUDA DALZOTTO

 ANUÁRIO 2018
FESTIVAL TAMBÉM
É POLÍTICA
FESTIVALS
ARE POLITICAL
POR INÁCIO MARTINELLI
O conturbado momento político vivido pelo Brasil faz
com que temas de embates ideológicos estejam na ponta
da língua (ou dos dedos) de grande parte da população.
Seja na mesa de bar, na sala de jantar ou na tela do
computador, política virou um tópico tão concorrido
quanto final de novela e jogo de futebol. Porém, os
grandes festivais de música do país ainda pecam em
refletir essa discussão, com raras iniciativas voltadas a
promover o engajamento do público nesses espaços.
No exterior, atividades do tipo são bem difundidas.
Talvez o maior exemplo seja Glastonbury, que
possui uma forte veia política desde a sua criação,
quando ainda era um festival ligado à contracultura
e à sustentabilidade. Nos anos 80, o evento se tornou
um dos maiores financiadores da Campanha pelo
Desarmamento Nuclear. Hoje em dia, o público pode
participar de painéis nos quais figuras do poder público
e da iniciativa privada discutem temas atuais. O festival
também abre espaço para que ONGs divulguem os seus
trabalhos e a organização continua fazendo generosas
doações financeiras a instituições como Greenpeace e
Oxfam.
Um exemplo mais contemporâneo de festival
politicamente engajado é o americano Afropunk.
Inicialmente, o evento visava ser uma plataforma para
| 33
Brazil is currently in a troubled political moment and this
makes politics a theme that is on most people’s lips – or at
their fingertips. At a pub, a dining room or on the computer
screen, politics is a topic as disputed as that series’ season
finale or a soccer match. However, major music festivals
in Brazil still do not reflect this debate, there being very
rare initiatives aimed at promoting the engagement of the
audience in those spaces.
Activities like these are quite widespread in other countries.
Glastonbury Festival may be the greatest example, as it
has had a strong political streak since its beginning, when
it used to be a festival associated with counterculture and
sustainability. In the 80s, the event became one of the
greatest sponsors of the Nuclear Disarmament Campaign.
Nowadays, festival-goers can take part in panels in which
current issues are discussed by private sector and public
authorities. The festival also creates space for NGOs to
promote their work, and its foundation keeps making
generous donations to organisations such as Greenpeace
and Oxfam.
A more contemporary example of a politically engaged
festival is Afropunk. Initially it aimed at being a platform
that would bring together black people who listened to
34 | TRENDING TOPICS
reunir pessoas negras que ouviam punk, um subgênero
musical normalmente associado à população branca.
Com o tempo, o festival passou a agregar outros ritmos
e tornou-se uma celebração da cultura negra em geral.
Além de ter como lema principal o combate a qualquer
forma de opressão, o Afropunk também encoraja o
público a participar do debate político. Para isso, foi
criado um sistema de pontos (Earn a Ticket Program)
que premia com um ingresso quem realiza uma série de
tarefas que vão desde seguir páginas de ONGs nas redes
sociais até limpar parques e participar de reuniões com
ativistas.
No Brasil, a primeira edição do Rock in Rio possui uma
importância histórica por ter acontecido momentos
antes do fim da ditadura militar, simbolizando a
redemocratização tupiniquim e a liberdade de expressão.
Porém, apesar do significativo apoio à proteção da
Amazônia, o festival deixou a política de lado em suas
edições mais recentes, restando aos artistas usarem o
alcance do evento para protestarem, como no show de
Liniker e Johnny Hooker no Palco Sunset ano passado.
É evidente que ser politizado é uma característica que
não se adequa a todos os eventos, principalmente por
motivos comerciais. Porém, na atual conjuntura do
país, incentivar o diálogo sobre política entre o público
jovem deveria ser um pré-requisito de todo grande
festival.
FESTIVAL PSICODÁLIA, 2018.
CRÉDITOS HAI STUDIO / DUDA DALZOTTO
punk rock, a musical subgenre usually associated with
white people. Over time, the festival has included a wider
range of musical genres and became a celebration of
black culture in general. Afropunk’s main motto is to fight
oppression of all kinds and, besides that, it also encourages
the festival-goers to engage in political debate. To this end,
a point-earning system has been created (Earn a Ticket
Program). It awards a ticket to those who engage in a
series of tasks that go from following NGOs on social media
to cleaning parks or taking part in meetings with activists.
In Brazil, the first edition of Rock in Rio is historically
important, as it took place right before the end of military
rule, which symbolized the democratization of Brazil and
freedom of speech. However, despite its meaningful support
to protect the Amazon then, Rock in Rio has put politics
aside in its most recent editions, leaving it to artists to
use the festival’s reach to protest against certain issues,
as in Liniker and Johnny Hooker’s concert on the Sunset
Stage last year. It is clear that being political is not a
characteristic that fits all events, mainly for commercial
reasons. However, considering Brazil’s current state of
affairs, encouraging dialogue about political issues among
young people should be a prerequisite for every major
festival.
36
Apesar de ser o ápice para o público, cada
apresentação artística (seja um show ou
DJset) é apenas o produto final de uma cadeia
produtiva riquíssima, composta por profissionais
competentes de diversas áreas do entretenimento,
compreendendo clubes, festas e festivais de renome.
Muitos destes profissionais aprenderam na prática
e contam com anos de mercado, já outros estão
iniciando carreiras brilhantes: o ponto em comum
entre eles reside nas imensas dificuldades imposta
pelo sistema para executar experiências que ficarão
para a vida toda. Mas o show tem que continuar!
Every show or DJ set is really the end product of a
long and dedicated production chain that involves
talented and dedicated professionals from a wide
range of areas of the entertainment industry, including
clubs, parties and well known festivals. Many of these
people have learned their trade through years of hard
work and a whole lot of self-belief, while others are
just at the beginning of what they hope is a brilliant
career: the common ground between them all is that
the hardest thing in the world is to sustain any career
over a number of years. Despite this, the show must go
on! And it always does...
RAIO-X DA MÚSICA NACIONAL
A Folha de São Paulo analisou 134 bilhões
de execuções no YouTube, entre 2014 e
2017, para fazer um mapa detalhado do
que os brasileiros estão ouvindo. Apesar do
domínio do sertanejo, o estudo constatou
um amplo quadro de misturas sonoras e
comprovou fatos que muitos já imaginavam,
como a ascensão da música eletrônica no Sul
e Sudeste e o fortalecimento cada vez maior
do streaming, principalmente através de
playlists – estima-se que 3 entre 4 usuários
costumam criar suas próprias seleções.
BEATS NAS RUAS
Enquanto o carnaval de rua se solidifica de
vez em grandes cidades do Sudeste e até
do Sul, onde isso era impensável há poucos
anos, espaços se abrem para blocos de todos
os estilos. A música eletrônica não podia ficar
de fora: em 2018, dezenas de eventos foram
organizados tanto por coletivos já conhecidos
da cena como por grandes empresas do ramo.
Quem agradece é o público, que ocupou as
ruas e seguiu em massa os trios elétricos em
festas como a Gopslock e a Carreta Apolo
(SP Beats), o Bloco D.Rrete e o Unidos do
BPM, em São Paulo e a Mikatreta, em Belo
Horizonte. Sem falar, é claro, em outras
dezenas de blocos (inclusive os clandestinos)
na capital do carnaval, o Rio de Janeiro.
X-RAY OF BRAZILIAN MUSIC
Folha de São Paulo newspaper analyzed
134 billion plays on YouTube, between
2014 and 2017, to make a detailed map of
what Brazilians are listening to. Despite the
domination of sertanejo (country music), the
study showed a wide range of sounds and
proved fact many already imagined, such as the
ascension of electronic music in the southern
and southeastern regions of Brazil, and the
growth of streaming, especially through
playlists - approximately 3 to 4 users create
their own collections.
BEATS ON THE STREETS
While the street carnival solidifies once in big
cities of the Southeast and until the South,
where this was unthinkable a few years ago,
unraveling “bloquinhos” of all styles. Electronic
music could not be left out: in 2018, dozens of
events were organized by both groups already
known on the scene and by major companies
in the field. The public, who took to the streets
and massively followed the electric trios at
parties such as Gopslock and Carreta Apolo
(SP Beats), D.Rrete and Unidos do BPM in São
Paulo and Mikatreta in Belo Horizonte. Not to
mention, of course, in dozens of other blocks
(including clandestine ones) in the capital of
Carnaval, Rio de Janeiro.
38 | SHOWBUSINESS

DADOS DO MERCADO
MARKET DATA
A partir desta edição o Anuário BRMC apresentará os From this edition, the BRMC Yearbook will present the
dados do mercado de forma mais flexível; encerrando market data in a more flexible way; analyzing the annual
o acompanhamento anual de dados que trazia em monitoring of data and presenting infographics with the
infográficos a evolução das estimativas anuais de evolution of annual estimates in audience, revenue and
público, arrecadação, cachês e patrocínios dos eventos sponsorship of electronic music events spread throughout
de música eletrônica espalhados pelo Brasil. O principal Brazil. The main reason for the change is that between the
motivo da mudança é que entre a concepção deste design of this model in 2011 and the last edition of the
modelo, em 2011, e a última edição do Anuário, em Yearbook in 2017 the market has changed significantly - as
have the metrics that could bring relevant information and
2017, o mercado mudou de forma significativa - assim
insights to the various players interested in this universe.
como também mudaram as métricas capazes de trazer
Thus, within this new reality and the new guidelines of
informações e insights relevantes para os diversos
the conference, we present a compilation of varied data,
protagonistas interessados neste universo. Assim,
counting with the support of experts in this subject.
dentro desta nova realidade e das novas diretrizes da
conferência, apresentamos uma compilação de dados
variados, contando com o suporte de experts neste
assunto.

RECEITA COM MÚSICA 2017

2017 RECORDED MUSIC REVENUES
FONTE: MIDIA RESEARCH
A FORÇA DAS PLAYLISTS Receita global da música gravada
Global recorded music revenue

17,4bi
dos ouvintes do streaming usam as Playlists
of streaming listeners use playlists

dos ouvintes do streaming criam

as suas próprias playlists
of streaming listeners create their 5,2bi 5,3bi
own playlists Receita Universal Music Receita de selos independentes
FONTE: NIELSEN MUSIC Global recorded music Combined independent and
revenue artists revenue
7,4bi
Receita com streamings
Streaming music revenue

NO BRASIL, AS PRINCIPAIS FONTES DE STREAMING SÃO:

IN BRAZIL, THE MAIN SOURCES OF STREAMING ARE:

YouTube

usuários que não assinam os serviços (uso gratuito)

users who don’t subscribe to services (free use) O crescimento na quantidade de streaming
de música eletrônica entre 2017 e 2018
assinantes de serviços Electronic music streaming between 2017
subscribers to streaming platforms and 2018 has grown over
FONTE: MIDIA RESEARCH FONTE: DEEZER
 ANUÁRIO 2018 | 39

PRINCIPAIS FORMATOS DE CONSUMO MUSICAL NO BRASIL

HOW DO BRAZILIANS LISTEN TO MUSIC
FONTE: MIDIA RESEARCH

Rádio

Vídeos

Stream gratuito
Stream for free
Shows e festas
Go to gigs and concerts

Rádio

Apps de música gratuitos

Use free music app

CDs

Merchadising

Assinaturas
Pay for subscription
Compra de músicas
Buy tracks
Compra de vinil
Buy vinyl

USUÁRIOS MENSALMENTE ATIVOS EM SERVIÇOS DE

STREAMING DE MÚSICA NO BRASIL
MONTHLY ACTIVE USERS OF MUSIC STREAMING SERVICES
FONTE: MIDIA RESEARCH

AS REDES SOCIAIS COMO O PRINCIPAL CANAL DE PROMOÇÃO E DIVULGAÇÃO

SOCIAL NETWORKS AS THE MAIN CHANNEL OF PROMOTION AND DISSEMINATION

dos ouvintes de streaming usam as redes sociais para se informarem sobre música
of streaming listeners use social media to find out about music

buscam novas músicas e álbuns

are looking for new songs and albums

turnês e novas datas

tour and new dates

bastidores e vida pessoal dos artistas

behind the scenes and personal life of artists
FONTE: NIELSEN MUSIC
NAS PISTAS DO BRASIL
THROUGHOUT BRAZILIAN
DANCE FLOORS

CRÉDITOS IMAGE DEALERS

CRÉDITOS LEANDRO QUARTIEMEISTER
CRÉDITOS FERNANDO SIGMA

CRÉDITOS FERNANDO SIGMA

 CRÉDITOS IMAGE DEALERS

CRÉDITOS FERNANDO SIGMA

CRÉDITOS FERNANDO SIGMA

CRÉDITOS CAIO GRAÇA

 CRÉDITOS FELIPE GABRIEL

CRÉDITOS FERNANDO SIGMA

48 | SHOWBUSINESS

CRÉDITOS ROOM28

CENOGRAFIA:
O NOVO HEADLINER
SET DESIGN:
THE NEW HEADLINER
POR FELICIO MARMO

O visual de uma noite memorável já não é mais uma

ação isolada dentro da experiência de festas e festivais
na vanguardista capital de São Paulo, bem como no
resto do país onde pupilas são cada vez mais convidadas
a sonhar junto com o trabalho fino de um time de
profissionais novos que invadem a cena noturna (e
das day parties também). Os arquitetos e designers da
balada já são encontrados criando espetáculos a parte,
em núcleos independentes e nas grandes produções,
ampliando a atuação da área que antes era dominada
mais pelos VJs.
The visuals of a memorable night is no longer isolated
actions in the party and festival experience in the avant-
garde capital of São Paulo, as well as in the rest of the
country. Our pupils are also invited to dream with the
fine work of a team of new professionals invading the
night scene (and day parties as well). Party architects and
designers have been creating spectacles of their own in
independent events and large productions, expanding on
the area dominated by VJs in the past.
 ANUÁRIO 2018
“O público busca cada vez mais participar do evento, a
energia da pista, o som e os visuais juntos proporcionam
uma experiência única e sensações a qual todos
querem vivenciar”, conta Junior Costa Carvalho, do
Sala28 que foi responsável pela iluminação cenográfica
do Dekmantel no Brasil em 2017 e 2018, e que melhor
aproveitou a beleza dos galpões abandonados de São
Paulo pra criar uma estética da nova noite da cidade,
criando para diversas festas independentes.
As megaproduções ganharam ainda mais refinamento
para mexer com os sentidos de frequentadores
exigentes, e nesta seara o mercado da cenografia
segue em plena expansão. Caso de Mario Sergio de
Albuquerque. Sócio diretor da Laroc, foi produtor
dentro da Plusnetwork, assinando produções de todos
os eventos, incluindo Tomorrowland, Elrow, Electric
Zoo. No Laroc, contratou o escritório holandês 250k
pra fazer um remake no visual da casa. Agora ele vai
representar a empresa no Brasil para projetos especiais
de cenografia de festivais e shows.
| 49
CRÉDITOS GUI URBAN
“The public wants to participate in the events, the energy
of the dancefloor, the sound and the visuals together
provide a unique experience and sensations that everyone
wants to have”, says Junior Costa Carvalho, from Sala28,
responsible for light design at Dekmantel in Brazil 2017
and 2018, and enhanced the beauty of abandoned
warehouses in São Paulo to create an aesthetic for the new
nightlife in the city for several independent parties.
Mega-productions gained even more refinement in order
to please the senses of the demanding public, and this
is where the set design market is in full expansion. The
case of Mario Sergio de Albuquerque. Associate director
of Laroc, he was a producer at Plusnetwork, representing
all of their events, such as Tomorrowland, Elrow, Electric
Zoo. At Laroc, he hired the Dutch office 250k to redesign
the club’s visuals. Now he is representing the company in
Brazil for special festival and show design projects.
50 | SHOWBUSINESS
“A twofiftyk é um escritório multi-disciplinar onde
conseguimos oferecer soluções diversas para eventos,
artistas e até o mercado corporativo. Tudo desenvolvido
e criado na Holanda, porém com execução 100%
nacional com o know-how que adquiri na produção
de grandes festivais no Brasil. Muito empolgado com
essa nova alternativa pro mercado nacional que tanto
precisa de inovação”.
Conversamos com esses dois peritos e sensíveis no
assunto pra você entender um pouco mais sobre como
a cenografia está mudando a cara dos rolês pra sempre.
MÁRIO SÉRGIO | LAROC
A Laroc se destaca incluindo temáticas visuais
impactantes na sua proposta de valor desde o
primeiro dia de funcionamento. O que já mudou
da estreia até os dias atuais?
Laroc desde sua estreia já veio com uma proposta
diferenciada. Não tínhamos uma simples ‘cabine’ de
club e sim um palco como os festivais. Os elementos
de madeira junto de painéis de LED e luz já nos
posicionava de outra maneira. A combinação da
natureza, com tecnologia aliado a boa música eram
os ingredientes iniciais. Tínhamos a certeza que em
dois anos faríamos uma completa mudança, até pela
vida útil da madeira utilizada com a ação do tempo,
calor, humidade e etc. Após este período inicial do club,
ouvimos de vários artistas e do público que o Laroc
tinha um ‘festival feeling’ e aí então resolvemos assumir
isso de fato buscando que pudesse nos auxiliar a fazer
uma remodelagem completa trazendo algo inovador
para o cenário de ‘clubs’. Não foi só a cenografia, mas
novo mapa de luz, LED, as fitas no teto e os elementos
aéreos que tem total link com nossa identidade visual.
Estamos em constante evolução sempre tentando estar
um passo a frente.
Quais são os planos para a 250k no Brasil a partir
de sua representação?
Além do Laroc, que foi o primeiro case no Brasil, hoje
já temos o Só Track Boa como clientes, onde fizemos
o Stage Design, Light Design e Visual Content para a
temporada 2018 que será inaugurado na Kaballah em
uma versão pocket, guardando as surpresas para as
edições maiores do festival.
“Twofiftyk is a multidisciplinary office that offers multiple
solutions for events, artists and even the corporate market.
Everything is developed and created in Holland, but
executed 100% in Brazil with the know-how I acquired
producing big festivals in Brazil. I’m very excited with this
new alternative for the national market very much in need
of innovation”.
We spoke with these two experts to understand more about
how set design is changing the face of the nightlife forever.
MÁRIO SÉRGIO | LAROC
Laroc has been calling attention with its impacting
thematic visuals in its value proposal since the first
opening day. What has changed since then?
Laroc,ever since its opening, has a different proposal. We
didn’t have just a simple club cabin, but a festival stage.
The wooden elements with LED panels and lighting in
themselves put us in a different position. The combination
of nature and technology and quality music were the initial
ingredients. We were certain that in two years we would
make a complete change, especially due to the working life
of the wood, weathered by time, hear, humidity, etc. After
this initial period of the club, we heard from several artists
and the public that Laroc had a ‘festival feeling’,and that’s
when we decided to explore that by searching for what
could help us completely remodel and bring something
innovative to the ‘club’ scene. It was not only set design,
but a new light map, LED, ceiling tape and aerial elements
that have total connection with our visual identity. We
are in constant evolution, always trying to keep one step
ahead.
What are the plans for 250k in Brazil under your
representation?
Besides Laroc, our first case in Brazil, today we are
working with Só Track Boa as clients, where we did Stage
Design, Light Design and Visual Content for the 2018
season to be inaugurated at Kaballah in pocket version,
saving the surprises for bigger editions of the festival.
52 | SHOWBUSINESS
JUNIOR COSTA CARVALHO | SALA28
Como foi trabalhar com o holandês Bob Roijen,
designer de luz e de palco do festival Dekmantel?
Pensando como um remix para a ideia original do
artista, que elementos a mais a Sala28 adicionou
para os visuais do festival no pais?
Trabalhar com o Bob Roijen no 1º ano foi gratificante,
uma troca de experiência de ambas as partes. Já no
2º ano, foi uma honra saber que a Sala28 assinaria
inteiramente os visuais do festival. Pensando como
remix, ele trouxe sua experiência de produção de
festivais holandeses, e nós adicionamos ao projeto o que
a cena underground eletrônica de SP vem vivenciando
atualmente. Colocamos um pouco de nós e colaboramos
com outros artistas que fazem a cena ficar cada vez
mais interessante e ajudar nessa evolução, criando
sempre uma experiência única para o público.
O principal elemento encontrado nas cenografias
clubbers montadas por vocês ~e o néon, revisitando
aí uma estética kitsch de forma atual e única.
Como se deu essa construção para Gop Tun e para
outras festas de São Paulo?
Na verdade, o que usamos são barras de LED digital
desenvolvidas pela Sala28, esse é o nosso grande
diferencial. O processo foi longo até chegarmos a esse
formato que é bem semelhante ao Neon. Desde que
começamos nossos estudos com o LED digital nunca
mais paramos, porém a Sala28 não se limita apenas
à utilização de tubos, fazemos o uso de diversos
equipamentos e bastante técnica para chegarmos
ao resultado final de cada projeto: volumetria, luz,
fumaça, reflexão, sombras e efeitos ópticos são alguns
deles. Sobre a Gop Tun, além da parceria, existe uma
amizade de longa data, antes mesmo da própria
formação da GOP. Confiança e liberdade de criação são
os pontos chave para o resultado de superação em cada
trabalho executado ao longo dessa jornada, o desafio
em transformar galpões e locais abandonados em
experiência única é o que motiva a Sala28 a inventar
novas estéticas.
JUNIOR COSTA CARVALHO | ROOM28
What was it like to work with the Dutch Bob Roijen, light
and stage designer for Dekmantel festival? As a remix of
the original idea of the artist, which elements did Sala28
add to the visuals of the festival in Brazil?
Working with Bob Roijen in the first year was gratifying,
it was an exchange of experience for both parts. In the
second year, it was an honor to know that Sala28 would
sign the visuals entirely. Thinking in terms of a remix, he
brought his experience in production of Dutch festivals,
and we added to the project what the underground
electronic music scene of São Paulo is doing now. We put
a bit of ourselves and collaborated with other artists who
make the scene more interesting and help in this evolution,
creating a unique experience to the public.
The main element found in the club design you make is
neon, revisiting a kitsch aesthetic in a new and unique
way; How did this come about for Gop Tun and other
parties in São Paulo?
Actually, we use digital LED bars developed by Sala28,
this is our great attribute. It was a long process until we
arrived at this format which is quite similar to neon. since
we began our studies with digital LED we never stopped,
however Sala28 is not limited to the use of tubes, we use
many different equipments and many techniques in order
to arrive at the final result of each project: volumetry,
lights, smoke, reflections, shadows and optical effects are
just a few. About Gop Tun, we have a long friendship from
before they began their project. Trust and freedom to create
are the key elements for evolving on each and every project
on this journey, the challenge of transforming warehouses
and abandoned locations in a unique experience is what
motivates Sala28 to invent new aesthetics.
 49 EDIÇÕES
MAIOR LANÇADAS
PUBLICAÇÃO
DE MÚSICA A revista brasileira de música eletrônica

ELETRÔNICA SHARAM

R$ 19,90 • Nº 48 • janeiro/fevereiro 2018

DESTAQUES

DO BRASIL
DO ANO
Nossos colaboradores

JEY apontam o que mais lhe

chamaram atenção em 2017

MAGIC
ISLAND
Sucesso do evento, que
reuniu 40 atrações, já
garante edição de 2018

FERNANDA
MARTINS
É do Brasil uma das maiores
representantes femininas do
techno mundial na atualidade

ROCK IN RIO

R$ 19,90 • Nº 41 • 2015
Palco Eletronica provou sua
A revista brasileira de música eletrônica força dentro do festival com
público expressivo nos 7 dias
De alma leve, vive o sonho de muitos;
2017 foi o melhor ano da carreira, que
GABRIEL completa uma década de bons resultados

FANCY
ADAM
INCBEYER
| MUTEK
| OCTAVE
| ETAPP
ONEKYLE
| MEME
| ADE
| UMF
| SOUL.SET
BONI
BRASIL || DEKMANTEL
TANTSA | TRIBALTECH
| BPM

TOMORROWLAND
O fenômeno belga agora também é brasileiro

Vintage RIO MUSIC

CONFERENCE
Evento se consolida como
A revista brasileira de música eletrônica

R$ 19,90 • Nº 47 • julho/agosto/setembro
o maior encontro eletrônico da
América Latina

Culture
Com suas releituras de clássicos
UNIVERSO
PARALELLO
O mítico evento do sul da Bahia
celebra 13 anos de festas
e um plano de carreira bem definido,
o DJ e produtor paranaense chega ao
topo da cena eletrônica nacional VIRADA
À PAULISTA MARISCO
O evento paulistano, que celebra
A cena dos beatmakers de São
Paulo cresce em alto e bom som a música dançante, chega ao
segundo ano com a pujança vital
para surpreender o público
CREAMFIELDS | HAPPY HOLI | WARUNG DAY | LOLLAPALOOZA
JEFF MILLS
O mago do techno conta a
respeito de existência humana,
composições musicais e da nova
obra baseada no Sistema Solar

11 ANOS
WINTER MUSIC
10
10ª edição do festival, que já virou
R$ 19,90 • Nº 46 • janeiro/fevereiro/março

tradição no inverno catarinense,

comemorou os dez anos da House Mag
em grande estilo
ANOS
A revista brasileira de música eletrônica MULTIFACETADO

DE
Parte de vários projetos emblemáticos,
Zopelar fala sobre reflexões artísticas e do
ambiente inspirador em que está inserido

O artista, de apenas 20

ADE 21a
EDIÇÃO
RMC 2017
Com eventos importantes no
Brasil e exterior, prova por que é
referência na América Latina MERCADO V INN E anos, é a bola da vez no
sucesso do bass nacional,
com faixas como “Rock
U” e “Bring it Back”

Maior encontro de música TOP 50 DJS | COACHELLA | CLAUDINHO BRASIL | EL FORTIN | DEKMANTEL | DGTL
eletrônica no mundo chama a
atenção através dos números
cada vez mais impressionantes
TOP 50
CLUBS
A VEZ Confira o ranking que
mobilizou novamente dezenas

DELAS de estabelecimentos pelo país

20 mulheres com sororidade,

profissionalismo e talento de MELHORES
sobra contam suas histórias
e desafios na cena nacional DE 2016
Perguntamos aos nossos
colaboradores sobre seus
destaques pessoais no ano
Sucesso mundial ao
apostar num som
reconhecidamente próprio,
trilhou por caminhos
sólidos para então atingir o
patamar que poucos artistas
brasileiros já alcançaram

1 WWW.HOUSEMAG.COM.BR
AnnA
ADAM BEYER | OCTAVE ONE | MEME | UMF BRASIL | DEKMANTEL | BPM

VENCEDOR
DE 4 PRÊMIOS
DO RMC
54 | SHOWBUSINESS

O QUEBRA CABEÇA DE AÇÕES E

CARACTERÍSTICAS QUE RESULTA
EM UM BOM MANAGEMENT
THE PUZZLE OF FINDING AND
BEING A GOOD MANAGEMENT
PROFESSIONAL
POR ALAN MEDEIROS

Com o mercado da música eletrônica cada vez mais

aquecido em solo nacional, os serviços que envolvem
essa indústria têm passado por um momento de intensa
profissionalização. Prova disso são as agências de
bookings e especialmente as de management do Brasil,
que têm se estruturado e mudado de forma significativa
não somente a carreira dos artistas trabalhados, mas
também o mercado como um todo.
Mas, pra começo de conversa: o que afinal um manager
faz? O management, para ser explicado de uma forma
bem direta, é o responsável por todo posicionamento de
marca de um determinado artista em um determinado
cenário. Há diferentes formatos de management,
mas geralmente eles englobam comunicação,
relacionamento com a parte de bookings (em muitos
casos esses dois exemplos andam juntos), representação
frente às gravadoras e mais. Ou seja, o profissional ou
a agência de management traz um ar profissional para
a jornada musical de um DJ/produtor, algo que, muito
provavelmente, o representado não teria know how
para executar.
Com a profissionalização que citamos no começo deste
texto, novas agências e personal managers surgiram.
Estes, qualificados de forma técnica, têm guiado
Whilst the Brazilian electronic music market increases its
heat, the services encompassed by this industry go through
a moment of intense professionalization. As evidence,
booking agencies and specially management agencies have
structured and significantly changed, not only the career
of their artists, but also of the market as a whole.
But in the first place, what does a manager do?
Management, in a nut-shell, is responsible for every brand
positioning of a particular artist in a given scenario. There
are different management formats, but they usually include
communication, relationship with the bookings (in many
cases these two examples are tied), representation when
dealing with record labels and more. That is, the manager
or the management agency, brings a professional backing
to the musical journey of a DJ / producer, something that,
most likely, the represented artist would not have know-
how to perform.
As mentioned before, with the professionalization of the
sector, new agencies and personal managers emerged.
These technically qualified people have steered true
transformations within electronic music made in Brazil.
For example, Vintage Culture has entered Entourage
 ANUÁRIO 2018
verdadeiras transformações dentro a música eletrônica
made in Brazil. Alguns exemplos clássicos? Vintage
Culture entrou para o casting da Entourage sem uma
grande base de fãs, quatro anos depois acumula gigs
dentro e fora do Brasil com uma popularidade nunca
antes vista dentro do mercado - milhares de fãs em
todas os shows, milhões nas redes sociais. A carreira
dos Tropkillaz certamente não seria a mesma sem o
excelente acompanhado de Rogerio Rodrigues e seu
staff. Num contexto mais conceitual, vale destacar o
trabalho da D AGENCY junto a Apex Music com a DJ
e produtora BLANCAh, hoje um dos nomes brasileiros
com maior potencial de inserção no mercado do
exterior. Outros ótimos exemplos não faltam, mas é
realmente curioso observar é o que há em comum entre
todos esses trabalhos citados: planejamento estratégico,
visualização de resultados a médio/longo prazo e
investimento financeiro.
Sim, a marca de um artista precisa ser tratada como
uma visão mais business, especialmente para aqueles
que já estão em um nível mais avançado em suas
carreiras. Dentro desse panorama, investir em questões
que vão desde Facebook Ads até um bom estúdio de
engenharia sonora pode ser decisivo para melhorias na
carreira. Maurício Soares, responsável pela orientação
horizontal dos artistas Clara Ribeiro, DJ Glazer, Jun
Honda e outros, através da Alma Music, comenta sobre
o papel de um manager frente a seus artistas: “O bom
manager tem uma visão clara sobre o trabalho do
artista, bem como onde e como o mesmo se encaixa
ao mercado, e por isso consegue ao mesmo tempo
proporcionar a liberdade e a proteção necessárias
para o processo de criação.”.
Percebe-se acima que este profissional também tem
como objetivo deixar o artista com o mais tempo livre
possível para se dedicar às atividades conectadas ao
seu desenvolvimento artístico. As tomadas de decisões
importantes quase sempre acontecem em conjunto, o
diferencial que é um bom gestor traz ônus e bônus de
cada caminho possível com clareza, para que o artista
possa ter uma visão mais clara sobre os desdobramentos
de sua carreira. Marc Lankreijer, nome ativo no cenário
internacional desde a década de 90 e fundador da
Amsterdam Music Society (AMS), comentou com
exclusividade ao BRMC uma das obrigações de um
manager que poucas vezes lembramos: “Você tem que
estender sua rede conhecendo pessoas do mundo todo
| 55
casting without having a large fan base. Four years later,
after accumulating gigs in and out of Brazil he now has
a never-before-seen popularity within the marketplace -
thousands of fans at all shows and millions of followers on
social networks.
Another success case, Tropkillaz’s race would certainly
not be the same without the excellent addition of Rogerio
Rodrigues and his staff. In a more conceptual/underground
context, it is worth mentioning the work of D AGENCY in
partnership with Apex Music working on DJ and producer
BLANCAh - today, one of the Brazilian names with greatest
potential for overseas market insertion. We don’t lack great
examples, but curiously, they all share some common
factors within their works: strategic planning, results
programming in mid/long term and financial investment.
Obviously, the artist’s brand must be treated as business,
especially for those who are already at a higher level in their
careers. Within this scenario, investing on a range of tools
from Facebook Ads, to a good mix/mastering (engineering)
studio can be crucial for career enhancements. Maurício
Soares, responsible for artists Clara Ribeiro, DJ Glazer,
Jun Honda and others, comments on the role of a manager
towards his artists: “The good manager has a clear vision
about the work of the artist, as well as where and how it fits
into the market. Hence, providing the necessary freedom
and protection for the creation process”.
You can notice this professional has also the objective to
provide the artist with the greater free time possible, in
order to address the activities connected to his/her artistic
development. Important decision-making are almost
always decided together - the differential is that a good
manager knows how to plainly ponder the pros and cons of
each possible path, so the artist can have a clearer vision
about his/her career’s unfolding. Marc Lankreijer, who
has been active on the international market since the 90s,
and founder of the Amsterdam Music Society, commented
exclusively to BRMC one of the manager’s obligations that
we rarely remember: “You have to extend your network by
personally meeting people from all over the world and live
the club scene, just like the DJ does every weekend”.
Mauricio Soares also complements speaking about some
common investments nowadays, such as logistics with jets
56 | SHOWBUSINESS

pessoalmente e viver a cena clubber, assim como o DJ

faz todo fim de semana.”.

Mauricio Soares ainda complementa e fala sobre alguns

investimentos relativamente comuns, como logística
com jatinhos (por vezes apenas para uma filmagem
ou captação fotográfica) ou fazendas de engajamento
artificial nas redes sociais. Segundo o profissional, estas
opções podem parecer importantes hoje, mas de fato
não constroem uma relação genuína com os fãs, que são
quem compra os ingressos, produtos e alavanca de fato
a carreira do artista. “Existe uma fase de descoberta
que é muito bacana, mas que também pode dar peso
excessivo às aparências e ao curto prazo - especialmente
porque para o artista que começa a crescer, encantar-
se com os resultados e afagos imediatos e tornar-se
míope para o resto é um risco muito grande” finaliza
Maurício.
Do outro lado da moeda estão os artistas sem agência.
Embora nem todos estejam nessa posição por escolha,
alguns nomes realmente preferem estar à frente no
comando de suas próprias carreiras. Esse caminho,
assim como todos os outros, oferece alguns prós e
contras, mas afinal não é tão simples encontrar um
bom manager e, se for pra trabalhar com alguém
apenas por ter um representante, para muitos não
vale a pena. Entre as principais agruras de uma
jornada sem o acompanhamento de management
incluem a dificuldade de posicionamento no mercado
e relacionamento com marcas do cenário - gravadoras,
clubs, núcleos etc.
De uma forma geral, é nítido que ainda precisamos
evoluir em alguns pontos relacionados ao management
no Brasil - alguns deles dizem respeito até mesmo a
cultura de negócio do povo brasileiro. Por outro lado,
é inegável que estamos passando por um momento
muito interessante com excelentes opções para DJs/
produtores que estão precisando desse tipo de serviço
– e definitivamente representam hoje, a olhos vistos,
o crescimento tão expressivo do mercado nacional.
A tendência é que no futuro tenhamos cada vez
mais profissionais qualificados trabalhando em prol
não somente dos seus artistas, mas também de um
crescimento sustentável para o mercado.
(sometimes just for video or photo shooting) or artificial
engagement in social networks (bots farming). According
to the professional, these options may seem important
today, but in fact do not build a genuine relation with
the fans - which are the real people buying tickets and
products, growing someone’s career. “There is a discovery
phase, that is pretty cool. But it can also give excessive
importance to appearances and the short term thinking -
especially because, for the growing artist, to dazzle with
the results and immediate fondling can make you myopic
for the big picture and that is a huge risk.” - says Maurício.
On the other side, are the artists without an agency.
Although not everyone is in this position by choice, some
artists really prefer to be in charge of their own careers.
This path, like any other, offers some pros and cons. It’s
not so easy to find a good manager and if you are willing
to have it, just for the sake of being represented, it’s not
worth it. Among the main difficulties of a journey without
the back-up of management are the difficulty of market
positioning and relationship with brands - e.g. record
companies, clubs, music nuclei, et al.
In general, it is clear we still need to evolve some aspects
related to artistic management in Brazil - some of them
even concern the Brazilian business culture. On the other
hand, it is undeniable that we are going through a very
interesting time with excellent options for DJs / producers
who are in need of this type of service. The trend is that
in the future we will have more and more qualified
professionals working not only for their artists, but also for
a more sustainable market growth.
sunset

open air

conteúdo
musical

estrutura
de festival
we never stop #29
laroc sunset club
valinhos, são paulo, brazil
contato@laroc.club
to be the best Laroc we could ever be
follow us /larocclub /larocclub
Com apenas 2 anos de história, conquistamos a 29ª posição dentro
do Top100Clubs. Esse resultado em tão pouco tempo é conseqüência www.laroc.club
de seguirmos os nossos próprios valores e a nossa missão de ser leal
à música e com a experiência do público. Sejam bem vindos à Laroc!
58
Porque todo cenário cultural se baseia na arte;
na necessidade de expressão. Dos subúrbios de
Chicago, Detroit e Berlim aos morros cariocas,
passando pelas comunidades indígenas ou por
caóticas cidades Latino Americanas. Muito além do
mercado, a música e o entretenimento são exemplos
vivos de cultura, que respira e gravita em torno dos
mais variados temas, surgindo e transformando
as pessoas que se envolvem com eles. É hora de
conhecer cases e personalidades de sucesso nesta
cena, que já possuem lugar cativo na história da
música eletrônica.
Every cultural scene is based on multiple forms of
art and all of them are driven by the need to express
ideas and creativity. It’s the same equation whether
you’re from from the suburbs of Chicago, Detroit and
Berlin, from Rio’s hills, an indigenous community
or the middle of a chaotic Latin American city. But
looking beyond the market and the never-ending needs
of commercialism, music and entertainment are living
examples of culture, breathing and gravitating around
a variety of themes, that transform and enhance the
people who engage with them. Now it’s time to get
to know the personalities from this scene, which has
always played its part in the history of electronic
music.
ANIVERSÁRIOS
O último ano vem sendo de comemorações
importantes na música brasileira: por um
lado, ícones da MPB como Gal Costa, Milton
Nascimento e o grupo MPB4 completam
50 anos de carreira. Nos lados da música
eletrônica os números ainda não são tão
altos, mas já impressionam. No final de 2017,
o DJ Mau Mau celebrou 30 anos de pista. Em
2018 é a vez de Anderson Noise alcançar a
mesma marca. E o single “Pontapé”, um
dos maiores hits do techno brasileiro, que
trouxe fama internacional a Renato Cohen,
ultrapassou os 15 anos de idade!
TRANCE: DE PAIS PARA FILHOS
Há quem diga que ele nunca se foi, mas fato
é que o trance parece ter voltado com força
às pistas do mundo. Primeiro com tracks
discretamente inseridas no meio de sets
de DJs como Nina Kraviz e, agora, com o
retorno de nomes como Paul van Dyk, que
também nunca deixou de estar ativo mas
recentemente estreou nova apresentação. A
diferença é que o gênero agora atrai nem só
os antigos e nostálgicos fãs, mas também os
seus filhos, abertos às melodias características
do estilo. Duvida? Dá um Google em “Desert
Sound” e diga com o que se parece.
BIRTHDAYS
The last year has been of important celebrations
in Brazilian music: on the one hand, MPB icons
such as Gal Costa, Milton Nascimento and the
MPB4 group celebrate their 50-year career. On
the sides of electronic music the numbers are
not yet so high, but quite impressive already.
At the end of 2017, DJ Mau Mau celebrated 30
years of DJ life. In 2018 it’s Anderson Noise’s
turn to reach the same mark. And the single
“Pontapé”, one of the biggest hits of Brazilian
techno, that brought international fame to
Renato Cohen, surpassed the 15 years of age!
TRANCE: FROM FATHER TO SON
Some say that it never left, but fact is that
trance seems to have returned with full power
to the dance floors of the world. First with
tracks discreetly inserted in the middle of sets
of DJs like Nina Kraviz and now with the return
of names like Paul van Dyk, who also never
stopped being active but recently debuted
a brand new presentation. The difference is
that the genre now attracts not only old and
nostalgic fans but also their children, open to
the melodies characteristic of the style. Doubt
it? Google “Desert Sound” and press play.
60 | ART IN SOUND

60 ANOS DA BOSSA
NOVA E A EVOLUÇÃO
DA MÚSICA BRASILEIRA
60 YEARS OF BOSSA NOVA
AND THE EVOLUTION OF
BRAZILIAN MUSIC
POR ALEXANDRE ALBINI
 ANUÁRIO 2018 | 61

Um dos gêneros mais importantes do nosso fazer musical completa 60 anos

em 2018, tendo papel relevante até hoje nesta rica trajetória brasileira de
influências sonoras e culturais, ao inspirar de forma direta artistas que
seguem se reinventando — à exemplo de Marcos Valle
One of the most important genres of our music is turning 60 in 2018, playing
a relevant role to date in this rich Brazilian trajectory of sound and cultural
influences, by inspiring in a direct way artists who continue to reinvent
themselves - like Marcos Valle

Após interpretações de músicas como “Aquarela do

Brasil”, canções de Francisco Alves e Orlando Silva,
entre tantas outras, o país se tornou um dos expoentes
mundiais da música no final dos anos 50; retratando,
em especial, o cotidiano carioca em meio ao processo de
industrialização durante o Governo JK, com o Plano de
Metas e a política desenvolvimentista. É nesse contexto
que a Bossa Nova ganha projeção, mais precisamente
em 1958, quando João Gilberto lança pela gravadora
Odeon um 78 rotações que incluía “Chega de Saudade”,
de Tom Jobim e Vinícius de Moraes. O intérprete
eternizaria, a partir disso, estes acordes dissonantes
característicos, ironizados em “Desafinado” — e
aclamados em apresentações no Beco das Garrafas, um
dos maiores redutos bossa novistas.
Tais sucessos, junto de “Garota de Ipanema”, fizeram
parte das apresentações realizadas no festival de 1962
no Carnegie Hall, em Nova Iorque. A série de shows,
produzidos com apoio do Itamaraty, teve participação
dos maiores representantes do estilo, a fim de promovê-
lo nos EUA. Apesar de ser um gênero associado à classe
média, Gilberto havia sido fortemente influenciado
pelo samba sincopado do morro (protagonizado por
Moreira da Silva, Luiz Barbosa entre outros, que
fizeram sucesso na Era do Rádio, entre os anos 30 e
50), com o compositor baiano realizando uma releitura
que aproximou o ritmo típico da marginalidade à elite.
Por volta de 1963, Marcos Valle, Dori Caymmi,
Edu Lobo e Francis Hime são responsáveis por
uma mudança de pensamento, ao questionarem a
ingerência do jazz norte-americano e proporem uma
reaproximação com as raízes da bossa — corrente
aderida por Nara Leão e Carlos Lyra, expressado
por este último nos versos de “Influência do Jazz”. A
instauração da ditadura militar, em abril de 64, fez com
que a bossa passasse a ter um caráter mais ativista/
militante. O não alinhamento a esse patrulhamento
After interpretations of “Aquarela do Brasil”, by Carmem
Miranda, and songs by Francisco Alves and Orlando Silva,
Brazil became one of the world’s music exponents in the
late 50’s, portraying, among other things, the Carioca
daily life in the midst of industrialization process during
the JK (Juscelino Kubitschek - Brazil’s 21th President -
1940-1945) Government, with the “Goals Plan” and the
development policy reinforced by the motto “50 years in 5”.
It is in this context that Bossa Nova gains a projection,
more precisely in 1958, when João Gilberto releases an
LP via Odeon Records called “Canção do Amor Demais”,
which included “Chega de Saudade”, by Tom Jobim and
Vinícius de Moraes.
From this, the interpreter would eternalize, those
characteristic dissonant chords, ironized in “Desafinado”
- being acclaimed in presentations at Beco das Garrafas,
one of the greatest bossa nova’s stronghold, that also used
to host Elis Regina, Simonal and other artists.
Such hits, amongst “Girl from Ipanema”, were part of the
presentations held at the historic 1962’s festival at Carnegie
Hall in New York. The series of shows, produced with the
support of Itamaraty (Brazil’s Ministry of Foreign Affairs),
had the participation of the greatest representatives of the
style in order to promote it in the USA. Although Bossa
Nova was a genre associated with the middle class, João
Gilberto had been strongly influenced by the syncopated
samba of the hill / favela (played by Moreira da Silva, Luiz
Barbosa among others, who were successful in the Radio
Age between the 30s and 50s), as the Bahian composer
elaborated a rereading which brought the rhythm typically
associated with marginality to the elite.
In the mid-60’s, Marcos Valle, Dori Caymmi, Edu Lobo
and Francis Hime were responsible for a mindset shift,
62 | ART IN SOUND
ideológico foi sintetizado em “A Resposta”, num tempo
em que isto era tido como alienação pela classe artística
à esquerda — com Bôscoli, Jobim, Menescal e outros
líricos, também enquadrados.
O início do arrefecimento é comumente dado com
a final do I Festival de MPB, em 6 de abril de 1965,
representado por “Arrastão”, interpretado por Elis
Regina. Uma semana depois, na oitava edição do
Grammy, Gilberto recebe quatro prêmios por Getz/
Gilberto, incluindo disco do ano e melhor álbum. O
LP permanece 96 semanas em segundo lugar na lista
pop da revista Billboard, atrás somente dos Beatles.
Neste ano é também composta “Samba de Verão”, de
Marcos Valle e Paulo Sérgio Valle, que após a gravação
de Walter Wanderley, em 1966, atingiria igualmente
o segundo posto nas paradas estadunidenses, tendo
noventa versões gravadas naquele país. Mesmo com
este “fim”, o estilo continuou inspirando o cenário
musical brasileiro nas décadas posteriores.
Paralelamente, o funk e o soul de Stevie Wonder e
James Brown se tornavam prestigiados por aqui,
gerando um amplo mercado de black music no começo
da década de 70. Seus maiores representantes eram
Tim Maia e a Banda Black Rio, num elo perfeito entre
os bailes e as gravadoras. “Surgia nessa época a disco
music e os brasileiros bebiam dessa fonte, aliados às
discotecas e rádios. Junto a isso vem o boogie, um pouco
depois e com elementos mais nacionais, principalmente
nas mãos dos magos Robson Jorge e Lincoln Olivetti,
que além de produzirem uma infinidade de nomes,
faziam temas para televisão, o que tornava o alcance
comercial ainda maior”, explica o DJ e pesquisador
Rafael Moraes.
Porém, como lembra DJ Tahira, “não podemos esquecer
do jazz. Esse sim foi peça principal e o primeiro
a influenciar instrumentistas brasileiros em suas
composições — desde as big bands até Miles Davis. A
nossa música já era dançante e o soul e funk vieram
depois trazendo outra perspectiva para o que já era
groovado. Uma mistura realmente incrível!” Do Brasil,
mais precisamente do Nordeste, surge um fluxo de
artistas com sons que combinavam ritmos e perspectivas
regionais com samba, jazz e rock. O destaque foi o
grupo Novos Baianos, com faixas como “Sensibilidade
da Bossa”, além de um samba eletrificado expresso em
Acabou Chorare (1972) — que se mantém até hoje
questioning the interference of American jazz and proposing
a rapprochement with the roots of Bossa - bloc which Nara
Leão and Carlos Lyra adhered to; As expressed by Carlos
in the verses of “Influence of Jazz”.
The beginning of bossa’s cooling is commonly given by the
1st MPB (Brazilian Popular Music) Festival, on April 6th,
1965 - represented by “Arrastão”, played by Elis Regina. A
week later, in the eighth edition of Grammy, João Gilberto
receives four awards for Getz / Gilberto, including album of
the year and best album. The LP remains an incredible 96
weeks at second position on Billboard’s pop list, seconded
only by the Beatles. Within this year also “Samba de
Verão” was composed, by Marcos Valle and Paulo Sérgio
Valle, who after recording Walter Wanderley in 66, would
also reach second place in the US charts, earning ninety
recorded versions in that country. Even though this “end”,
the style continued to inspire the Brazilian music scene in
the following decades.
At the same time, the funk and soul of Stevie Wonder and
James Brown became prestigious here, generating a broad
black music market in the early 1970s. Their biggest
representatives were Tim Maia and the Banda Black Rio, a
perfect link between dancing balls and record companies.
“At that time came disco music and the Brazilians drank
from that source, in conjunction with discos and radios.
Herewith comes the Boogie - a little after, having more
Brazilian elements, primarily by the hands of the ‘wizards’
Robson Jorge and Lincoln Olivetti, who in addition to
producing a multitude of names, made soundtracks for
television - allowing a greater reach of their commercial
purposes”, explains the DJ and researcher Rafael Moraes.
However, as DJ Tahira recalls: “We can not forget about
jazz. This was indeed the main piece and the first to
influence Brazilian instrumentalists in their compositions
- from the big bands to Miles Davis. Soul and funk came
afterwards, but they were also very important; Since people
here always had a very strong connection with dance. Our
music was already danceable and these two styles brought
another perspective to what was already groovy. A really
incredible mix!”
In parallel, from the Northeast region comes a stream of
artists with sounds which combined rhythms and regional
perspectives with samba, jazz and rock.
64 | ART IN SOUND
 ANUÁRIO 2018
entre os melhores álbuns de todos os tempos. Nessa
mesma época nasce o trio carioca Azymuth, que mescla
soul, disco, bossa e funk com a música brasileira; sem
contar nomes como Eumir Deodato e João Donato.
“Falar do pioneirismo do funk e soul brasileiro sem
mencionar Tim Maia é um pecado. Mas mesmo antes
dele, Jorge Ben e Wilson Simonal já desfrutavam
desse balanço. Tim, após voltar deportado dos EUA,
foi convidado por Elis Regina para um trabalho.
Percebe-se que o contato da MPB com estes gêneros
era inevitável”, conta o produtor musical Rafael Araújo.
Já DJ Nuts vê esse período por outro prisma: “A soul
music foi imprescindível para ajustar o orgulho de ser
afro-brasileiro, e como estética sonora nos anos 70, se
tornou meramente uma roupagem usada para vender
discos. Virando a década, os cantores e grupos de rock
ganham mais swing, quando a batida deixa de ser
quadrada.”
Prova dessa tendência foram os traços no samba
rock e nos sons quentes que passam a fazer enorme
sucesso logo depois. Ajudado pela popularização dos
sintetizadores, em 1978 a disco atinge o auge no Brasil
por meio da novela Dancin’ Days, fazendo com que
se espalhassem discotecas por todo o país. Leonardo
Ruas, DJ e colecionador de discos, vai mais a fundo:
“Os anos 80 foram uma época de transição pro
mundo da música, ao surgir instrumentos eletrônicos
que começaram a eletrificar o funk e disco. Nesse
período os japoneses vieram ‘rapar’ nossos vinis, mas
eles não tinham interesse no boogie brasileiro, e sim
no samba jazz, bossa, psicodélico... Os DJs estavam
mais preocupados com hip hop e a recém-criada house
music.”
Porém, essa redescoberta ganhou maior projeção nos
anos 90, quando os estrangeiros passaram a pesquisar
profundamente nossa música. Para Rafael Moraes,
“Gilles Peterson e Antal são peças fundamentais nesse
processo que tira os programas de rádio, clubs e festivais
de uma visão monotemática e colocam a pluralidade
como marca registrada. O primeiro foi o curador do
Boiler Room Recife e o segundo está diretamente ligado
ao Dekmantel, sendo grande influenciador de inúmeros
DJs europeus. Nos dois casos presenciamos um passeio
não só entre boogie e bossa, mas também pelo disco,
afro, latin e eletrônica.”
| 65
The highlight was the Novos Baianos group, throughout an
electrified samba expressed in “Acabou Chorare” (1972) -
that remains to this day among the best albums of all time.
At that same time, the Carioca trio Azymuth was born,
mixing soul, disco and funk with Brazilian music; and
new names from that period like Eumir Deodato and João
Donato.
“To talk about the Brazilian pioneers of funk and soul
without mentioning Tim Maia is a sin. But even before
him, Jorge Ben and Wilson Simonal already enjoyed that
groove. Tim, after returning from the US, was invited by
Elis Regina for a work. It’s notable the contact of MPB with
these genres was inevitable”, says music producer Rafael
Araújo.
Anyhow, DJ Nuts sees this period from another perspective:
“Although it’s not about a political expression here, soul
music was also essential to adjust the pride of being Afro-
Brazilian, and how the sound aesthetics in the 70’s became
a background for selling records. This beat, which came to
be called a boogie, was going at a very high speed, giving
DJs a chance of uplifting the dance floor with more spicy
tracks”.
Proving this trend were the traits in samba rock and the
hot sounds which made huge success soon after. Helped
by the popularization of synthesizers, in 1978 Disco music
reaches its peak in Brazil due the soup opera “Dancing
Days”, causing discotheques to spread throughout the
country. Leonardo Ruas, DJ and record collector, goes
deeper: “The 80s were a time of transition in the music
world, as electronic instruments began to electrify funk
and disco. In that period, Japanese collectors came and
took away much of our vinyl. But they had no interest in
Brazilian boogie, yet in samba jazz, bossa, psychedelic ...
The DJs here were more concerned with hip hop and newly
created house music. Which we’ve never been as much
recognized”.
However, this rediscovery gained more projection in
the 1990s, when international people began to deeply
research our music. For Rafael Moraes, “Gilles Peterson
and Antal are key players in this process which takes radio
shows, clubs and festivals away from a monothematic
vision and place plurality as a trademark. The former was
66 | ART IN SOUND
Nesta questão, Tahira promove um contraponto
importante: “Nos anos 80 já havia DJs procurando
por sonoridades brasileiras nos sebos. Não é uma
exclusividade do boogie nem da disco, como muita gente
fala. Os gringos começaram procurando bossa, depois
samba, e aí por funk, soul e tropicália.” Indícios deste
resgate às nossas raízes têm aparecido com frequência,
tal qual a Brazilian Disco Boogie Sounds (1978–1982),
lançada em 2014 pela gravadora francesa Favorite,
sendo a primeira coletânea de disco music brasileira
no mundo a desenterrar faixas ainda pouco exploradas.
Exemplo mais recente dessa onda é Boogie Naipe, novo
álbum e show de Mano Brown.
Para Millos Kaiser, uma das partes do duo Selvagem,
isso talvez é reflexo do esgotamento de parte do público
por músicas puramente mecânicas. “Acho que esse
som ‘orgânico dançável’ está em alta. [...] a disco foi a
primeira dance music de verdade, e começou orgânica,
para depois incorporar outros elementos, transmutar-se
em boogie, electro, e aí house, techno... Creio que com
a oferta de faixas eletrônicas em demasia, vários DJs
passaram a focar as pesquisas em décadas passadas,
para diferenciar o repertório dos demais.”
Ainda que para muitos a meca dos sons dançantes
seja no Sul, a capital paulista oferece um vasto leque
de opções para as origens da nossa cultura, com tais
ritmos sendo apresentados com frequência nas festas
Calefação Tropicaos, Pilantragi, Só Pedrada Musical,
Disco é Cultura, Primavera, te amo e outras. No restante
do país isso não é diferente, assim como na Alter Disco,
Odara e Brasilidades, em Curitiba; Baile Perfumado
e Terça do Vinil, no Recife; Disritmia, no Rio; Baile
Muderno, em João Pessoa; Baila, em Florianópolis;
Criolina, em Brasília; Baile Tropical, em Belém; Batuke,
em Manaus; e, claro, nos festivais Marisco, Bananada,
Mareh, Psicodália e Dekmantel SP.
“É muito legal ver um público novo se interessando por
artistas que fizeram parte do embasamento de muito
do que temos hoje. Aqui e em Amsterdã presenciei
palcos lotados por quem queria ver de perto Marcos
Valle e Azymuth. Percebo que cada vez mais vemos
jovens de cabeça e ouvidos atentos para descobrir
sonoridades e isso inclui passado, presente e futuro”,
afirma Caio Taborda, integrante do coletivo Gop Tun
e um dos organizadores da edição brasileira do festival
Dekmantel.
the curator of Boiler Room Recife edition and the latter is
directly connected to Dekmantel, being great influencer of
numerous European DJs. In both cases we watch a trip not
only in between Boogie and Bossa, but also Disco, Afro,
Latin and Electronic”.
On this matter, Tahira makes an important counterpoint:
“In the 80’s there were already Brazilian DJs digging sounds
in second-hand shops. It’s not a boogie or disco exclusivity,
as most people say. Foreigners started looking for Bossa,
later Samba, and then Funk, Soul and Tropicália”. Signs
of this ransom to our roots have appeared frequently,
such as Brazilian Disco Boogie Sounds (1978-1982),
launched in 2014 by the French label Favorite, being the
first compilation of Brazilian Disco music in the world to
unearth tracks still little explored. Most recent example of
this wave is Boogie Naipe - Mano Brown’s new album and
concert.
For Millos Kaiser, half of Selvagem duo, this is perhaps a
reflection of the public’s exhaustion of purely mechanical
music. “I think this ‘danceable organic’ sound is on the
rise. [...] the Disco was the first real dance music, and
it started organic, to later incorporate other elements,
transmuting into boogie, electro, and then house, techno...
I believe that with the high offer of electronic tracks many
DJs have focused their researches on past decades in order
to differentiate the repertoire from the others”.
São Paulo’s capital offers a wide range of options within the
origins of our culture, with such rhythms being presented
frequently in parties like Calefação Tropicaos, Pilantragi,
Só Pedrada Musical, Disco É Cultura, Primavera, Te Amo
and others. It is no different in other parts of the country,
such as Alter Disco, Odara and Brasilidades, in Curitiba;
Baile Perfumado e Terça do Vinil in Recife; Disritmia in
Rio de Janeiro; Baile Muderno, in João Pessoa; Baila in
Florianópolis; Criolina in Brasília; Baile Tropical in Belém;
Batuke in Manaus; and, obviously at the festivals Marisco,
Bananada, Mareh, Psicodália and Dekmantel Sao Paulo.
“It’s really cool to see a new audience getting interested
in artists who were part of the basics of much of what we
have today. Here and in Amsterdam I witnessed big crowds
willing to see Marcos Valle, Azymuth and Maria Rita
Stumpf. I realize that is increasingly bigger the number
of young people with attentive heads and ears discovering
sonorities; And, this includes past, present and future” -
says Caio Taborda, from Gop Tun and Dekmantel SP.
68 | ART IN SOUND
Sobre isso, Tahira complementa: “O mundo da cultura
DJ ama misturas porque é isso que a gente faz, tanto
nas discotecagens quanto nas produções, ao pegar sons
inusitados e trazer uma modernidade para os beats,
samples e synths.” Não à toa, bandas como Bixiga 70,
Hermeto Pascoal, Pedra Branca, Mundo Livre S/A e
Baiana System têm servido de inspiração para os DJ
sets de Carrot Green, Lucio K, David Tabalipa, Rodrigo
Bento, Pita Uchôa, Paulão, Barbara Boeing, PG, 440,
Cauana Stival, entre outros. O que vem reforçando
também iniciativas diversas, à exemplo de Vitrola
(Alataj), Patuá Discos, e as rádios Na Manteiga, Treze
e Tapioca.
“Demorou, mas finalmente o público está aprendendo
a ouvir e dar valor a outros gêneros que não sejam
propriamente eletrônicos. Nosso país é muito rico
musicalmente, e unir estilos e culturas está no nosso
sangue. Falando em remixes e edits, estou curioso para
ouvir o novo álbum do DJ Meme, intitulado Som Bacana
e que faz essas misturas, algumas delas inclusive com a
participação do Marcos Valle. É a eletrônica flertando
com tudo isso”, arremata Rafael Araújo.
Para o sociólogo e curador artístico Chico Cornejo,
“Marcos Valle é um dos mais criativos compositores
e arranjadores brasileiros, muito por conta de sua
habilidade em elaborar melodias tão viscosas pela sua
simplicidade aparente e complexidade subjacente (o
trunfo da bossa), para construir levadas que conciliam
a essência do que entendemos como nossa ginga com
os fundamentos daquilo que se concebe como o groove
do jazz. Todos os seus trabalhos posteriores foram
guiados por esse esforço diplomático, no qual o ritmo
era a língua franca e a sincopada o principal elemento
tradutor.”
De fato, um cara que veio da bossa, do samba jazz,
flertou com a disco, fez boogie com Lincoln Olivetti,
entrou nos anos 90 produzindo e ainda está na ativa...,
faz dele um ícone a ser respeitado e sempre revisitado.
Por isso, nada mais apropriado que entrevistá-lo para
colher um parecer sobre essa rica trajetória em que é
parte notória, e a respeito da evolução da nossa música
num entendimento para os dias atuais, tendo em vista
o ambiente das pistas, dos remixes e dos shows em
diversos festivais relevantes.
About this, Tahira adds: “The world’s DJ culture loves
mixtures because that’s what we do, both in recordings
and productions, when picking up unusual sounds and
bringing some modernity to beats, samples and synths.”
No wonder, the bands Bixiga 70, Hermeto Pascoal, Pedra
Branca, Mundo Livre S/A and Baiana System have served
as inspiration for DJ sets such as Carrot Green, Lucio
K, David Tabalipa, Rodrigo Bento, Pita Uchôa, Paulão,
Barbara Boeing, PG , 440 and Cauana Stival. This has
also reinforced several initiatives, such as Vitrola (Alataj),
Patuá Discos, and Na Manteiga, Treze and Tapioca radios.
“It took time, but finally the Brazilian public is learning to
listen and give value to other genres that are not properly
electronic. Our country is very rich musically, and uniting
styles and cultures is in our blood. Talking about remixes
and edits, I’m curious to hear DJ Meme’s new album
titled ‘Som Bacana’ which has these mixes, some of them
including Marcos Valle. It’s the electronic music flirting
with all of that” - Rafael Araújo says.
For the sociologist and artistic curator Chico Cornejo,
“Marcos Valle is one of the most creative Brazilian
composers and arrangers, in large part because of his ability
to elaborate as tenacious melodies with their apparent
simplicity and underlying complexity (the craftsmanship
of Bossa), to build up rhythms that conciliate the essence
of what we understand as our swing alongside the
foundations of what is conceived as Jazz’s groove. All his
later work was guided by this diplomatic effort, in which
rhythm was the lingua franca and the syncopation as the
main element of translation”.
In fact, a guy who came from Bossa, Samba Jazz, flirted
with Disco, and made Boogie with Lincoln Olivetti, entered
the 90s producing music and is still active… Is for sure an
icon to be respected and always revisited.
Therefore, nothing more appropriate than interviewing
him to get an opinion on the evolution of our music,
understanding the present moment, considering the
current dance floors, remixes and the gigs in several
relevant festivals.
 ANUÁRIO 2018
ENTREVISTA: MARCOS VALLE
INTERVIEW
Você trabalhou com soul e funk de modo pioneiro
no Brasil, no fim dos anos 60. Quão relevante
esse vanguardismo foi, ao seu ver, para o
desenvolvimento da MPB a partir dali?
Essa ligação com o funk e soul foi importante pra
mim porque já era uma parte forte e presente na
minha música. Desde que sou garoto, e durante minha
formação, fui muito influenciado pela black music,
Marvin Gaye e outros artistas. No final dos anos 60,
o impacto da bossa nova já não era tão forte como
quando comecei a gravar, o que deu abertura para
aparecer as demais influências que eu tinha, permitindo
ao público que me acompanhava ter uma visão mais
ampla, além da bossa e do samba jazz. Quanto a música
brasileira em geral, acredito que foi interessante por
essa característica de se renovar e de beber de várias
fontes que acabam casando muito bem; pois, afinal de
contas, a base da nossa cultura é negra, o que ampliou
e enriqueceu ainda mais a nossa MPB.
Fruto disso é Vontade De Rever Você (1981), em que
um boogie e soul mais modernos são protagonistas
— algo que te levaria a ser “descoberto”, na década
seguinte, por DJs ingleses. De que forma este fato
foi importante para te propiciar uma nova guinada
internacional?
Percorri vários caminhos, e quando chega nos anos 70
eu passo uma época em Los Angeles e tenho um contato
bem próximo com a soul music, através de um parceiro
de produção do Marvin Gaye. Aí pude trabalhar
tudo aquilo que já tinha dentro de mim e então essa
possibilidade entre o samba e a bossa, o RnB e o soul, o
| 69
You have worked with soul and funk music as a pioneer
in Brazil, by the end of the 60’s. How relevant was this
vanguardism, in your opinion, for the development of
MPB (Brazilian Popular Music) from there?
This connection between funk and soul was important for
me because they already had a strong presence in my music.
Since I was a kid, during my studies, I was very influenced
by black music - like Marvin Gaye and others. In the late
60’s, Bossa Nova did not have the same strong impact as
when I started recording. That gave me the opportunity to
show the other references I had, allowing my audience to
have a broader view beyond Bossa and Samba Jazz. About
the Brazilian Music in general, I believe this characteristic
provided a refreshing moment, which made people drink
from various sources that ended up matching very well;
because, after all, the basis of our culture is black - that
has amplified and enriched our MPB even more.
“Fruto disso é Vontade De Rever Você” (1981), in which
a more modern boogie and soul are protagonists -
something that would take you to be “discovered”, in the
following decade, by English DJs. How important was it
to make you achieve international breakthrough?
I’ve traveled a lot, and by the time I get to the ‘70s I spent
some time in Los Angeles having a very close contact with
soul music through a Marvin Gaye’s production partner.
Then I was able to work everything that was already inside
me, connecting Samba, Bossa, Rn’B, Soul, Funk… It was
a very intense moment for me - being able to overflow
these influences on my surface. This whole mix (which also
included jazz, rock, pop and erudite) ended up creating my
70 | ART IN SOUND
funk..., ficaram muito vivas pra mim e foi um momento
pra colocar essas influências na minha superfície. Essa
mistura toda (que incluía também jazz, rock, pop e
erudita) acabou criando o meu estilo, e acredito que
isto atraiu o interesse dos DJs ingleses na década de
90 e que foi realmente importante pra minha carreira,
não tenha dúvida. A partir disso, sou convidado a fazer
vários shows em festivais na Europa, e, então, muita
gente sente a necessidade de se aprofundar sobre
mim — o que me faz voltar, inclusive, a trabalhar em
discos novos, depois dos meus álbuns anteriores serem
inteiramente consumidos por esse público. Então vem
essa vontade, as gravadoras passam a me procurar e
começo a lançar na Far Out Recordings. Daí em diante,
realmente, uma grande mudança acontece novamente.
Em Nova Bossa Nova (1997), é feito uma releitura
mais funk e ao encontro do movimento acid jazz, no
final dos anos 90. Foi uma forma de interpretação
da bossa para a atualidade, encaixando-a neste
novo ambiente de pista de dança em que você
estava inserido?
Quando pensei neste que foi meu primeiro LP pela Far
Out, o meu encontro naquele momento com Joe Davis,
dono da gravadora, se deu de forma muito interessante
porque ele, ao lado de Gilles Peterson, foram, digamos,
os primeiros a tocar minhas faixas nas pistas de dança
de Londres. Então, sou incentivado a fazer tipos
diferentes de música já no álbum de estreia para esse
público recém-conquistado e que estava esperando pelo
meu novo trabalho. E assim fiz o disco, procurando
exatamente dar um panorama geral da minha música;
o que foi muito bem aceito, voltando a tocar nos clubs
com ainda mais força.
No álbum Estatica (2010) é oferecido uma rica
mistura de jazz e “Baião Maracatú”. Na sua visão,
são essas experimentações que despertam tanto
interesse, resultando em diversos edits e remixes
para composições suas?
Nesse disco, quarto pela Far Out, coloco muito a coisa
da harmonia forte, seja nas aberturas, nas mudanças
de climas que gosto...; e, como no Nova Bossa Nova,
também sou provocado a entrar nas influências a
fundo. Isso é uma coisa interessante, pois os meus fãs
me fazem visitar a minha música de todas as épocas.
Acho que essa mistura, e a coisa toda que ela tem, torna
muito difícil de defini-la, despertando interesse para
style, and I think this attracted the interest of the English
DJs in the 90’s, and certainly that was really important for
my career. From that, I was invited to several gigs in festivals
in Europe, arousing the interest of more people about me.
That made me go back to studio and work on new albums
- after my previous albums were entirely consumed by this
public. Then, record companies start looking after me and
I begin to work with Far Out Recordings. Thereafter, a real
great change happens again.
Em “Nova Bossa Nova” (1997), you do a funkier
reinterpretation also encountering the acid jazz
movement by the end of the 90’s. Was it a way of
presenting contemporary bossa, shaping it into this new
dance floor orientation in which you were inserted?
When thinking of my first LP for Far Out Recordings, I met
Joe Davis, the label’s head honcho. It was a very interesting
meeting because Joe, along with Gilles Peterson were, let’s
say, the first to play my tracks on London dance floors.
So I was encouraged to do different types of music as
early as on the debut album, having in mind this newly-
conquered audience which was expecting my new work.
In the album “Estática” (2010) you offer a rich mix of
jazz and “Baião Maracatú”. In your view, are these
experiments that arouse such interest - resulting in
various edits and remixes for your compositions?
On this album, the fourth by Far Out, I put a lot of the
“strong harmony” thing, being it in the openings or in mood
changes that I like… And, as in the “Nova Bossa Nova”, I
am also encouraged to deep dive into my influences.
This is an interesting thing, because my fans make me
revisit my music of all times. I think this whole mixture
thing (very hard to define) arouses the interest for edits
and remixes. I would say that it attracts even the rappers,
as were the cases with Jay-Z, Kanye West, Pusha T, and
others who immersed themselves in this discography to
compose or make partnerships through the use of samples.
My music is like this: it’s already in me and I just choose
what path to follow.
72 | ART IN SOUND

edições e remixes. Diria que atrai até os rappers, como

foi o caso do Jay-Z, Kanye West, Pusha T, e outros que
mergulharam nessa discografia para compor ou fazer
parcerias através do uso de samples. Minha música é
assim: já está aqui dentro e apenas vejo se caminho pra
um lado ou pro outro.

As apresentações no Boiler Room Recife,

Dekmantel Holanda e na 2ª edição do festival
no Brasil provam que a sua música vem se
transformando. Como é a sensação de angariar
novos fãs e continuar influenciando levas de
artistas, prestes a completar 55 anos de carreira?
Apesar de ser basicamente o que sempre foi, com o
tempo, idade e experiência fui adicionando outras
coisas, se aperfeiçoando e buscando mais dentro de
mim mesmo o que fazer. Algo que me fez gostar disso
cada vez mais e dar maior valor, em especial, ao que
estou envolvido e tendo o prazer de fazer. Logicamente,
isso vai proporcionando novos fãs, lugares e festivais
pelo mundo afora. Aí penso: poxa, já tenho tanto tempo
de carreira e as coisas seguem acontecendo?! Mas não
só continuam, como surgem novas ideias, parcerias,
projetos... É uma série de coisas que só me fazem
bem, me dão uma empolgação para trabalhar e seguir
vivendo de música. É tão bom poder estar em todos
esses lugares e de uma maneira sincera e autêntica.
Então a sensação, pode ter certeza, é maravilhosa; e
continuar influenciando gente nova é um prêmio que
recebo na minha carreira.
The shows at Boiler Room Recife, Dekmantel Festivals -
both in Amsterdam and in São Paulo, prove your music
has been changing. How does it feel to attract new fans
and continue to influence artists’ lives, after a 55 years
old career?
Despite the fact of being basically what always have
been, with time, age and experience I have been adding
other things - improving myself and finding answers
inside me. Something that made me enjoy this even more,
especially on what I am involved with, having pleasure to
do so. Naturally, this brings new fans, places and festivals
around the world. Then I think: Whoah! I already have
such a long lasting career and things keep happening?!
But they not only continue, as also new ideas come up,
new partnerships and projects... It’s a series of things
that only do me good, they excite me to work and keep on
living music. It is so good to be in all these places and in a
sincere and authentic way. So the feeling, you can be sure,
is wonderful; and continuing to influence new people is a
prize I get in my career.
74

Na visão de especialistas, como se dão as interações

entre artistas e marcas? Profissionais de ponta
da indústria da propaganda e publicidade são
convidados a discutir como a relação entre
artistas, eventos, música e marcas está evoluindo,
assim como demonstração de cases de sucesso de
campanhas publicitárias e outras finalidades e
contribuições que a música trouxe na construção de
identidade e da reputação de produtos, serviços e
marcas.
Time to examine the craft and creativity in interactions
between artists and consumer brands. Some of the
cream of the Brazilian advertising industry talk about
the ways in which brand/artist relationships are
evolving, and to offer examples of great advertising
campaigns that have included input from both the
artist and the brand. Panelists will also be offering
advice for both established and upcoming artists as to
how they can make themselves relevant and attractive
to brands and their campaigns.
AGORA ME ESCUTE
As playlists em serviços de streaming
ajudaram Alok e Bruno Martini a alcançar
o posto de artistas brasileiros mais ouvidos
no planeta em rankings como o da Billboard
e do Spotify. Neste serviço, uma experiência
os levou ao top 50 global. O hit “Hear me
Now” começou sendo incluído em seleções
regionais, até organizamente despontar entre
as mais ouvidas do mundo. Isto prova que
uma revolução na maneira de consumir
música está acontecendo neste exato
momento – como vem acontecendo todos os
dias, nos últimos anos.
PATROCINANDO EXPERIÊNCIAS
Festas, festivais e até mesmo artistas vêm
sendo cada vez mais beneficiados por
patrocínios de marcas de todos os tamanhos.
Se, por um lado, eventos gigantes como o
Lollapalooza quase vinculam seus nomes
a algumas marcas (como em seus palcos
nomeados a partir de patrocinadores),
outros, como o Dekmantel, apostaram em
abordagens menos agressivas, levando as
empresas a interagirem com o público de
formas mais discretas e naturais. Entenda
mais sobre como isto acontece, na matéria a
seguir.
HEAR ME NOW
Playlists in streaming services helped Alok and
Bruno Martini to become the Brazilian artists
most listened to on the planet in ranks such
as Billboard and Spotify. In this service, an
experience took him to the top 50 global chart.
His hit “Hear me now” started being included
in regional selections, until it began to appear
among the most listened in the world.
SPONSORING EXPERIENCES
Festivals, clubs and even artists have been
increasingly benefited by sponsorship of brands
from all sizes. While, on the one hand, giant
events such as Lollapalooza almost linked
their names to some brands (such as in their
sponsored stages), others, such as Dekmantel,
relied on less aggressive approaches, prompting
companies to interact with the public in more
discreet and natural ways. Understand more
about how this happens in the following subject.
76 | MUSIC + BRANDS

O QUE AS MARCAS QUEREM?

NO UNIVERSO DA
EXPERIÊNCIA, TER O
PARCEIRO CERTO PODE FAZER
TODA A DIFERENÇA.
WHAT DO BRANDS WANT FROM YOU?
IN THE WORLD OF EXPERIENCE,
HAVING THE RIGHT PARTNER CAN
MAKE ALL THE DIFFERENCE.
POR BRUNA CALEGARI
 ANUÁRIO 2018
Você lembra da época em que o último capítulo da
novela das 8 parava o país inteiro? Ou quando o artista
convidado pelo apresentador de domingo era o galã mais
famoso, que estrelava todas as campanhas publicitárias
em horário nobre? Se recorda estes detalhes, é porque
viveu durante a era da televisão - tudo bem, não precisa
mentir a idade, pois as coisas mudaram não faz muito
tempo. Mas quando elas mudaram, foi rápido e intenso!
Há menos de uma década, as agências de publicidade
tinham que investir em grandes conglomerados de
mídia para atrair a atenção para seus clientes - as
marcas. Nesta equação, o preço de um espaço comercial
em um jornal de circulação nacional era caríssimo, e
as marcas que quisessem aparecer não tinham escolha
senão investir neste tipo de mídia.
Se antes existiam TV, jornal, rádio e outdoor, hoje temos
dezenas de meios de nos comunicar e nos informar. E
muitos deles não suportam nem anúncios - ora, muitos
são serviços de mensagem direta, criptografada! Com
tanta opção (e dispersão) como uma marca pode estar
em contato com seus consumidores, hoje? E foi assim
que migramos da “era da informação” para a chamada
“era da experiência”: marcas querem, cada vez mais,
estar presentes no dia-a-dia dos consumidores de forma
| 77
Do you remember the time when the final episode of the
biggest national’s soup opera used to paralyze the whole
country? Or, when the guest artist for a TV show was the
most famous heartthrob - the one who was also starring the
most prominent ads in the prime-time? If you do remember
these details, it’s because you lived during the television
era. That’s fine: no need to lie your age - as things have
changed not too long ago. But when they did, it was fast and
intense! Less than a decade ago, advertising agencies had
to invest in large media conglomerates to attract attention
to their customers - the brands. In this equation, the price
of a display ad in a newspaper of national circulation was
very expensive, and the brands that wanted to be seen had
no choice but to invest in this type of media.
If before there were TV, newspaper, radio and billboard,
today we have dozens of ways to communicate and inform
us. And, many of them do not even support ads nowadays
- i.e. encrypted direct message services and apps. Today,
having so much choice (and dispersion) how a brand
can be in touch with its consumers? And this is how we
migrated from the “information age” to the so-called
“era of experience”: the brands want to be increasingly
present in the daily lives of consumers, in order to gain
78 | MUSIC + BRANDS
a ganharem sua confiança e simpatia apresentando-
se ao lado do YouTuber favorito, do festival que todo
mundo fala e do artista do momento. E se existe uma
mudança comportamental, cultural e econômica que
afeta diretamente o mercado da música, ela é provocada
pelas marcas e seus interesses. Por isso conversamos
com Coy Freitas, diretor artístico da agência B/Ferraz,
que atua desenvolvendo parcerias estratégicas e projetos
especiais para marcas. Coy é responsável por destinar
verba e atenção de muitas marcas para o mercado da
música eletrônica, dos festivais a projetos únicos de
branding e posicionamento. Na entrevista a seguir,
conduzida pela publicitária Bruna Calegari, ele nos dá
um parecer sobre esta crescente onda de experiência,
conceito, curadoria e investimento no mercado de live
entertainment.
CRÉDITOS FERNANDO SIGMA
their trust and sympathy - by being placed next to the
favorite YouTuber, in the festival that everyone talks about
and the artist of the moment. And, if there is a behavioral,
cultural and economic change that directly affects the
music market, it is driven by brands and their interests.
That is the reason we spoke with Coy Freitas, artistic
director of B/Ferraz agency, which develops strategic
partnerships and special projects for brands. Coy is
responsible for allocating funds and attention of many
brands on the electronic music market; From festivals
activations to unique branding and market positioning
projects. In the following interview, conducted by the
adwoman Bruna Calegari, he tell us his opinion on
this growing wave of experience, concept, curation and
investment in the live entertainment market.
PODER DE PERFORMANCE
XY-2 XY-3B SPEAKERS de alta potência

XY-2 e XY-3B foram feitos para DJs que querem

causar impacto nas multidões. Estes speakers
poderosos oferecem som natural com coerência,
sob medida para grandes pistas ou eventos externos.

Produtos acima da esquerda para direita: XY-2, XY-3B

80 | MUSIC + BRANDS

ENTREVISTA/INTERVIEW

É visível como as marcas têm desenvolvido melhor

suas ações em grandes e médios festivias. Trabalhar
com anseios das marcas em eventos exibe um lado
interessante da publicidade? Como observa o
approach das grandes marcas neste universo?
Existem marcas e marcas, né? E também, a forma
de trabalho das agências que atendem estas marcas
interfere muito. Acredito que qualquer investimento
em música, seja ele num evento através de patrocínio/
ativação ou até mesmo em projetos proprietários das
It is evident how brands have better developed their
marcas, o mais importante é ter uma visão de longo
actions in large and medium-sized festivals. Does
prazo. E isso já se torna um dos fatores que mais
working with brands’ interests at events unveil an
complicam nesta relação. Muitas empresas-corporações
interesting side of advertising? How do you see big
têm um giro tão rápido no seu quadro de funcionários-
brands approaching this universe?
colaboradores que torna praticamente impossível
There are different kinds of brands, right? Also, the
controlar as expectativas em relação ao retorno do modus operandi of the agencies which attend these
investimento, sempre, na grande maioria dos casos, brands interferes a lot. I believe that any investment in
os clientes têm consciência disso, mas na prática, na music, being it placed in an event through sponsorship
pressão dos resultados imediatos, passam por cima / activation or even in brand’s own projects, the most
desta “verdade” e depois isso se torna um problema. important factor is to have a long-term vision. And that
Claro que, tratando-se de patrocínios de eventos e is substantial: Many companies/corporations have such
festivais, é mais prático obter retorno no curto prazo: a fast employee turnover that it is virtually impossible to
basta os recursos para investimentos estarem bem control expectations about return on investment. In most
planejados. Digo isso porque o valor do patrocínio tem cases clients are aware of this, but in practice, the pressure
que ser bom, mas ao mesmo tempo a marca precisa for more immediate results ignores this true and becomes
deixar uma verba boa para ativar e se possível um a problem. Of course, when it comes to sponsoring events
outra para comunicar. Um dos grandes erros é que as and festivals, it is commonsensical to have a short-term
marcas acabam com a verba no patrocínio e depois return - if, the investment resources are well planned.
sobra pouco pro resto, assim não conseguem investir I say this because the value of the sponsorship has to be
decentemente em itens importantes. Mas em projetos good. But, at the same time, the brand needs to invest
relacionados a música, chamados de “plataformas de in activation and if possible, to have another investment
in communication/media. A common big mistake is
música” que envolvem plano de patrocínios de eventos,
when they run out their budget on sponsorship, without
produção e publicação/distribuição de conteúdo, PR,
investing properly in other important factors. In music-
etc… aí, mais do que nunca, a construção de reputação
related projects, or “music platforms” which involve
e o retorno, são, obrigatoriamente, de longo prazo. Uma
events’ sponsorship plan, production and media/press/
das coisas mais loucas no Brasil, é que 3 anos se tornam
distribution of content, PR, et al. ... There, more than ever,
“longo prazo” e convenhamos, não é. Longo prazo são
reputation building and return, are, necessarily, long-
8, 10 anos.
 ANUÁRIO 2018
As marcas sabem o que querem ou estão atrás de
“ondas” que não entendem muito bem?
Um dos maiores erros neste aspecto é a idéia de
“apropriação”, seja de conceitos, de estilos, de qualquer
coisa relacionada a música. No momento em que você
se propõe a se apropriar da música, deu errado e o
projeto vai morrer muitas vezes antes mesmo de nascer
- numa lógica de “longo prazo” onde o nascimento
pode ser o primeiro ano de vida ou os dois primeiros
anos. Algumas marcas já têm um histórico muito
grande de relação com o meio musical e, por isso, são
mais preparadas, têm mais repertório e muitas vezes
já sabem “o que não querem”, o que já é um bom
primeiro passo. Aqui novamente estamos pensando na
“gestão de expectativas”. As marcas têm que entender
que tudo depende do tamanho do investimento. Não
vale comprar cota de apoio e achar que vai ter uma
visibilidade gigante! Claro, sempre pode dar certo, com
criatividade e bons profissionais a cota de apoio pode
ser o suficiente para uma marca atingir seus objetivos
com algum projeto, mas não pode investir pouco e
achar que vai “dominar” o evento. Pode acreditar que
isso acontece com muita frequência. Com relação a
estar “atrás de ondas que não entendem muito bem”
acontece sim, porque às vezes a pessoa responsável
pela marca quer fazer parte de um movimento,
mas este movimento pode não ter nada a ver com
| 81
term achievements. One very disquieting misconception in
Brazil is: we consider 3 years as “long term” and - let’s face
it; It is not. Long term is about 8, 10 years.
Do brands know in depth what they want or are they
following “fashions” or “waves” which they do not
understand very well?
One of the biggest mistakes in this aspect is the idea of
“appropriation”. Be it conceptually, styles and/or anything
related to music. By the time you decide to appropriate
music, it went wrong and the project will die many times
even before being born - in a “long-term” logic, where birth
may be in the first one or two years of life. Some brands
already have a very long time relation with the musical
environment and are therefore more prepared, having a
greater repertoire. Often they already know “what they
do not want”, which is a good first step. Here again we
are thinking of “expectations management.” Brands have
to understand that everything depends on the size of the
investment. You can’t buy a small support quota and
expect a huge visibility! Of course It can always work;
With creativity and good professionals, that quota could
be enough for the brand achieve some goals - But it won’t
“dominate” the event on a small budget. That expectation
happens a lot.
82 | MUSIC + BRANDS
o posicionamento da marca e fica meio forçada a
participação. Precisa de um bom planejamento, precisa
de orçamento de médio e longo prazo, precisa ser
de verdade. Senão, o público não enxerga a relação
verdadeira entre a marca e produto musical.
Qual é a maior dificuldade nessa equação entre
marca/ativação/público?
Tempo, planejamento, visão de longo prazo, alocação
de recursos adequadamente para que a marca possa
ter todas as ferramentas disponíveis, no seu timing
certo para que o investimento tenha o melhor resultado
possível dentro daquela movimentação.
Dê um exemplo de case que, na sua opinião, foi
sensacional nessa equação:
Skol Beats pra mim é sempre o melhor exemplo. Afinal,
o evento virou produto e é um produto importante
no portfólio da Ambev. Mas posso citar mais: Natura
Musical também é um case de sucesso. No meio da
música, muitos dizem que se acabar com o programa
da Natura ou com o Sesc, acaba a MPB (imagine!).
Exageros à parte, o reconhecimento do meio é uma
grande conquista e os resultados culturais acabam
trazendo benefícios. Também citaria o Red Bull
Music Academy como um projeto incrível, com estilo
e relevância, e muita qualidade. Apesar de não rolar
muita coisa no Brasil, é uma plataforma global bem
forte e reconhecida. Acho que vale salientar o Itaú: o
About the “waves which they don’t really comprehend”,
that also happens: sometimes a brand representative
wants to make part on a movement that does not reflect
the brand’s positioning and somewhat that looks a bit
pushy. It does require a good planning, financial plan
and budget for mid and long-terms, it needs to be real.
Otherwise, people will not see the true relation between the
brand and the musical product.
What is the biggest difficulty in this equation between
brand / activation / public?
Time, planning, long-term vision, proper fund allocation so
the brand have all the available tools at the right time in
order to have the best results for that investment.
Which is, in your opinion, a successful case with an
outstanding performance within this equation?
Skol Beats for me is always the best example. After all,
the event became a product and is an important product
in Ambev’s portfolio. But I can cite more: Natura Musical
is also a success case. In the music milieu, many say that
if you terminate Natura’s program or Sesc, you bring
MPB (Popular Brazilian Music) to an end (can you
imagine?!). Exaggeration aside, recognition of the milieu is
a great achievement and cultural results end up delivering
benefits. I would also cite the Red Bull Music Academy as
an incredible project with style and relevance, and great
quality. Although there is not much happening in Brazil,
84 | MUSIC + BRANDS
programa “Rumos” do Itaú Cultural é bem legal e o fato
deles terem assumido a gestão do Auditório Ibirapuera
(São Paulo), mesmo com as condições bem restritivas
de visibilidade de marca, é um sinal de maturidade e de
visão cultural, da importância da cultura na formação
de uma sociedade mais evoluída, com senso crítico e
repertório.
Então, se pararmos para avaliar cases de sucesso, todos,
100% dos casos, são projetos de longo prazo.
Analisando toda sua trajetória, como definiria o
momento em que estamos passando, essa busca
pela experiência que transcende a música e o
próprio evento em si?
Vivemos na era da experiência, e isso é uma realidade
de toda a “comunicação”. Mas isso não é algo que as
marcas criaram e impuseram ao consumidor - na
verdade é o contrário, né? Isso foi criado para atender
a demanda do público, e as pesquisas demonstraram e
os resultados vieram. Portanto, foi algo que nasceu do
consumidor e as marcas estão aproveitando isso para
criar experiências complementares ao que a música
em si oferece como experiência. Em festivais, onde
as pessoas ficam por muitas horas, estas experiências
extras acabam cumprindo o seu papel. Tem muitas
coisas legais, que fazem sentido e enriquecem mesmo o
festival - e claro, tem erros grosseiros.
it is a very strong and recognized global platform. I think
it’s worth mentioning Itaú: Their Itaú Cultural’s “Rumos”
program is very cool - and the fact they have taken over
the management of the Ibirapuera Auditorium (São
Paulo), even after the very restrictive conditions for brand
visibility, is a sign of maturity and cultural vision. They
understand the importance of culture in the development
of a more evolved society, with a broader critical sense and
repertoire.
So, if we stop to evaluate successful cases, all, 100% of the
cases, are long-term projects.
Looking back, how would you define the current moment
we are in? Whereas we are looking for this experience
which transcends music and events themselves.
We live in the era of experience, and this is a reality on
every form of “communication”. Although this is not
something that brands have created and imposed on the
consumer - in fact it’s the opposite, right? This was created
to meet the demand of the public, and research has shown
and the results have come.
So it was something that was born on the consumer’s
side and the brands are taking advantage of it to create
experiences that complement the offered music. At festivals,
where people stay for many hours, these extra experiences
end up fulfilling their role. There are lots of cool things that
make sense and really enrich the festival - and of course,
there are gross mistakes.
 ANUÁRIO 2018
“Então, se pararmos para avaliar cases de sucesso,
todos, 100% dos casos, são projetos de longo prazo.”
Quais tecnologias acredita que serão sucesso nesse
meio, nos próximos anos?
Acho que todas as tecnologias que trazem bons serviços
que ajudam a melhorar a experiência são sempre
positivas. Acho também que a democratização do
acesso é importantíssimo, e viabilizam que mais e mais
artistas consigam produzir e distribuir sua arte, para
que cada vez mais público possa consumir e conhecer
estes trabalhos, também tendem a dar certo.
E onde um artista ou produtor de eventos deve
mirar, daqui pra frente, para conseguir melhores
resultados?
Em ser original, em produzir arte na sua essência, em
fazer algo de qualidade que esteja alinhada com seu
propósito. Sendo essencial, original-autoral, verdadeiro
e legítimo, tende a dar certo, emocionar e cativar o
público. Mas o artista musical tem que trabalhar muito,
pois são muitas as ferramentas que ele tem disponível
e para conseguir chegar a um resultado: ele precisa
saber usar todas elas, cada uma do seu jeito, e para
isso tem que se dedicar ao trabalho, com disciplina e
muita entrega. Muito raro acontecer de outra forma,
ainda mais hoje em dia.
| 85
What technologies do you think will be successful in this
environment in the coming years?
I think all the technologies which bring good services that
help improve the user experience are always positive.
I also believe that the democratization of access is very
important and allows more and more artists to produce
and distribute their art, so that more and more people can
consume and get to know their works, these technologies
also tend to work.
And where should an artist or event producer aim, from
now on in order to get better results?
In being original, in producing art in its essence, in doing
something of quality that is aligned with your purpose.
Being essential, original-authorial, true and legitimate,
tends to work; Being exciting, and captivating to the
audiences. But the musical artist has to work hard,
because there are many tools available to him. To achieve
a result he has to know how to use them all, in their own
way. And to do this he has to dedicate himself to work,
with discipline and much surrender. Very rare to happen
otherwise, even more so nowadays.
86

Nos últimos cinco anos, jovens de toda América do

Sul abraçaram a música eletrônica e sua cultura,
aos milhões. Da Argentina ao México, a Colômbia,
o Equador, o Chile e, claro, o Brasil, a música
eletrônica cresceu e hoje é o estilo que mais de 100
milhões de millennials da região querem ouvir!
Para celebrar isso e encorajar uma aproximação
de ecossistemas, o BRMC apresentará uma série de
painéis com especialistas regionais que examinam
as realidades atuais da cena e questionam como as
comunidades criativas da região podem colaborar
para fazer da América Latina a verdadeira
federação de nações eletrônicas!
In the last five years the youth of South America have
embraced electronic music and its associated cultures
in their millions. From Argentina to Mexico, Colombia,
Ecuador, Chile and of course, Brazil, electronic music,
from the most commercial to the deepest, darkest
underground sounds, is what the region’s 100+ million
millennials want to hear. In order to celebrate this and
encourage further growth, BRMC will be presenting
a series of highly focussed panels of regional experts
examining the current realities of the scene, and
asking the big questions about how the region’s
creative communities can work together to make Latin
America a true federation of electronic nations.
AGENDA CHEIA
Novas edições do Dekmantel, do DGTL e
do Ultra, a consolidação cada vez maior
do Warung Day Festival, mais edições de
festivais tradicionais como a XXXperience,
a TribalTech e a Tribe. A comunidade
da música eletrônica continua com
programação cheia o ano todo no Brasil. Pelo
continente a agenda também continua cheia,
com festivais como o Sónar e Lollapalooza
mantendo presença na América do Sul, o
DGTL que acontece no Chile, e o MUTEK,
que já tem data marcada para acontecer de
novo no México e Argentina.
CONFERÊNCIAS
A exemplo do BRMC, encontros do setor
como o Frecuencias, no Chile, também vêm se
consolidando pelo continente. Sem falar em
eventos mais amplos da indústria musical,
como o IMESUR, que em 2017 aproximou
músicos, empresários e produtores brasileiros
e chilenos de diversos segmentos. Em São
Paulo destaca-se também a SIM, a Semana
Internacional de Música.
FULL SCHEDULE
New editions of Dekmantel, DGTL and Ultra,
the ever-growing consolidation of the Warung
Day Festival, plus editions of traditional festivals
like XXXperience, TribalTech and Tribe. The
electronic music community continues with full
programming year-round in Brazil. Throughout
the continent, the agenda is also full, with
festivals such as Sónar and Lollapalooza
keeping the great work in South America,
DGTL going to Chile, and also MUTEK, which
is scheduled to take place again in Mexico and
Argentina.
CONFERENCES
Like the BRMC, industry meetings such
as Frecuencias in Chile have also been
consolidating across the continent. Not to
mention broader events in the music industry,
such as IMESUR, which in 2017 brought
together Brazilian and Chilean musicians,
entrepreneurs and producers from different
segments. In São Paulo, SIM the International
Music Week also stands out.
88 | SOMOS LATINOAMERICA

CRÉDITOS FELIPE CARTAXO

 ANUÁRIO 2018 | 89

AMÉRICA LATINA: CONTINENTE

UNIDO; POTENCIAL INFINITO
LATIN AMERICA: UNITED CONTINENT;
INFINITE POTENTIAL
POR BRUNA CALEGARI

Se estendendo da gelada Tierra del Fuego, penetrando na Amazônia

brasileira, atravessando a cintura fina da América Central e correndo
ao longo do sinuoso Rio Bravo. A porção latina do continente americano
abarca uma multiculturalidade tão vasta e complexa quanto seu
território. Mas quais seriam os caminhos para compartilhar uma cultura
sonora latino-americana?

Extending from the freezing Tierra del Fuego, penetrating the Brazilian
Amazon, crossing Central America’s thin waist and running along the
tortuous Rio Bravo. The Latin slice of the American continent embraces
a multiculturality as vast and complex as its territory. But what are the
ways of sharing a Latin American sound culture?

Está longe da pretensão deste texto responder a

questões tão profundas. Além do mais, em matéria
de América Latina o consenso é algo inimaginável,
a começar pelo nome, que na falta de outro mais
apropriado adota-se pela facilidade na compreensão.
Pode-se brincar que a pós-verdade nasceu por aqui,
com a chegada de Colombo, pois independente da
quantidade de estudos em áreas distintas, eles sempre
apontarão para respostas diferentes e a única certeza
da união dos Latino-Americanos como povo reside na
complexidade de suas diferenças.
Mas para além da cumbia da Colômbia e do samba do
Brasil, entre algumas arepas da Venezuela, as carnes
By no means, this text claims to answer such profound
questions. Moreover, what regards Latin America,
consensus is something unimaginable; Starting by its
name, which in the absence of a more appropriate one, is
given for its easy understanding. We can make a joke that
post-truth was born here, with the arrival of Columbus,
because regardless the number of studies in different areas,
they will always point to different answers and the only
certainty of Latin Americans be united as a one people
lies in the complexity of their differences. But beyond
Colombia’s Cumbia and the Samba of Brazil, among some
90 | SOMOS LATINOAMERICA
da Argentina e as pimentas mexicanas encontramos
muitos sinais semelhantes, em especial uma história
repleta de conflitos e instabilidades. Pensar na América
Latina a partir da sua posição ao sul não é uma busca
por identidade fechada ou isolada do mundo, mas
por uma compreensão de suas raízes e história - para
melhor delinear um possível futuro.
Em especial na música, as influências das fusões
históricas são facilmente perceptíveis na alegria do
frevo, na melancolia do tango e na nostalgia do sertanejo
autêntico. Uma miríade de estilos e sub-estilos musicais
resultantes da mescla entre europeus, indígenas e
africanos que constitui um dos mais ricos e originais
panoramas musicais da sociedade contemporânea.
Este legado, entretanto, é curiosamente ignorado ou
renegado por uma quantidade significativa do público
e dos produtores de música eletrônica da região, que
geralmente estão com os ouvidos voltados a sons
urbanos vindos de Berlim, Miami ou Chicago. Nossa
música tem sido, ao longo de décadas, curiosamente
mais valorizada por exploradores estrangeiros numa
irônica repetição da história - alguns deles grandes
“conoisseurs” de todo o mundo como o inglês Gilles
Peterson, radialista da BBC Radio 6 em Londres que
possui um caso de amor com a música brasileira e toca
semanalmente tracks que poucos cariocas, paulistas e
mineiros já ouviram. Outro exemplo é o projeto belga
Gotan Project, referência mundial em tango eletrônico.
Independente de seu local de nascimento, a música flui
e encontra seu espaço. Estamos em 2018: o acesso à
música é tão amplo quanto as possibilidades de geo-
localização e tempo/espaço, tornando não apenas
possível que um portenho crie Chicago House Music
dos anos 90, mas também que um berlinense conheça
e toque toda discografia da Tropicália Brasileira.
Mas por que a música local ainda precisa desta (re)
descoberta através do olhar externo - e mais ainda, de
sua validação?
Arepas from Venezuela, the meats of Argentina and the
Mexican peppers we find many similar signs, especially
a history full of conflicts and instabilities. To think about
Latin America due its southern position is not a search
of a closed or isolated identity in the world, but an
understanding of its roots and history - to better trace a
possible future.
Especially in music, the influences of historical fusions are
easily discernible in Frevo’s happiness, in the melancholy
of Tango, and in the nostalgia of the authentic Sertanejo
(Brazilian folk/country music). A myriad of musical styles
and sub-styles resulting from the blend of Europeans,
Indigenous and African, which constitutes one of the richest
and most original musical panoramas of contemporary
society. This legacy, however, is curiously ignored or denied
by a significant amount of the public and the electronic
music producers of the region, who usually have their ears
focused on urban sounds from Berlin, Miami or Chicago.
Our music has, for decades, been curiously more valued by
foreign explorers in an ironic repetition of the history - some
of them are among the world’s great “connoisseurs” like
the BBC’s Radio 6 host, Gilles Peterson, based in London.
Gilles is known to love Brazilian music, playing tracks that
many people from Rio, Sao Paulo or Minas Gerais have
ever heard. Another example is the Belgian project Gotan
Project, a world reference in electronic tango.
Regardless your birthplace, music flows and finds its
space. We are in 2018: access to music is as broad as the
possibilities of geo-location and time / space, making it not
only possible for a person from Buenos Aires to create 90’s
Chicago House, but also for a Berliner to know and play
the entire discography of Brazilian Tropicália. But then,
why does local music still need this (re)discovery through
an external look - and as well, its validation?
92 | SOMOS LATINOAMERICA
QUANDO SE DÁ VALOR AO QUE VEM DE
DENTRO
No cenário Latino-Americano sobram exemplos. Foi
assim quando os exilados chilenos Ricardo Villalobos
e Luciano utilizaram as influências de infância
para dar início a um novo som eletrônico, com mais
movimento e fluidez. O resultado foi um vibrante
renascimento musical no meio dos anos 2000, que
levou dezenas de chilenos a fazer carreira internacional
na cena underground de um dos mercados mais
respeitados do mundo: o Europeu. Fenômeno similar
aconteceu quando o drum’n bass brasileiro carregado
de influências da música popular nacional encantou
ingleses. Nos dois casos, a explosão fora dos nichos nos
países latinos passou por uma espécie de aprovação em
cenários internacionais. Hoje, entretanto, este processo
parece perder força, abrindo espaço para uma saudável
onda que se espalha por diversos países latino-
americanos de pesquisa e diálogo com as sonoridades
enraizadas na cultura popular local.
Estaria a visão do mundo cultural a partir de uma
perspectiva eurocêntrica desgastada? Ao que tudo
indica há uma lenta e gradual quebra de paradigmas
culturais em diversos redutos antes vistos como
“exóticos”. O que já foi rotulado como “world music”
hoje é respeitado em sua autenticidade e ganha força
cada vez maior, inclusive nos produtos das grandes
gravadoras e em cada vez mais sets de DJs que
enxergam na pesquisa (ou diggin’) um verdadeiro
diferencial. Ao mesmo tempo artistas turcos, romenos e
africanos se espalham nos cartazes de clubes e festivais
CRÉDITOS FERNANDO SIGMA
WHEN YOU VALUE WHAT COMES FROM WITHIN
Tthe Latin American scenario is plenty of examples. This
was how Chilean exiled Ricardo Villalobos and Luciano
used their childhood influences to start a new electronic
sound, with more movement and flow. The result was a
vibrant musical renaissance in the mid-2000s that led
dozens of Chileans to make an international career in the
underground scene in one of the most respected markets in
the world: the European. A similar phenomenon occurred
when Brazilian drum’n bass stuffed with national’s
popular music influences, captivated the Brits. In both
cases, the breakthrough of these niches in Latin countries
went through a kind of consent at an international level.
Today, however, this process seems to lose strength,
opening space for a healthy wave that hits several Latin
American countries - through the dialog with society and
researches of sounds rooted in local popular culture.
Was the view of the cultural world from a worn Eurocentric
perspective? There seems to be a slow and gradual
breakdown of cultural paradigms in several conceptions
formerly seen as “exotic”. What has already been labeled
as “world music” today is respected due its authenticity
and attracts more interest, including being signed by
major record companies and increasingly being included
in sets of DJs who see the digging’ (or, musical research)
 ANUÁRIO 2018 | 93

“Todos na América Latina cresceram nessa

instabilidade permanente que nos torna muito atentos
e, apesar de planejarmos a longo prazo, estamos cientes
de que muitas vezes precisamos ter agilidade para
mudar o curso para continuar na corrida”
Gonzalo Solimano

por todo o mundo à mesma velocidade que países tidos

como periféricos assistem a movimentos embasados na
cultura local emergirem com força - criando cenários e
mercados nunca antes imaginados.
Como a cena latino-americana reage a este fenômeno?
“Nós vemos duas tendências diferentes se desenvolvendo
no mercado musical peruano” afirma Lionel Igersheim,
francês fundador do festival peruano Selvamonos: “Por
um lado, há uma vontade de alcançar os mercados
internacionais, trazendo produções mainstream
massivas para o público peruano, em um ritmo
nunca antes visto. Por outro lado, a cena local está se
consolidando, possibilitando que artistas independentes
desenvolvam sua carreira, invistam em novos materiais
e excursões internacionais e também possibilitem a
visita de artistas independentes internacionais ao
Peru.”– alguma (ou total) semelhança com o mercado
Brasileiro não é mera coincidência.
Segundo Gonzalo Solimano, DJ e empresário argentino
à frente da produtora Unlock (responsável pelo festival
de arte digital Mutek em solo portenho), não apenas
existe a oportunidade de criarmos novos movimentos
culturais com as nossas influências musicais, mas
estamos historicamente mais preparados para
aproveitar estas oportunidades: “Acho que todos
na América Latina cresceram nessa instabilidade
permanente que nos torna muito atentos e, apesar de
planejarmos a longo prazo, estamos cientes de que
muitas vezes precisamos ter agilidade para mudar o
curso para continuar na corrida.”
as a true differential. At the same time, Turkish, Romanian
and African artists are featured on posters of clubs and
festivals around the world at the same speed as peripheral
countries watch movements based on local culture strongly
emerge - creating scenarios and markets never before
imagined.
How does the Latin American scene react to this
phenomenon? “We see two different trends developing in
the Peruvian music market,” says Lionel Igersheim, the
French founder of Peruvian Selvamonos festival: “There is
a desire to reach international markets, bringing massive
mainstream productions to the Peruvian public at an
unprecedented speed. On the other hand, the local scene is
consolidating, allowing independent artists to develop their
careers, invest in new materials and international tours,
and that also makes possible the visit of international
independent artists to Peru.” - some (or total) similarity
with the Brazilian market it is not mere coincidence.
According to Gonzalo Solimano, an Argentinian DJ and
entrepreneur, head of Unlock productions (responsible
for Mutek Buenos Aires among others), not only there is
an opportunity to create new cultural movements with
our musical influences, but also we are historically more
prepared to avail of these opportunities: “I think everyone
in Latin America grew up in this permanent instability
that makes us very attentive and, despite our long-term
planning, we are aware that many times we need to have
agility to change course in order to continue in the race”.
94 | SOMOS LATINOAMERICA
RESSIGNIFICAÇÃO CULTURAL:
UM POSICIONAMENTO POLÍTICO
Se a música latina faz muito sucesso no universo pop
mundial há bastante tempo, no cenário eletrônico
esta movimentação é mais recente. Diversos grupos
e artistas vêm cavando fundo e expondo suas raízes,
mais do que como forma genuína de expressão: como
um ato político. Uma maneira de mostrar que, antes de
que um estrangeiro se aproprie das características tão
intrínsecas a cada país ou região, seus próprios nativos
transformem em arte este capital cultural.
É o caso da ascensão da carreira de Nicolá Cruz,
equatoriano representante de uma linha que vem sendo
chamada de Andes Step ou Andes Beat. Como o próprio
nome sugere, o estilo tem características provenientes
da música dos Andes, nostálgica e repleta de elementos
folclóricos. Em 2015 Nicola lançou seu primeiro álbum
autoral “Prender El Alma”, que seguiu uma colaboração
com ninguém menos que Nicolas Jaar – chileno filho de
emigrantes que explora suas raízes Latino-Americanas
de forma originalíssima. Nicolá é amigo próximo do VJ
Fidel Eljouri, com quem se apresenta em diversas datas
como headliner, do Peru à Colômbia. Fidel afirma que
não apenas bebe da cultura primitiva equatoriana, mas
que mantém uma ligação contínua com os membros
da tribo Shipibo, participando de rituais de Ayahuasca
na busca por “utilizar novos meios para aumentar a
conscientização sobre estes povos que existem até hoje,
mostrar o que aprendo sobre uma cultura e identidade
que estão em evolução constante.”
Outras exemplos deste movimento de ressignificação
cultural são notadas por toda a porção latina do
continente americano. Seja no festejado trio argentino
Chancha Via Circuito, na dupla peruana Dengue!
Dengue! Dengue! ou no brasileiro Pigmalião - projeto
que tem à frente o carioca Daniel Lucas, também
responsável pelo selo Frente Bolivarista - os ritmos
tradicionais são valorizados e interpretados em
linguagens atuais com um cuidado e uma relação
artística sutil e muito original.
O fenômeno vai além das pistas, como mostra o
exemplo das batidas e letras altamente politizadas do
BaianaSystem. A banda baiana, antes de ser headliner
de 8 a cada 10 festivais brasileiros, era considerada o
lado underground do Carnaval de Salvador, onde se
CULTURAL RESSIGNIFICATION:
A POLITICAL POSITIONING
If Latin music has been very successful in the world
pop universe for a long time, in the electronic scene this
movement is more recent. Various groups and artists have
been digging deeper and exposing their roots - more
than a genuine way of expression: a political act. A form
of expression which, before a foreigner appropriates the
characteristics so intrinsic to each country or region, their
own natives transform the cultural capital into art.
This is the case of Nicolá Cruz and his career growth, an
Ecuadorian representative of a style that has been referred
as Andes Step or Andes Beat. As its name suggests, it has
characteristics originating from the music from the Andes -
nostalgic and full of folk elements. In 2015 Nicola released
his first original album, called “Prender El Alma”, which
followed a collaboration with nobody less than Nicolas
Jaar - Chilean son of emigrants who explores his Latin
American roots in a super original way. Nicolá is a close
friend of VJ Fidel Eljouri, with who he performs several gigs
as headliners, from Peru to Colombia. Fidel affirms that he
not only sips from the primitive Ecuadorian culture, but
maintains a continuous connection with the members of
the Shipibo tribe, participating in rituals of Ayahuasca in
the search for “using new means to increase the awareness
about these people which exist until today, showing what I
learn about a culture and identity in a constant evolution”.
Other examples of this movement of cultural re-
signification are noted throughout the Latin portion of
the American continent. Be it the celebrated Argentinean
trio Chancha Via Circuito, in the Peruvian duo Dengue!
Dengue! Dengue! or in the Brazilian Pygmalion - a project
headed by Daniel Lucas, which is also Frente Bolivarista
label’s head honcho. The traditional rhythms are valued
and interpreted in current languages, nurturing a subtle
and very original artistic relationship.
The phenomenon goes beyond the dance floors, as shown
by the example of BaianaSystem’s highly politicized beats
and lyrics. The Bahian band, before being headliner
of 8 in every 10 Brazilian festivals, was considered the
underground side of Salvador’s Carnival, where they did
shows in a clandestine bloc called “Navio Pirata” (Pirate
Ship). The mix of mangue-beat, dub, kuduro, cumbia and
afrobeat makes performances resemble DJ sets - turning
96 | SOMOS LATINOAMERICA
apresentava em um bloco clandestino chamado “Navio
Pirata”. A mistura do mangue-beat, dub, kuduro,
cumbia e afrobeat funciona como uma legítima pista
de dança em apresentações que mais se assemelham
a sets, contínuas e cheias de batidas do 4x4. A banda
é composta por 4 cabeças pensantes a serviço da arte
dançante - como eles mesmo se definem, além de
percussionistas e 2 DJs. Russo Passapusso, vocalista,
reforça o peso político dos processos de valorização
local: “Compreender a nossa cultura como a essência
intrínseca a se despertar dentro e fora de nós, com
certeza esse despertar é político. Tenho percebido uma
esperança que une os princípios das diferente pessoas
que convivo . Pra mim em tudo podemos construir um
ato político!”
Além de artistas e bandas, os coletivos têm sido
importantes para a disseminação das novas sonoridades.
Festas independentes em capitais como São Paulo, BH,
Rio, Porto Alegre e Curitiba que muitas vezes viram
na rua o espaço para existir, na internet o espaço para
trocar e se comunicar com mais pessoas a cada dia.
Sonido Trópico, Gatopardø, Ballet Fractal, Gruta, MBR,
Quack, selos como Tropical Twista e Frente Bolivarista
the audience in a legitimate dance floor; Continuous
and plenty of 4x4 beats. They are “four thinking heads
in the service of dancing art” - as they define themselves,
as well as percussionists and 2 DJs. Russo Passapusso,
vocalist, reinforces the political weight of local valorization
processes: “Understanding our culture as the intrinsic
essence and be complete awake: in and out of us. Surely
this awakening is political. I’ve noticed a hope that
unites the principles of different people I relate. For me,
everything can be a political act!”.
In addition to artists and bands, collectives have been
important for the dissemination of new sonorities.
Independent parties in capitals such as São Paulo, Belo
Horizonte, Rio, Porto Alegre and Curitiba have often found
on the streets the space to exist and, on the internet the
space to promote exchanging and communication with
more people every day. Sonido Trópico, Gatopard¬ø,
Ballet Fractal, Gruta, MBR and Quack. Labels such as
Tropical Twista and Frente Bolivarista and artists like
Spaniol, Gerra G, Cosmic & Damião, Pigmalião, Cigarra,
Fanfarra Electronica in between many others.
98 | SOMOS LATINOAMERICA
e artistas como Spaniol, Gerra G, Cosmic & Damião,
Pigmalião, Cigarra, Fanfarra Electronica e muitos
outros.
Um dos cases de maior sucesso recente de investimento
em música regional vem da label argentina ZZK. Foi
fundada pelo americano Grant C. Dull no início dos anos
2000 com o intuito de trazer a cumbia, estilo musical
que conecta toda a América Latina Hispanófona, para
as pistas de dança. Hoje representando artistas como
Chancha Via Circuíto, Uji e o próprio Nicola Cruz,
Grant afirma: “nossa cena cresceu organicamente
o suficiente para que nada se torne comercial muito
rápido. Eu também acho que as pessoas se relacionam
com a autenticidade desta cena, em como os produtores
estão explorando tradições e cultura de uma forma que
mostra através da sua música.”
Allie Silver, mais uma “gringa” em terras argentinas,
investe no crescimento desta cena através da Free
Radical Productions. A americana enxerga além do que
muitos de nós, nascidos e criados na América Latina,
podemos ver: “o mercado latino-americano tem um
grande potencial por causa de seu talento e resiliência.
A América Latina, em geral, e também a Argentina,
especificamente, tiveram tantos desafios a superar,
mas nunca desistiram. Sua determinação em criar
arte apesar dos difíceis desafios políticos e de infra-
estrutura torna sua música ainda mais bela e única.”
One of the most recent successful investment’s cases in
regional music comes from the Argentine label ZZK - it was
founded by the North-American Grant C. Dull in the early
2000s with the objective of bringing Cumbia, a musical
style that connects all of the Hispano-Latin America on the
dance floors. Today, representing artists such as Chancha
Via Circuito, Uji and Nicola Cruz himself, Grant states:
“Our scene has grown organically enough in a way nothing
will become commercial very fast. I also think people
relate to the authenticity of this scene, how producers are
exploring traditions and culture in a way which is shown
through their music.”
Allie Silver, another “gringa” in Argentina, invests in the
growth of this scene through Free Radical Productions. The
American sees beyond of what many of us - born and raised
in Latin America can see: “The Latin American market
has a great potential because of its talent and resilience.
Latin America, in general, and Argentina in particular,
had so many challenges to overcome, but they never gave
up. Its determination to create art despite difficult political
and infrastructure challenges makes its music even more
beautiful and unique”.
 ANUÁRIO 2018
ARTE E MERCADO, UNIÃO E FORÇA
E quando o assunto é viabilizar em termos
mercadológicos os produtos culturais locais, como
está se comportando este movimento? Como já visto,
a quantidade de artistas e profissionais dedicados a
transpor dificuldades para trabalhar e criar novas
oportunidades é enorme, mas as nuances do meio
comercial são tão ou mais complexos que os desafios
históricos culturais.
Com dólar alto, instabilidades econômicas/políticas
e a insistente busca do público mainstream pelos
talentos norte-americanos e europeus, realizar turnês
internacionais são atos corajosos. Afirma Kabir Engel,
que faz eventos no Chile há mais de 20 anos: “O Chile
é um país muito pequeno e, portanto, a cena musical
eletrônica não é tão grande. Os mesmos shows na
Argentina ou no Brasil são muito maiores. Assim
ficamos reféns muitas vezes da vinda de artistas para
estes países para, então, conseguirmos uma data em
Santiago.” Já Priscila Prestes, responsável por tours
internacionais da agência Alliance (que trabalha com
nomes como Warung Beach Club, Warung Day Festival
e Tribaltech), conta sobre a rotina de quem faz as
turnês acontecerem: “Os artistas não vêm pra fazer
uma só data, e com o dólar cada vez mais alto torna-
se mais difícil fazer rolar. É uma equação complicada:
Se, por um lado precisa ser um artista que tenha certa
relevância e venda ingressos, por outro lado estes
artistas possuem uma agenda bem cheia e acabamos
concorrendo com propostas feitas por seus vizinhos,
onde é desnecessário que o DJ pegue um avião de 13
horas para se apresentar. Na maioria das vezes eles
têm que querer muito.”
Neste cenário, se por um lado alimenta-se um ciclo
onde artistas velhos conhecidos do público estão
sempre voltando a custos e riscos elevados, abre-se uma
imensa lacuna a ser preenchida com oportunidades.
Camilo González, historiador e co-fundador da
conferência Frecuencias no Chile, tem uma posição
bem definida sobre um caminho interessante a ser
tomado pelo mercado Latino-Americano no intuito
de torná-lo mais atrativo a toda cadeia: “Somos um
continente e um mercado grande o suficiente e ávidos
por entretenimento e arte para não saber como
aproveitar o que temos: um grande público e grandes
artistas. Estamos acostumados a assistir e pagar caro
| 99
ART AND MARKET, UNION AND FORCE
When the subject is about making feasible, in market terms,
the consummation of local cultural products - how is the
market behaving? As we have seen, the number of artists
and professionals dedicated to overcoming difficulties to
work and create new opportunities is enormous, but the
nuances of the commercial environment are as complex as
or more than historical cultural challenges.
With high priced dollar exchanges, economic / political
instabilities and the insistent request by the mainstream
public for American and European talents, international
tours are brave acts. According to Kabir Engel, who has
held events in Chile for over 20 years: “Chile is a very
small country and therefore the electronic music scene is
not so great. The same shows in Argentina or in Brazil are
much bigger. In many times, we have been held hostage,
depending on the tour of these artists to these countries so
we can book them in Santiago”. Priscila Prestes, who is
responsible for the international tours of Alliance agency
(which works with brands like Warung Beach Club,
Warung Day Festival and Tribaltech), tells us about the
routine of those who make the tours happen: “Artists do
not come to do a single gig, and with the skyrocketing
dollar - that becomes even more difficult to take place.
It’s a complicated equation: If, on the one hand, you have
to book an artist who has some relevance and sell tickets,
on the other hand these artists have a very busy schedule
and we end up competing with proposals made by their
country’s neighbors, where it is unnecessary for the DJ to
take a 13 hour flight to present him/herself. Most of the
times, they have to want it a lot”.
In this scenario, if, in one side, there is a cycle where
artists long time known to the public keep coming back
even with high costs and risks - that creates a huge gap
to be filled with opportunities. Camilo González, historian
and co-founder of the Frecuencias conference in Chile, has
a well-defined position on an interesting path to be taken
by the Latin American market in order to make it more
attractive to the whole chain: “We are a continent and a
market big enough and eager for entertainment and art to
not know how to enjoy what we have: a large audience and
great artists. We are used to pay expensive prices to watch
and to access interesting content - which ends up reducing
not only the capacity of producers to carry out events,
but also the public’s ability to access culture. Changing
this also depends on the time to get to know people and
responsibly collaboration in between those who drive the
industry in each country. On the other hand, we also need
100 | SOMOS LATINOAMERICA

para acessar conteúdos interessantes, o que acaba

diminuindo não apenas a capacidade dos produtores
de realizar eventos, mas também a capacidade do
público de acessar a cultura. Mudar isso também
depende do tempo para se conhecer e colaborar de
maneira responsável entre aqueles que movimentam
a indústria em cada país. Por outro lado, também to take a little risk and bet on Latin America. No paradigm
precisamos arriscar um pouco e apostar na América shift occurred without effort or sacrifice on the part of its
Latina. Nenhuma mudança de paradigma ocorreu sem protagonists. The task is ours, not the audience’s. “
esforço ou sacrifício por parte de seus protagonistas. A
tarefa é nossa, não o público.” The Brazilian market has a good example of the work done
over the “Brazilian Bass”: taking advantage of the Real’s
O mercado brasileiro possui uma bom exemplo devaluation, which often makes the access of international
com o trabalho feito em torno do “Brazilian Bass”: artists unfeasible. In the middle of 2016, local agents
aproveitando a desvalorização do Real, que muitas began to heavily invest in national talents - in a never
seen before scale. Today, dance floor (and social networks)
vezes inviabiliza a vinda de artistas internacionais, em
stars rely on a massive growing market and local players
meados de 2016 agentes locais passaram a investir
in constant renewal - a clear example that betting on the
pesado em talentos nacionais em escala nunca antes
domestic product can bring better results than importing
vista. Hoje, estrelas das pistas (e das redes sociais)
what comes from outside.
contam com um mercado massivo, em pleno crescimento
e com protagonistas locais em eterna renovação – um
“I believe it is not only important to bring the ‘top
claro exemplo de que apostar no produto interno pode
representatives’ together, but also to incorporate those who
dar mais resultado do que importar o que vem de fora. are smaller in size but who have the necessary economic
capacity and management to produce events and generate
“Acredito que não é apenas importante unir os valuable content. For me, the idea of a Latin American
‘principais representantes’, mas também incorporar association is not only attractive, but essential to generate
aqueles que são menores em tamanho, mas que têm a positive context to bring artists from other continents at
a capacidade econômica e a gestão necessárias lower prices and to expose our local talents and popularize
para produzir eventos e gerar conteúdo valioso. Para their work” - Camilo affirms, on a strategy which incentives
mim, a ideia de uma associação Latino Americana a Latin American coalition. “For example, our artists are
não é apenas atraente, mas necessária para gerar as good as foreigners and do not have the same possibilities
um contexto positivo para trazer artistas de outros of global media and investment. So these efforts come upon
continentes a preços mais baixos e para expor the markets’ growth, gradually deviating the content of the
nossos artistas locais e popularizar seu trabalho.” northern hemisphere and encouraging the consumption
afirma Camilo, numa estratégia de incentivos à uma and exportation of Latin electronic music”.
coalizão Latino-Americana. “Nossos artistas são tão
bons quanto os estrangeiros e não têm as mesmas
possibilidades de mídia global e investimento, por
exemplo. Portanto esses esforços vão de encontro ao
crescimento dos mercados, afastam gradualmente o
conteúdo do hemisfério norte e incentivam o consumo e
exportação de música latina eletrônica.”
102 | SOMOS LATINOAMERICA

AMÉRICA LATINA:
CONTINENTE UNIDO;
POTENCIAL INFINITO
POR BRUNA CALEGARI

Extendiéndose desde la helada Tierra del Fuego, penetrando en la Amazonía

brasileña, atravesando la cintura fina de América Central y corriendo a lo largo
del sinuoso Río Bravo. La porción latina del continente americano abarca una
multiculturalidad tan vasta y compleja como su territorio. ¿Pero cuáles serían los
caminos para compartir una cultura sonora latinoamericana?

Está lejos de la pretensión de este texto responder a
cuestiones tan profundas. Además, en materia de América
Latina el consenso es algo inimaginable, comenzando por
el nombre, que ante la falta de otro nombre más apropiado
se adopta por la facilidad en la comprensión. Se puede
decir que la post-verdad nació por aquí, con la llegada
de Colón, pues independientemente de la cantidad de
estudios en áreas distintas, ellos siempre apuntarán para
respuestas diferentes y la única certeza de la unión de los
Latinoamericanos como pueblo reside en la complejidad
de sus diferencias.
Pero más allá de la cumbia de Colombia y de la samba
de Brasil, entre algunas arepas de Venezuela, las carnes
de Argentina y las pimientas mexicanas encontramos
muchos signos semejantes, en especial una historia repleta
de conflictos e inestabilidades. Pensar en América Latina
a partir de su posición al sur no es una búsqueda por
una identidad cerrada o aislada del mundo, sino por una
comprensión de sus raíces e historia - para delinear mejor
un posible futuro.
En especial en la música, las influencias de las fusiones
históricas son fácilmente perceptibles en la alegría del frevo,
en la melancolía del tango y en la nostalgia del sertanejo
auténtico. Una miríada de estilos y sub-estilos musicales
resultantes de la mezcla entre europeos, indígenas y
africanos que constituye uno de los más ricos y originales
panoramas musicales de la sociedad contemporánea.
Este legado, no obstante, es curiosamente ignorado o
renegado por una cantidad significativa del público y de
los productores de música electrónica de la región, que
104 | SOMOS LATINOAMERICA
generalmente tienen los oídos dirigidos a sonidos urbanos
provenientes de Berlín, Miami o Chicago. Nuestra música
ha sido, a lo largo de décadas, curiosamente más valorizada
por exploradores extranjeros en una irónica repetición de
la historia - algunos de ellos grandes “conoisseurs” de todo
el mundo como el inglés Gilles Peterson, locutor de radio
de la BBC Radio 6 en Londres que posee una historia de
amor con la música brasileña y toca semanalmente tracks
que pocos cariocas, paulistas y mineros ya escucharon.
Otro ejemplo es el proyecto belga Gotan Project, referencia
mundial en el tango electrónico.
Independiente de su lugar de nacimiento, la música fluye
y encuentra su espacio. Estamos en el 2018: el acceso a
la música es tan amplio como las posibilidades de geo-
localización y tiempo/espacio, haciendo no solo posible
que un porteño cree Chicago House Music de los años
90, pero también que un berlinés conozca y toque toda la
discográfica del Tropicalismo Brasileño. ¿Pero por qué la
música local todavía necesita de este (re)descubrimiento
a través de una mirada externa - y aún más, de su
validación?
CUANDO SE DA VALOR A LO QUE VIENE DE ADENTRO
En el escenario Latinoamericano sobran ejemplos de esto.
Fue así cuando los exiliados chilenos Ricardo Villalobos y
Luciano utilizaron las influencias de su infancia para dar
inicio a un nuevo sonido electrónico, con más movimiento
y fluidez. El resultado fue un vibrante renacimiento
musical a mediados de los años 2000, que llevó a decenas
de chilenos a hacer carrera internacional en la escena
underground de uno de los mercados más respetados del
mundo: el Europeo. Un fenómeno similar ocurrió cuando
el drum’n bass brasileño cargado de influencias de la
música popular nacional encantó a los ingleses. En los
dos casos, la explosión fuera de los nichos en los países
latinos pasó por una especie de aprobación en escenarios
internacionales. Hoy, no obstante, este proceso parece
perder fuerza, abriendo espacio para una saludable ola
que se esparce por diversos países latinoamericanos de
búsqueda y diálogo con las sonoridades enraizadas en la
cultura popular local.
¿Estaría desgastada la visión del mundo cultural a partir
de una perspectiva euro-céntrica? Todo indica que hay
una lenta y gradual ruptura de paradigmas culturales en
diversos reductos antes vistos como “exóticos”. Lo que ya
fue rotulado como “world music” hoy es respetado en su
autenticidad y gana una fuerza cada vez mayor, incluso
en los productos de las grandes grabadoras y en cada vez
más sets de DJs que ven en la búsqueda (o diggin’) un
verdadero diferencial. Al mismo tiempo, artistas turcos,
rumanos y africanos se esparcen en los carteles de clubes
y festivales por todo el mundo a la misma velocidad
que los países considerados periféricos ven emerger con
fuerza movimientos basados en la cultura local - creando
escenarios y mercados nunca antes imaginados.
¿Cómo reacciona a este fenómeno la escena
latinoamericana? “Nosotros vemos dos tendencias
diferentes desarrollándose en el mercado musical
peruano” afirma Lionel Igersheim, francés fundador
del festival peruano Selvamonos: “Por un lado, hay una
voluntad de alcanzar a los mercados internacionales,
trayendo producciones mainstream masivas para el
público peruano, en un ritmo nunca antes visto. Por otro
lado, la escena local está consolidándose, posibilitando que
artistas independientes desarrollen su carrera, inviertan
en nuevos materiales y excursiones internacionales y
también posibiliten la visita de artistas independientes
internacionales a Perú.”– alguna (o total) semejanza con
el mercado Brasileño no es mera coincidencia.
Según Gonzalo Solimano, DJ y empresario argentino
al frente de la productora Unlock (responsable por el
festival de arte digital Mutek en suelo porteño), no solo
existe la oportunidad de crear nuevos movimientos
culturales con nuestras influencias musicales, sino que
estamos históricamente más preparados para aprovechar
106 | SOMOS LATINOAMERICA
estas oportunidades: “Creo que todos en América Latina
crecieron en esta inestabilidad permanente que nos
vuelve muy atentos y, a pesar de planificarnos a largo
plazo, estamos conscientes de que muchas veces debemos
tener agilidad para cambiar el curso para continuar en la
carrera.”
RESIGNIFICACIÓN CULTURAL:
UN POSICIONAMIENTO POLÍTICO
Si la música latina tiene mucho éxito en el universo pop
mundial hace bastante tiempo, en el escenario electrónico
este movimiento es más reciente. Diversos grupos y artistas
están hurgando profundamente y exponiendo sus raíces,
más que como forma genuina de expresión: como un acto
político. Una manera de mostrar que, antes de que un
extranjero se apropie de las características tan intrínsecas
de cada país o región, sus propios nativos transformen en
arte este capital cultural.
Es el caso de la ascensión de la carrera de Nicolá Cruz,
ecuatoriano representante de una línea que está siendo
llamada Andes Step o Andes Beat. Como el propio nombre
lo sugiere, el estilo tiene características provenientes de
la música de los Andes, nostálgica y repleta de elementos
folclóricos. En el 2015 Nicola lanzó su primer álbum
autoral “Prender El Alma”, que siguió una colaboración
con nadie menos que Nicolas Jaar – chileno hijo de
emigrantes que explora sus raíces Latinoamericanas
de forma originalísima. Nicolá es un amigo cercano del
VJ Fidel Eljouri, con quien se presenta en diversas fechas
como headliner, desde Perú hasta Colombia. Fidel afirma
que no solo bebe de la cultura primitiva ecuatoriana, sino
que mantiene una conexión continua con los miembros de
la tribu Shipibo, participando de rituales de Ayahuasca en
la búsqueda por “utilizar nuevos medios para aumentar la
concientización sobre estos pueblos que existen hasta hoy,
mostrar lo que aprendo sobre una cultura e identidad que
están en evolución constante.”
Otros ejemplos de este movimiento de resignificación
cultural son notados por toda la porción latina del
continente americano. Ya sea en el festejado trío argentino
Chancha Vía Circuito, en el dúo peruano Dengue! Dengue!
Dengue! o en el brasileño Pigmalião - proyecto que tiene
al frente al carioca Daniel Lucas, también responsable
del sello Frente Bolivarista - los ritmos tradicionales son
valorizados e interpretados en lenguajes actuales con un
cuidado y una relación artística sutil y muy original.
El fenómeno va más allá de las pistas, como muestra el
ejemplo de los ritmos y letras altamente politizados del
BaianaSystem. La banda baiana, antes de ser headliner
de 8 cada 10 festivales brasileños, era considerada el
lado underground del Carnaval de Salvador, donde se
presentaba en un bloque clandestino llamado “Navío
Pirata”. La mezcla del mangue-beat, dub, kuduro, cumbia
y afrobeat funciona como una legítima pista de baile en
presentaciones que se asemejan más a sets, continuas y
llenas de ritmos del 4x4. La banda está compuesta por
4 cabezas pensantes al servicio del arte danzante - como
ellos mismos se definen, además de percusionistas y 2 DJs.
Russo Passapusso, vocalista, refuerza el peso político de
los procesos de valorización local: “Comprender nuestra
cultura como la esencia intrínseca a despertar dentro y
fuera de nosotros, claro que ese despertar es político. He
percibido una esperanza que une los principios de las
diferente personas con las que convivo. ¡Para mí en todo
podemos construir un acto político!”
Además de artistas y bandas, los colectivos han sido
importantes para la diseminación de las nuevas
sonoridades. Fiestas independientes en capitales como
São Paulo, BH, Río, Porto Alegre y Curitiba que muchas
veces vieron en la calle el espacio para existir, en Internet
el espacio para cambiar y comunicarse con más personas
a cada día. Sonido Trópico, Gatopardø, Ballet Fractal,
Gruta, MBR, Quack, sellos como Tropical Twista y Frente
Bolivarista y artistas como Spaniol, Gerra G, Cosmic &
Damião, Pigmalião, Cigarra, Fanfarra Electrónica y
muchos otros.
Uno de los casos de mayor éxito reciente de inversión
en música regional viene de la label argentina ZZK. Fue
fundada por el americano Grant C. Dull al inicio de los años
2000 con la intención de traer la cumbia, estilo musical
que conecta a toda América Latina Hispanohablante,
para las pistas de baile. Hoy representando a artistas
como Chancha Vía Circuito, Uji y el propio Nicola Cruz,
Grant afirma: “nuestra escena creció orgánicamente lo
suficiente para que nada se vuelva comercial muy rápido.
Yo también creo que las personas se relacionan con la
autenticidad de esta escena, en cómo los productores
están explorando tradiciones y cultura de una forma
que se muestra a través de su música.” Allie Silver, otra
extranjera en tierras argentinas, invierte en el crecimiento
de esta escena a través de la Free Radical Productions. La
americana ve mucho más que muchos de nosotros, nacidos
y criados en América Latina, podemos ver: “el mercado
 ANUÁRIO 2018
latinoamericano tiene un gran potencial por causa de su
talento y resiliencia. América Latina, en general, y también
Argentina, específicamente, tuvieron tantos desafíos a
superar, pero nunca desistieron. Su determinación en
crear arte a pesar de los difíciles desafíos políticos y de
infraestructura hace a su música aún más bella y única.”
ARTE Y MERCADO, UNIÓN Y FUERZA
Y cuando el asunto es viabilizar los productos culturales
locales en términos mercadológicos, ¿cómo se está
comportando este movimiento? Como ya fue visto, la
cantidad de artistas y profesionales dedicados a transponer
dificultades para trabajar y crear nuevas oportunidades
es enorme, pero los matices del medio comercial son tan o
más complejos que los desafíos históricos culturales.
Con el dólar alto, las inestabilidades económicas/
políticas y la insistente búsqueda del público mainstream
por los talentos norteamericanos y europeos, realizar
giras internacionales son actos valerosos. Afirma Kabir
Engel, que realiza eventos en Chile hace más de 20 años:
“Chile es un país muy pequeño y, por lo tanto, la escena
musical electrónica no es tan grande. Los mismos shows
en Argentina o en Brasil son mucho mayores. Así muchas
veces somos rehenes de la llegada de artistas a estos países
para, entonces, lograr una fecha en Santiago.” Ya Priscila
Prestes, responsable de giras internacionales de la agencia
Alliance (que trabaja con nombres como Warung Beach
Club, Warung Day Festival y Tribaltech), cuenta sobre la
rutina de quien hace que las giras ocurran: “Los artistas
no vienen para hacer una sola fecha, y con el dólar cada
vez más alto se hace más difícil lograrlo. Es una ecuación
complicada: Si, por un lado, tiene que ser un artista que
tenga cierta relevancia y venda entradas, por otro lado
estos artistas poseen una agenda muy ocupada y acabamos
compitiendo con propuestas hechas por sus vecinos, donde
es desnecesario que el DJ coja un vuelo de 13 horas para
presentarse. La mayoría de las veces ellos tienen que
quererlo mucho.”
En este escenario, si, por un lado, se alimenta un ciclo
donde artistas viejos conocidos del público están siempre
regresando a costos y riesgos elevados, se abre una inmensa
laguna a ser llenada con oportunidades. Camilo González,
historiador y co-fundador de la conferencia Frecuencias en
Chile, tiene una posición bien definida sobre un camino
interesante a ser tomado por el mercado Latinoamericano
con la intención de hacerlo más atractivo a toda la cadena:
| 107
“Somos un continente y un mercado suficientemente
grande y estamos ávidos por entretenimiento y arte
para no saber cómo aprovechar lo que tenemos: un gran
público y grandes artistas. Estamos acostumbrados a ver
y a pagar caro para acceder a contenidos interesantes, lo
que acaba disminuyendo no solamente la capacidad de los
productores de realizar eventos, sino también la capacidad
del público de acceder a la cultura. Cambiar esto también
depende del tiempo para conocerse y colaborar de manera
responsable entre aquellos que mueven la industria en
cada país. Por otro lado, también debemos arriesgarnos
un poco y apostar en América Latina. Ningún cambio de
paradigma ocurrió sin esfuerzo o sacrificio por parte de sus
protagonistas. La tarea es nuestra, no del público.”
El mercado brasileño posee un buen ejemplo con el trabajo
hecho alrededor del “Brazilian Bass”: aprovechando la
desvalorización del Real, que muchas veces impide la
llegada de artistas internacionales, a mediados del año
2016 los agentes locales comenzaron a invertir pesado
en talentos nacionales a una escala nunca antes vista.
Hoy, estrellas de las pistas (y de las redes sociales)
cuentan con un mercado masivo, en pleno crecimiento y
con protagonistas locales en eterna renovación – un claro
ejemplo de que apostar en el producto interno puede dar
más resultado que importar lo que viene de afuera.
“Pienso que no solamente es importante unir a los
‘principales representantes’, sino también incorporar a
aquellos que son menores en tamaño, pero que tienen la
capacidad económica y la gestión necesarias para producir
eventos y generar contenido valioso. Para mí, la idea de
una asociación Latinoamericana no es solo atractiva,
sino necesaria para generar un contexto positivo para
traer artistas de otros continentes a precios más bajos y
para exponer a nuestros artistas locales y popularizar su
trabajo.” afirma Camilo, en una estrategia de incentivos
para una coalición Latinoamericana. “Nuestros artistas
son tan buenos como los extranjeros y no tienen las
mismas posibilidades de medios de comunicación globales
y de inversión, por ejemplo. Por lo tanto, estos esfuerzos
van al encuentro del crecimiento de los mercados,
alejan gradualmente el contenido del hemisferio norte e
incentivan el consumo y la exportación de la música latina
electrónica.”
108

Inovação e futurismo, do empreendedorismo

Technology plays a major role in most people’s lives,
disruptivo à realidade virtual. A tecnologia
acting as an enabler for many, and as a source of
desempenha um papel importante na vida da
creative inspiration for others. In order to help our
maioria das pessoas, agindo como um facilitador
delegates make sense of all this, and also to get some
para muitos e como fonte de inspiração criativa
sense of what will be introduced over the next decade
para os demais. Para ajudar nossos participantes a
might, BRMC has created the Future Forum, a place
entender tudo isso, e também a ver algum sentido do
where the very best new ideas in both production and
que será introduzido na próxima década, o BRMC
music-making, as well as the technology that makes it
criou o Future Forum, um lugar onde as melhores happen, take centre stage.
ideias novas em produção, música, tecnologia e
inovação ocupam um lugar central.
MÚSICA NO DNA
Depois da descoberta da possibilidade
de se armazenar dados no DNA, claro
que não ia demorar para a música entrar
nessa. Para comemorar o aniversário de
20 anos do álbum Mezzanine, os ingleses
do Massive Attack decidiram codificar as
gravações nessas moléculas. Na época do seu
lançamento, em 1998, disco já foi objeto de
inovação: foi o primeiro a ser transmitido por
streaming, de forma gratuita, via RealAudio.
CRIPTOROYALTIES
O mercado da música não tem ficado para
trás na onda das criptomoedas. Björk, por
exemplo, distribuiu AudioCoins para quem
comprou seu último álbum. Já o rapper 50
Cent, um dos primeiros músicos mainstream
a aceitar bitcoins como pagamento, em
2014 teve que negar que ainda possuía 700
unidades da moeda — o que hoje equivaleria
a milhões de dólares. O último a inovar foi
o DJ e produtor Gramatik, que utilizou a
tecnologia Ethereum para criar a GRMTK.
Quem a adquirir leva mais do que uma
criptomoeda: ganha também participação
nos direitos e royalties gerados pela sua
música.
MUSIC IN DNA
After the discovery of the possibility of recording
data in DNA, it was clear that music would
not take long to jump on the bandwagon. To
celebrate the 20th anniversary of Mezzanine,
Massive Attack decided to encode their recording
in these molecules. At the time of its release in
1998, the album was already innovative: it was
the first to be broadcast through streaming for
free, through RealAudio.
CRIPTOROYALTIES
The music market is not behind in the
criptocurrency trend. Björk, for example,
distributed AudioCoins for whomever bought
her latest album. 50 Cent, one of the first
mainstream artists to accept bitcoins as
payment, in 2014, had to deny still having
700 units - which would be worth millions of
dollars today. The latest innovation was DJ
and producer Gramatik, who used Ethereum
technology to create GRMTK. Whoever buys it
wins more than criptocurrency: they also gain
participation in the rights and royalties of the
music.
110 | FUTURE FORUM
ENTREVISTA: RAFAEL ARAÚJO
INTERVIEW
Estávamos em meados dos anos 2000 quando o DJ
e produtor musical Rafael Araújo, fundador do selo
de techno BR909, decidiu investir em uma nova
empreitada. Profissionalizar DJs, oferecendo cursos
completos de teoria e prática da arte da discotecagem
à produção musical. Assim, em 2004 nasce a AIMEC
(Academia Internacional de Música Eletrônica de
Curitiba), escola que, de tanto formar centenas de
DJs e produtores musicais, acabou colaborando para
mudanças expressivas nos cenários artísticos e culturais
das praças por onde espalharam suas unidades - de
Balneário Camboriu a Campinas são 7 unidades fixas e
cursos espalhados pelo país. Por compartilhar de ideais
semelhantes em relação a mercado e profissionalização
do setor, a escola é parceira do Brazil Music Conference
desde a primeira edição, e a cada Anuário convidamos
seus professores para indicar as principais tecnologias
que serão tendência nos próximos meses. Mas antes de
partir para o futuro, que tal voltar para o lado humano
do empreendedor que deu vida a esta gigante, e
permanece fiel a um sonho de quase 15 anos de idade?
Com a palavra, Rafael Araújo, co-fundador da AIMEC:
O BRMC chegou a sua décima edição, e você tem
participado desde o começo da conferência em
2009. Se fosse citar uma tecnologia utilizada pelo
It was mid 2000’s when the DJ and music producer Rafael
Araújo, founder of the label BR909, decided to invest in a
new venture. His aim was to professionalize DJs, offering
complete courses of theoretical and practical skills on
DJing and music production. Thus, in 2004 AIMEC
(International Academy of Electronic Music in Curitiba)
was born. School which, forming hundreds of DJs, ended
up collaborating to expressive changes in the artistic
and cultural scenario around the locations where their
units are settled. From Balneário Camboriú to Campinas,
there are seven fixed units spread across the country.
By sharing similar mindsets relating the market and the
professionalization over the segment, the school is BRMC’s
partner since it’s first edition. And on every Yearbook, its
teachers are invited to indicate the main technologies that
will be a trend in the coming months. Before we sail into
the future, how about we turn to the human side of the
entrepreneur who gave life to this giant player, remaining
faithful to a dream of almost 15 years old? Let’s talk to
Rafael Araújo, co-founder of AIMEC:
BRMC has reached its tenth edition, and you have been
attending it since the conference began back in 2009.
What DJ technology would you choose, that endured
intact all this period - until today? Why?
It’s true; We had the honor of attending BRMC since its
beginning. We have seen the conference grow along with
112 | FUTURE FORUM
“Em 2009 já tínhamos o Ableton Live, que permanece
até hoje como uma ótima opção para quem quer
produzir músicas. E da parte dos DJs, foi em 2009 que
a Pioneer DJ lançou o CDJ 2000, que continua sendo
usado até hoje. ”
DJ lá em 2009 que sobreviveu intacta até hoje, qual
seria ela? E por que acha que ela sobreviveu?
É verdade, tivemos a honra de participar desde o início.
Vimos a conferência crescer junto com a vontade dos
organizadores em oferecer um conteúdo relevante
para o mercado nacional e internacional, e tem sido
ótimo. Sobre a tecnologia que se manteve no topo, terei
que dividir minha atenção! Em 2009 já tínhamos o
Ableton Live, que permanece até hoje como uma ótima
opção para quem quer produzir músicas. E da parte
dos DJs, foi em 2009 que a Pioneer DJ lançou o CDJ
2000, que continua sendo usado até hoje. Os DJMs da
Pioneer evoluíram, mas em grande parte a sistemática
de uso é a mesma. Claro: a Technics MK2, toca-discos
que nunca saíram de moda também permaneceram
intactos. Este sobreviveu por manter viva a verdadeira
arte da discotecagem. Impossível escolher uma só;
prefiro ficar com estas três!
A onda retrô atingiu o DJ e produtor musical, esse
retorno ao analógico? Qual sua opinião a respeito?
Eu gosto deste retorno, pois sou um cara saudosista.
Gosto dos equipamentos que fizeram história na
música. Marcaram época. São eles que na maioria das
vezes trouxeram e trazem a alma de uma música. Nada
como o bass de um Mini Moog, teclado sintetizador
que foi desenvolvido nos anos 70 e que inclusive
teve um relançamento pela Moog recentemente. A
Roland relançou pela sua linha “boutique” todos os
equipamentos clássicos que foram muito usados pelos
produtores musicais e pelos DJs dos anos 80. Mas
eu vejo que não só na música essa onda retrô está
acontecendo. Na moda, na TV, seriados, etc. É uma
onda muito maior.
Quais tecnologias ficaram obsoletas muito rápido?
Existe um padrão ou algo em comum entre elas?
the organizers’ willingness on offering relevant content to
both national and international market - and that’s being
great. About the top technology, I’m splitting my attention!
In 2009 we already had Ableton Live, which remains to
this day as a great option for anyone who wants to produce
music. On the DJ’s side, Pioneer released the CDJ 2000 in
2009, which continues to be used until today. Pioneer’s
DJMs have evolved, but to a large extent the usage
pattern is the same. Obviously, Technics MK2 turntables
never went out of style - remaining intact. They survived
by keeping alive the true art of DJing. It is impossible to
choose only one. I would rather keep these three choices!
The retro wave hit the DJ and music producer. What it is
your opinion over this pursuit of an analog sound?
I enjoy this return, since I’m a nostalgic guy. I like the
equipment that made history in music. Milestones in
their times. Those instruments are the ones which most
often brought, and still bring the soul of a tune. There’s
nothing like the bass of a Mini Moog, keyboard synthesizer
developed in the 70’s that had a recently relaunched by
Moog. Roland relaunched via its “Boutique” series, many
of their classic equipment used by many of the main music
producers and DJs from the 80’s.
From my perspective, music is not the only affected by the
retro wave. For example fashion, TV shows and so on. It’s
a much bigger wave.
What technologies became obsolete very quickly? Is
there any pattern or a common factor in between them?
The tapes had their moment. The K7 tape had its moment.
CD also reached the peak in the 90’s but it is also obsolete
nowadays. I believe flash drives will become obsolete at a
certain point. Very soon we’re having all our files on cloud
and by arriving at the club, we access them by login on
the CDJ. I remember that DAT (Digital Audio Tape) was
mandatory in the studios and today nobody else uses it.
114 | FUTURE FORUM

As fitas de rolo tiveram seu momento. A fita K7 teve o

seu momento. O próprio CD também teve o seu auge
nos anos 90 mas hoje ficou obsoleto. Acredito que
os flash drives em algum momento também ficarão
obsoletos. Muito em breve vamos ter todos os nossos It was used to record the final master of a track. Do you
arquivos na nuvem, e quando chegarmos ao club remember MDs (MiniDisk)? They were rewritable and
vamos logar pelo CDJ e acessa-los. Lembro do DAT portable but they also disappeared. Not to mention the
(Digital Audio Tape) que era obrigatório nos estúdios laser discs, those 12 inches CDs, to watch scanned videos.
I believe the limitations are due to the weight, space
e hoje ninguém mais usa. Ele era usado para gravar
and volume of data these media had. Obsolescence is a
a master final de uma track. Lembra dos MD (Mini
common thing nowadays. Apple knows it better. They force
Discs)? Eram regraváveis e portáteis mas que também
you buying a new phone or computer, since your old one
desapareceram. Sem falar dos laser discs, que eram
does not handle your current apps and softwares anymore.
aqueles CDs do tamanho de 12 polegadas para assistir
a vídeos digitalizado. Acredito que as limitações sejam
As a teacher, what differences do you notice between the
devido ao peso, espaço, volume que essas mídias students whose courses started had start in 2009 and
tinham. A obsolecência é uma coisa comum nos dias those whose begin in 2018?
de hoje. A própria Apple é mestre nisso. Te obriga a Both yesterday and today, we feel their desire to consume
comprar um novo telefone ou um computador porque and create a certain musical style. Normally one which is
o antigo já não suporta mais os apps e softwares atuais. in evidence at the moment. Back in 2009, we had fever of
Electro House, Minimal and Psy-Trance. Many students
Como professor, quais diferenças percebe entre os had the wish to integrate these scenes. The electronic music
alunos que começavam o curso em 2009 e os que is like this: today is the techno, yesterday was the electro
começam em 2018? house, deep house. Tomorrow is tech house, brazilian
Tanto ontem como hoje, a gente sente na pele o desejo bass. This cyclical process is what makes the industry
de consumo deles por um determinado estilo musical interesting.
que esteja em evidência no momento. Em 2009 era a
febre do electro house, minimal, psy trance. Vinham How do you see the new musician?
muitos alunos com o desejo de participar dessas cenas. People who have technology notions additionally to their
A música eletrônica é assim: hoje é o techno, ontem era musical skills. If you take your career seriously - manage
o electro house, deep house. Amanhã é o tech house, it properly and take care of your finances, you have got
brazilian bass. Esse processo cíclico é o que faz a to know the importance of the digital world; Both in
developing and creating to marketing, promoting and
indústria interessante.
selling your work. If you are DJing or producing for fun,
you can learn by internet at home. But above all, the new
Como você enxerga o novo músico?
musician is a person who deliver great tracks.
Um cara que tem a noção de tecnologia, além de
conhecimento musical, é claro. Um cara que sabe
a importância do mundo digital, tanto para o
desenvolvimento e criação de seu trabalho, quanto
para a divulgação e promoção do mesmo. Vender
e comercializar o seu trabalho, depois administrar
e cuidar da parte financeira dele. Isso se ele quiser
engrenar em uma carreira profissional e comercial.
Se quiser apenas tocar, pode aprender em casa pela
internet mesmo. Mas acima de tudo, um cara que
nunca se esqueça de fazer músicas boas.
116 | FUTURE FORUM
NOVAS TECNOLOGIAS
NEW TECH
ABLETON LIVE 10
INOVADOR OU MAIS DO MESMO?
Após longa espera a empresa alemã Ableton finalmente
lançou este ano para o grande público a décima versão
do seu DAW (Digital Audio Workstation). E como
normalmente faz, existem três opções, a versão de
entrada “Intro” custando U$ 99, a versão “Standard”
intermediaria custando U$ 449 e a versão “Suite” mais
completa custando U$ 749.
Sou usuário do Live desde a sua versão 6 e quase
sempre tive a oportunidade de trabalhar com a opção
mais completa do software, confesso que eu estava com
um desejo gigante por uma nova versão do Ableton
Live. Á primeira vista no Live 10 o que todo usuário vai
notar são algumas mudanças no design que deixaram
aquele DAW meio sem graça e parado no tempo, um
pouco mais bonito, dando um “ar” de coisa nova.
Outra coisa muito interessante que com certeza vai
ajudar muita gente é a possibilidade de instalar packs
ABLETON LIVE 10
INNOVATIVE OR MORE OF THE SAME?
After a long wait, this year the German company Ableton
has finally released the tenth version of its DAW (Digital
Audio Workstation), to the general public. And as usual,
there are three options: the entry level version, “Intro”
- costing $ 99. The intermediate version, “Standard” -
costing $ 449. And the more complete version, “Suite” -
costing $ 749.
I have been a Live user since its version 6, normally
having the opportunity to use most complete version of the
software. I must confess I was craving a new version of
Ableton Live. At first glance, every Live 10’s user will notice
some changes on its design. Before, the interface was kind
of dull and stopped in time. Now it is nicer, more beautiful
and fresh.
Another very interesting fact which is sure to help a lot
of people is the possibility to install sample packs, presets
 TODA VEZ QUE A MÚSICA
EXTRAPOLA SUA MISSÃO
DE CONECTAR PESSOAS
E PASSA A ENGAJAR OS PLAYERS,
AQUECER O MERCADO
E ABRIR CONVERSAS,
A NOSSA ESCOLHA É
AUMENTAR O VOLUME.

A AGÊNCIA DE LIVE MARKETING PATROCINADORA OFICIAL DA BRMC 2018.

118 | FUTURE FORUM

de samples, presets, sons do Live, diretamente da

nuvem sem precisar sair do software.

E mais uma vez o grande carro chefe de toda campanha

de marketing da Ableton é a praticidade do software,
pensando nisso, agora existem vários recursos que
trazem uma experiência ainda melhor ao usuário
quando estiver trabalhando com o Live 10.
and Live sounds, straight from the cloud - without the need
to leave the software.
Um recurso bem legal que vai tornar a sua vida mais
organizada durante o uso são as “listas”, com ele
Once again, the marketing campaign from Ableton focuses
você consegue favoritar os seus plug-ins nativos ou
the software practicality as their great flagship. With this
externos e colocar todos em uma espécie de pasta com
in mind, several new features bring an enhanced user
o nome e cor que desejar tornando a procura por um
experience when using Live 10.
determinado plugin muito mais rápida.
A cool feature to help you get organized, is the “Lists”
Ainda falando em praticidade, temos agora um function. You create a folder with your favorite plugins
histórico de saves. Toda vez que você abre um projeto e (native or external), then name it and color it - making the
salva ele, o Live 10 cria automaticamente um arquivo search for a particular plugin much faster.
backup com a data e hora do último salvamento. Isso
também é feito quando você resolve fazer gravações, Talking about practicality, we now have a “Saves”
o software coloca a data e hora em todas as gravações historic. Every time you open and save a file, the software
feitas, facilitando a identificação dos arquivos. automatically generates a backup file (with date and time
of last “Save”). This also happens when recording.
No Live 10 também foram acrescentadas algumas
funções solicitadas a muito tempo pelos fãs como; novo Some added features are long time requested by the users,
sintetizador, novos efeitos, possibilidade de colocar like: new synthesizer, new effects, possibility to do grouping
grupos dentro de grupos, exportar o projeto para mp3, within groups, export projects to mp3, new shortcuts and
novos atalhos e algumas outras funções na tela de some other functions on the arrangement screen that are
arranjo que ajudam e muito no workflow. São diversos much improving the workflow. There are several new
recursos novos que infelizmente não caberia aqui, mas features that unfortunately would not fit here, but you can
check in detail on our Youtube channel, AIMEC Brasil.
você pode conferir em detalhes em nosso canal no
Youtube, AIMEC Brasil.
The overall sensation I had after some months of using it,
is that it feels like a 9.8 - not a major updated version. I
Por fim a sensação que eu tive após alguns meses de uso
must point there are several new features. But they are
com o Live 10 é que ele me parece mais um Ableton
not so relevant and at least for now - won’t suffice their
Live 9.8 do que uma grande nova versão. Realmente
user’s needs.
são diversos recursos novos, mas são coisinhas
pequenas e o que realmente os usuários experientes The software itself is excellent. It is fast, has fewer bugs
e de longa data queriam ainda, pelo menos por hora, and I’m sure the new features will be much appreciated.
não tem. O software em si é excelente, está rápido, com Although personally, I think Ableton is stuck in time and
menos bugs e não tenho dúvida que os novos usuários astonishingly without the necessary creativity in order to
irão amar os recursos apresentados. Porém pra mim a release something really innovative.
Ableton ainda continua parada no tempo e por incrível
que pareça sem criatividade suficiente para lançar algo
realmente inovador.
120 | FUTURE FORUM
ELECTRIC SUNBURST:
SEU GUITARRISTA DE PLANTÃO
Quem nunca sonhou em ser um grande guitarrista?
Tocar para milhares de pessoas aquele solo incrível ou
criar um riff que entre para a história? A habilidade
para ser um grande guitarrista está reservada para
aqueles que dedicam praticamente a vida inteira
ao instrumento. Mas isso está mudando, pois a
Native Instrument revolucionou a forma de tocar os
instrumentos.
O recém lançado ELECTRIC SUNBURST promete
recriar com bastante realismo a performance de um
guitarrista com apenas alguns cliques. Para isso, ele
captura com precisão o som de uma guitarra clássica
escolhida por seu timbre rico, quente e versátil. Todo
o caminho do sinal da gravação foi mantido, incluindo
cabos de alta qualidade, pré-amplificadores de tubo e
conversores de alta resolução, tudo para garantir que
cada nuance deste instrumento lendário seja capturado
com precisão.
Mas só a qualidade da gravação não basta, é preciso
performance para convencer. Para conseguir isso, ele
combina uma biblioteca abrangente de padrões de
dedilhados, arpejos e riffs, com controles de desempenho
em tempo real. O inovador mecanismo de reprodução
permite um número praticamente infinito de variações
de acordes e cria resultados musicais convincentes a
partir de notas tocadas sem esforço.
ELECTRIC SUNBURST:
YOUR GUITARIST ON DUTY
Who has never dreamed of being a great guitarist? Playing
that amazing solo for thousands of people or creating
a historical riff? The perks of being a great guitarist
are reserved for those who devoted practically their
whole life to the instrument. But that’s changing since
Native Instruments has revolutionized the way we play
instruments.
The newly released ELECTRIC SUNBURST promises to
recreate, in a quite realistic way, the guitarist’s performance
with just a few clicks. To do so, it accurately captures the
sound of a classic guitar chosen for its rich, warm and
versatile timbre. The entire signal path of the recording
has been kept, high quality cables, tube preamplifiers and
high-resolution converters. All to ensure every nuance of
this legendary instrument is accurately captured.
Nevertheless, only quality recording is not enough -
performance is a key factor. In order to achieve this, it
combines a comprehensive library of fingering patterns,
arpeggios and riffs, with real-time performance controls.
Its innovative playback mechanism allows a virtually
infinite number of chord variations, creating compelling
musical results from effortlessly played notes.
You can even switch between the bridge and arm pickup
signals, which were recorded separately, being able
 ANUÁRIO 2018
Você pode até alternar entre os sinais dos captadores da
ponte e do braço, que foram gravados separadamente,
assim é possível assumir o controle total do equilíbrio
da mixagem. Além disso, um microfone condensador
foi montado acima das cordas para capturar detalhes
sonoros e adicionar realismo ao desempenho. Milhares
de loops, notas únicas e ruídos foram gravados em
uma ampla gama de posições de trastes e tocados de
maneiras diferentes. Isso proporciona flexibilidade,
realismo e variedade tonal sem precedentes. Ajustes de
afinação, temporização e humanização proporcionam
performances genuínas em muitos estilos musicais.
Para moldar o timbre, o ELECTRIC SUNBURST
apresenta um conjunto de efeitos, amplificadores e
emulações de gabinete de alta qualidade, que trazem
características de pedais clássicos e oferecem um som
de guitarra autêntico de ponta a ponta. Mas não é só
isso, ele possui também: equalizador de alta qualidade,
compressores, emulação de fita, reverb, delay, delay de
fita... todo esse conjunto traz para você um timbre de
guitarra completo e pronto para performance ao vivo
dentro do próprio instrumento.
Em suma, se você não tem o tempo necessário para se
tornar um mestre da guitarra ou simplesmente deseja
um riff novo em suas produções, esse é o cara ideal para
ser o novo integrante da sua banda.
| 121
to totally control the mixing balance. In addition, a
condenser microphone has been mounted above the
strings to capture sound detail and add realism to your
performance. Thousands of loops, unique notes and noises
were recorded in a wide range of frets position and played
in different ways. This provides unprecedented flexibility,
realism and tonal variety.
Tuning, timing and humanization settings provide genuine
performances in many musical styles. To shape the timbre,
the ELECTRIC SUNBURST features a bundle of effects,
emulations of amps and high quality cabinet bringing
classic pedals flavor and deliver an authentic end-to-end
guitar sound. There’s more: It also features a high quality
EQ, compressors, tape emulations, reverb, delay, tape
delay… All this suite gives you a complete guitar timbre
ready to live perform.
In short: if you do not have the time to become a guitar
master or simply want a new riff on your productions, this
is the ideal guy to be the new member of your band.
122 | FUTURE FORUM
O PODER DO PEQUENINO TORAIZ AS1
Que a Pioneer já é referência em equipamentos para
Discotecagem todos nós já sabemos. São inúmeras
opções entre CDJs, Mixers, Controladores e Softwares
para diversos tipos de performances e profissionais.
Seguindo este pensamento de inovação, surge um
novo seguimento Pioneer de equipamentos, o de
instrumentos. Essa aposta veio em parceria com a
empresa Dave Smith Instruments, qual cedeu alguns
de seus componentes analógicos dos já consagrados
sintetizadores Prophet 6, para criação de sua linha
TORAIZ.
Tive a oportunidade de fazer um review do equipamento,
no intuito de criar alguns vídeos para Pioneer Brasil e
através disso pude me impressionar com o seu grande
potencial.
Pequeno em tamanho, mas, poderoso na sonoridade.
O Sintetizador Analógico foi um de meus primeiros a
serem usados a fundo, até então só havia trabalhado
com alguns modelos virtuais. Isto fez com que minha
experiência fosse muito bacana e divertida, pois é
muito fácil trabalhar com sua interface muito intuitiva
e também encontrar todos os parâmetros utilizados
para o sound designer. O TORAIZ-AS1 possui um
duplo oscilador, com a escolha dos tipos de onda, além
toda parte de filtros, Envelopes, LFOs e Efeitos. Tudo
isso com um menu muito bem direto e eficiente.
A aparência frágil não condiz com a qualidade do
acabamento, que é feito em metal muito resistente,
possibilitando não só sua utilização em Estúdios
THE POWER OF THE LITTLE TORAIZ AS1
We all already know that Pioneer is a reference when
talking about DJ equipment. There are numerous options
among CDJs, mixers, controllers and softwares for various
types of performances and professionals. Following this
innovation-driven mindset, Pioneer ventures on a new
segment: the musical instruments. This endeavor came
in partnership with Dave Smith Instruments, which
ceded some of its analog components of the established
synthesizers Prophet 6, to create its TORAIZ line.
I had the opportunity to do a gear review in order to create
some videos for Pioneer Brasil and through that I got
impressed with its great potential.
Small in size, but powerful in sound. The Analog
Synthesizer was one of my first to be used in depth, until
then I had only worked with some virtual models. This
provided me a real nice and fun experience - it is very
easy to work using its quite intuitive interface. It also has
all the necessary parameters for sound design/shaping.
TORAIZ-AS1 features two oscillators, wave formats, filters,
envelopes, LFO’s and effects. All in a very straightforward
and efficient menu.
Its fragile look does not do justice over the quality of
the finish, which is made of very sturdy metal, making
it possible not only its use in Studios but also provides
a travel partner for live performances. That’s why this
product got me.
Connection is made via USB port or MIDI connection,
making it easier for DJs to use it - delivering a new world
124 | FUTURE FORUM

como também o torna um parceiro de viagens para

apresentações ao vivo. E foi nessa opção que realmente
me identifiquei muito com o produto. Sua conexão
via porta USB e também com opção de conexão MIDI,
facilita a inserção na discotecagem, trazendo para o
DJ um novo mundo e uma experiência muito boa de
criação, além de atratividade e inovação para o público.
Para os Produtores, existe também um banco
poderoso de presets que já acompanham o produto
e a possibilidade de criação de novas sonoridades,
além de um plugin muito bem desenvolvido, que faz
com que seja possível trazer suas criações diretamente
do computador para a memória interna do TORAIZ.
Bastam apenas alguns toques no equipamento, para
que se tenham sons totalmente inovadores e exclusivos.
Uma das ferramentas bacanas e que me chamou muito
a atenção, foi o sequencer de 64 passos. Confesso que
até conseguir dominar a sua programação, levei uns
“olés”, mas depois que entendi o processo e vi que não
era assim tão complicado, consegui criar algumas linhas
próprias e deixa-las preparadas para apresentações
futuras.
of great experiences when creating, besides adding some
attractiveness and innovation for the public. On the
production side, there is a powerful native bank of presets
and the possibility of creating new sonorities. Its well
developed plugin allows you to upload tracks directly from
your computer into TORAIZ’s internal drive. With just
few touches and you have total innovative and exclusive
sounds. One of its cool tools that caught my attention was
the 64-step sequencer. At first glance, the programming
seemed to be a little hard. But as soon as I understood
its process, it wasn’t that complicated. I managed to
create some of my own lines and rest them ready for future
presentations.
However, I don’t think it’s necessary to spend a big amount
of money on a huge analog synth. Pioneer provided us this
with a very affordable price tag when comparing! Thank
you Pioneer.

Contudo, acredito que não é necessário gastar vários

milhares de reais para ter um sintetizador analógico
de grande potencial, a Pioneer nos proporcionou isso
com um valor bem acessível se comparado aos demais!
Obrigado Pioneer!
126 | FUTURE FORUM
PHASE
UM NOVO SISTEMA DE TIME CODE
DJs do mundo inteiro ficaram chocados com o
lançamento deste ano na NAMM (National Association
of Music Merchants) na Califórnia. Trata-se do
Phase, um sistema de time code em formato de um
pequeno retângulo que permite o uso dos toca-discos
já conectados aos existentes DVS do mercado para
manipular qualquer áudio como se estivesse utilizando
discos de time code com agulhas normais, mas sem de
fato estar usando o braço dos toca-discos e as agulhas.
São dois transmissores e uma base receptora que se
conecta ao mixer. Eles capturam todos os movimentos
do toca-discos e transmitem via wireless estas
informações para a base que analisa a informação deste
sinal fazendo com que o software DVS possa interpretar
a movimentação permitindo total manipulação e
domínio do áudio com resposta de latência zero, mesmo
nos movimentos mais rápidos. O Phase possui conexão
wi-fi com uma frequência própria, sem interferências.
Ele pode ser utilizado com os principais sistemas DVS
existentes como o Traktor da Native Instruments, o
Serato ou o Rekordbox DJ da Pioneer DJ e funciona
bastando apenas colocá-lo sob o prato do toca-discos.
As baterias internas duram cerca de 10 horas e para
recarregá-las a duração é de cerca de 2 horas.
A empresa responsável pelo Phase é da França e se
chama MWM. Como apresentou a sua versão beta
na NAMM 2018, esse equipamento vem prometendo
substituir os sistemas de DVS. É uma nova era para
o turntabilism. O preço está chegando a US$300 e o
equipamento estará disponível para compra a partir do
próximo verão norte-americano.
Mais infos no https://phase-project.com
PHASE
A NEW TIME CODE SYSTEM
DJs around the world were shocked by this year’s release
at the National Association of Music Merchants (NAMM)
in California. This is Phase, a small rectangle time code
system that allows the already connected turntable into its
existing Digital Vinyl System to manipulate any audio as
if they would be used with regular time codes - only by the
fact you won’t use its stylus and tonearm neither.
They are two transmitters and a receiver connected to
the mixer. They capture all the movements done on the
turntable plate and wirelessly transmit this information
to its receiver, which analyzes this signal causing the DVS
software to interpret the movement - allowing full audio
performance and manipulation, having zero latency
response, even on fast moves. Phase has a wi-fi connection
using its own frequency, so without any interference.
It can be used with the lead existing DVS systems such as
Native Instruments’ own Traktor, Serato or Rekordbox DJ
by Pioneer DJ and it works just by placing it under the
turntable plate. The internal batteries last about 10 hours
and the recharging time is about 2 hours.
Phase is made by a French company called MWM. As it
introduced its beta in NAMM 2018, this device is taking
the risk to be the replacement of the previous DVS systems.
t’s a new era for turntabilism. The price is up to $ 300
and the equipment will be available for purchase from next
summer.
More info on https://phase-project.com
128 | FUTURE FORUM

O AMANHÃ DA
MÚSICA DO FUTURO
TOMORROW’S
MUSIC FUTURE
POR JOÃO ANZOLIN

Blockchain, criptomoedas, inteligência artificial: como as novas

tecnologias estão mudando como se cria, dissemina e consome a
música.
Blockchain, crypto-coins, artificial intelligence: how new technologies
are changing how one creates, disseminates, and consumes music.

Nenhum outro gênero musical foi tão ligado a ideia de

futuro e esteve tão atrelado à tecnologia como a música
eletrônica. Som das máquinas por excelência - das
No other musical genre has been so future-oriented, and
primeiras incursões na música concreta às produções
being so connected to technology as electronic music.
que se popularizaram em Chicago e Detroit e se
Machine sound par excellence: from the first incursions
disseminaram décadas depois em Londres e Berlim - os
until concrete music - to productions that became popular
sintetizadores, as baterias eletrônicas e os computadores in Chicago and Detroit and spread decades later in London
tiveram um protagonismo quase absoluto nos processos and Berlin. Synthesizers, electronic drums and computers
 ANUÁRIO 2018
criativos da Dance Music. A identificação da cultura
clubber com as inovações tecnológicas também
superava o aspecto musical: forma e conteúdo da
comunicação, cenografia, iluminação, vestuário e
alguns traços do comportamento das pistas estiveram
relacionados a uma ideia vanguardista desde o início
das pistas, sendo elas um ambiente fértil e aberto para
experimentações.
O que já foi novidade, entretanto, se converteu no
padrão: softwares, hardwares e estúdios de todos os
gêneros musicais hoje se apóiam no que um dia já foi
tão novo a ponto de ser considerado “a última grande
revolução musical”. Artistas e bandas de todos os
estilos musicais manejam com familiaridade synths e
batidas. A música antes restrita às pistas se popularizou
e embala de festas infantis a comerciais de televisão.
Até mesmo os festivais de música sertaneja se inspiram
nos seus pares eletrônicos quando concebem palcos e
planejam cenografia e iluminação.
Sem o peso da responsabilidade pelo futuro do que
quer que seja, o cenário eletrônico parece ter concluído
sua sina futurística; longe de sofrer com uma crise
de identidade, entretanto. Curiosa e paradoxalmente
a busca por sonoridades orgânicas e as escavação
das referências do passado estão mais fortes do que
nunca - assim como o aumento no comércio do vinil.
Todos seguem à vontade dialogando e fazendo uso das
inovações - talvez de forma menos visível, mas não
menos impactante.
Como diz William Gibson, escritor norte americano
notável por sua ficção voltada ao amanhã tecnológico
e autor da expressão cyberespaço: o futuro já chegou,
só não está uniformemente distribuído. Mudanças
tecnológicas tão profundas e rápidas submetem todas
as áreas do conhecimento a um processo de reavaliação
constante - ao mesmo tempo que impõem a distintas
gerações o FOMO, “medo de se estar por fora”. A
verdade é que palavras ainda pouco compreendidas
como criptomoedas e blockchain e aplicações práticas
da polêmica inteligência artificial já fazem parte da
| 129
played an almost absolute role in the creative processes
of Dance Music. Clubbers’ cultural identification with
the technological innovations also surpassed the musical
aspect: form and content of communication, scenography,
lighting, clothing and some traces of dance floor behaviors
were related to an avant-garde idea since their begins,
being a fertile and open environment for experimentations.
However, what was new has become the standard:
softwares, hardwares and studios of all musical genres
today are based on what was once new and considered
“the last great musical revolution”. Artists and bands of
all musical styles handle with proficiency their synths
and beats. Music which was previously restricted to the
dance floors became popular and sonorizes from children’s
parties to television commercials. Even country music
festivals are inspired by their electronic peers when they
design stages and plan scenography and lighting.
Considering no responsibilities on whatever be the destiny
of Electronic Music, it has encountered its futuristic
fate. Far from suffering from an identity crisis, at any
rate. Curiously and paradoxically, the quest for organic
sonorities and the digging of past references are stronger
than ever - as is the increase in vinyl trade. All follow at
ease, dialoging and making use of innovations - perhaps in
a less visible form, but no less shocking.
As William Gibson, an American writer known for his
“technological tomorrow-oriented” fiction and author of
the term cyberspace, says: The future has arrived, it is only
not evenly distributed. Such deep and rapid technological
changes subject all areas of knowledge to a constant
process of re-evaluation - while imposing “FOMO” (Fear
Of Missing Out) to different generations”. Frankly, there
are still words little understood such as crypto-coins and
blockchain and practical applications of the controversial
artificial intelligence which are already part of the
routine of the creative processes, distribution and music
consumption and its related entertainment.
More and more, festivals have proved to be one of the
great beneficiaries of this innovative wave. Promotion
systems, ticket and beverage purchases through apps
130 | FUTURE FORUM
rotina dos processos de criação, distribuição e consumo
de música e do entretenimento a ela relacionada.
Festas e festivais vêm se revelando um dos grandes
beneficiários da onda de inovações. Sistemas de
promoção, compra de ingresso e de bebidas através
de aplicativos (muitas vezes combinados a pulseiras,
cartões ou leitores de impressão digital) e chatbots
(assistentes automatizados de comunicação virtual)
trocando mensagens com o público são ferramentas
cada vez mais populares, facilitando a vida tanto dos
produtores como do público. Problemas comuns a todo
evento de médio e grande porte como filas, falsificação
de ingressos e falta de informações relevantes aos
frequentadores são sanados de forma simples,
melhorando a experiência geral das pessoas e também
a operação e o lucro dos produtores. Mais que isso: os
dados coletados em todos estes processos são capazes
de proporcionar ferramentas ainda mais valiosas para
toda a cadeia produtiva do entretenimento. Iniciativas
como Social Wave, Gigloop, Sympla e Onni são são
algumas das representantes brasileiras que vem se
destacando no cenário de inovações.
A maior revolução de todas, contudo, ainda está em sua
fase embrionária e atende pelo nome de blockchain.
Idealizado para possibilitar transações financeiras
da criptomoeda Bitcoin eliminando intermediários e
baseado no princípio de que a própria rede é capaz
de garantir sua segurança, ele já é visto, por exemplo,
como uma das possíveis soluções à complicada equação
de distribuição dos royalties de direitos autorais.
Benefícios como a transparência e a segurança de
dados que caracterizam o blockchain certamente
poderiam revolucionar a forma como a música circula
- para os consumidores, diretamente dos autores e com
garantia de uma remuneração justa. Iniciativas como
Mycelia, Revelator, Dotblockchain, Ujo, Voise, Muse e
Opus são algumas das inúmeras plataformas que vem
surgindo dedicadas a tentativa de colocar em prática
a utópica missão de distribuir música através de redes
descentralizadas com remuneração direta aos criadores.
Uma das mais bem sucedidas até aqui, a Viberate foi
(often combined with wristbands, cards, or fingerprint
scanners) and chatbots (automated assistants for virtual
communication), exchanging messages with the public are
increasingly popular tools, helping producers and public.
Common problems to any medium and large event such as
queuing, ticket forgery and lack of relevant information to
the audience can be fixed in a simple way - improving the
general experience of the people as well the operation and
profit of the producers. Additionally: the data collected in
all these processes are able to provide even more valuable
tools for the entire entertainment production chain.
Initiatives such as Social Wave, Gigloop, Sympla and Onni
are some of the Brazilian representatives which have been
standing out in the innovations’ scenario.
The greatest revolution, however, is still in its embryonic
stage and goes by the name of blockchain. Idealized to
enable financial transactions of the cryptocurrency
Bitcoin by eliminating intermediaries and based on the
principle that the network itself is able to guarantee its
security, it is being already seen, for example, as one of the
possible solutions to the complicated equation of royalties’
distribution. Benefits such as transparency and data
security which characterize blockchain could certainly
revolutionize the way music circulates until the final
consumer - directly from the authors and with a guarantee
of fair remuneration. Initiatives such as Mycelia, Revelator,
Dotblockchain, Ujo, Voise, Muse and Opus are some of
the innumerable platforms that have been arising. They
dedicate themselves to try to put into practice the utopian
mission of music distribution through decentralized
networks with direct remuneration to creators. One of
the most successful hitherto, Viberate was conceived by
one of the icons of the techno scene from Eastern Europe,
Slovenian DJ and producer Umek. A cryptocurrency
(virtual currencies that are based on the blockchain)
exclusive to musical universe, called Musicoin, exists since
February of 2017. More recently, Volare, “World’s first
blockchain music streaming speaker” was released - it only
plays music within the decentralized networks.
 INC.
music & technology

Aqui se faz. Se cria. Projeta e desenvolve.

O Superplayer é o principal parceiro brasileiro
quando o assunto é música e tecnologia.
Saiba como estamos ajudando
algumas empresas:

O player brasileiro Plataforma de conteúdo

de música. exclusivamente cristão.

Curadoria das aeronaves da O maior concurso de bandas

Azul Linhas Aéreas. universitárias do Brasil, em
parceria com o Santander.

superplayer.fm/business
132 | FUTURE FORUM

idealizada por um dos ícones da cena de techno do

leste europeu, o DJ e produtor esloveno Umek. Uma
criptomoeda (como são chamadas as moedas virtuais
que se baseiam no blockchain) exclusiva para o
universo da música chamada Musicoin existe desde
fevereiro de 2017 - e mais recentemente uma caixa de
som que reproduz apenas músicas que circulam pelas
redes descentralizadas, a Volareo, foi lançada.

Apesar do otimismo generalizado em torno das

potencialidades do uso do blockchain, há quem acredite
que poucas ou nenhuma delas irá se concretizar. O
jornalista musical inglês David Gerard é um deles. Um
dos mais controversos críticos do blockchain e autor
do livro “Attack of the 50 Foot Blockchain: Bitcoin,
Blockchain, Ethereum & Smart Contracts” ele aponta
diversos motivos pelos quais as especulações em torno
dos benefícios não passaria de utopia. A quantidade
de iniciativas que surgem a cada dia já seria um dos
grandes problemas, pois a oferta de plataformas já é
considerada grande demais e inviável para todos os
músicos. As 35 milhões de músicas disponíveis no
catálogo do iTunes e os mais de um bilhão de plays
diários do Spotify por si também representariam uma
quantidade de dados e de contratos específicos muito
além da capacidade das redes atuais de blockchain - e
energéticas também, já que o processo de mineração
das criptomoedas consome quantidades elevadas de
energia. De utilização concreta hoje alguns artistas
aceitam criptomoedas como pagamento de cachês
e raves secretas em subúrbios de cidades norte
americanas fazem sua divulgação usando a tecnologia
para garantir que só as pessoas certas vão receber os
convites para eventos.
Provavelmente o passo mais prático - e ousado - dado
até hoje seja o da banda de J-Pop Virtual Currency Girls:
as oito integrantes que sobem ao palco fantasiadas e
tem nomes de criptomoedas só vendem suas músicas,
merchandising e ingressos para shows em Bitcoins.
Uma das letras da banda alerta os usuários com o
refrão “Cuidado com sua senha; nunca use a mesma!”.
Sendo adepto das novas tecnologias, cético em relação
a elas ou amante do passado, a única certeza é que o
conselho é bastante útil.
Despite the widespread optimism about blockchain’s
potential, there are some who believe that few or none of
them will remain. The English musical journalist David
Gerard is one of them. One of the most controversial
blockchain’s critics and author of the book “Attack of the 50
Foot Blockchain: Bitcoin, Blockchain, Ethereum & Smart
Contracts”, he points out several reasons why speculation
about the benefits would be no more than a utopia. The
amount of initiatives that arise each day would be already
one of the great problems, since the provision of platforms
is already considered too great and unfeasible for all
musicians. The 35 million songs available in the iTunes
catalog and more than a billion Spotify daily plays per se
would also represent a lot of data and specific contracts far
beyond the capacity of today’s blockchain networks - and
also energy, as the Crypto-coin mining process consumes
high amounts of energy. About concrete usage today, some
artists accept cryptocurrencies as payment form and secret
raves in North American suburbs do their promo using the
technology to ensure that only the right people will receive
the invitations.
Probably the most practical - and daring - step taken so
far is from the J-Pop band, Virtual Currency Girls: the
eight members who go on stage wearing costumes and
have names of cryptocurrencies only sell their music,
merchandising and concert tickets in Bitcoins. One of the
band’s lyrics alerts users with the chorus “Beware of your
passwords; never use the same!”. No matter if you are
adept of new technologies, skeptical of them or a lover of
the past, the only certainty is that this advice is very useful.
134

Homenagem BRMC a personalidades do cenário local.

Brazil Music Conference pays homage to local heroes.

A influência da música eletrônica dentro do universo

cultural atual, bem como no entretenimento ao
vivo são inquestionáveis; sua contribuição para a
nova cultura pop, enorme. Por isso o Brazil Music
Conference aproveita uma série de mudanças
para sedimentar uma nova fase do conhecido
Prêmio RMC, que teve seis edições ao longo de
anos de conferência, contemplando realizadores
e revelando nomes para muito além do nicho da
dance music.
Com esta evolução buscamos valorizar os grandes
profissionais que têm deixado grandes marcas em
suas áreas, ao invés de apontar o“melhor”, mesmo
que seja na opinião dos participantes mais ativos do
Mercado, nossos embaixadores. Queremos premiar,
mas não através de uma eleição. É por isto que o
Prêmio RMC transforma-se na homenagem BRMC
“Heads of the Industry”, contemplando dezesseis
iniciativas eleitas pelo nosso time de curadoria.
The influence of electronic music within the current
cultural ethos as well as in the live entertainment is
unquestionable; Its contribution to the new pop culture
is huge. That is why Brazil Music Conference takes
advantage of a series of changes in order to sediment
a new phase of the well-known RMC Awards, after six
editions over the years of conference, contemplating
the doers and unveiling names far beyond of dance
music’s niche.
With this evolution we seek to value great professionals
who have left great marks in their areas, instead of
pointing out the “best” - even if this opinion comes from
the most active market’s people, our ambassadors. We
do want to award, but not through an election. That
is why the RMC Awards is transformed into the BRMC
“Heads of the Industry” tribute, contemplating sixteen
initiatives chosen by our curatorship team:
 “Por colocar a dance
music brasileira no topo do
mainstream internacional”

“For putting Brazilian dance

music in the top of the
international mainstream”

“Pelo agigantamento frente a

uma dificuldade”

“For becoming a giant in the

face of a difficulty”
136 | HEADS OF THE INDUSTRY

“Pela consistência de reinventar e

moldar um festival brasileiro ao longo
do tempo e gerações”
“For the consistency of reinventing and
shaping a Brazilian festival over time
and generations”

“Por trazer um olhar diferente para

o mercado latino americano sob a
perspectiva internacional”

“For bringing attention to the latin

american market, under a global
perspective”
 ANUÁRIO 2018 | 137

“Pelo talento e maestria em continuar

inspirando novas gerações”

“For the talent and mastery in

continuing to inspire new generations”

“Pelos 30 anos de carreira”

“For theirs 30 years’ career”
138 | HEADS OF THE INDUSTRY

“Pela importância do papel do

promoter para o desenvolvimento de
uma cena e a condução de uma noite
que atravessou gerações imponente na
noite de São Paulo”

“For the importance of the promoter’s

role in the development of the night
scene of São Paulo”

“Pelo pontapé inicial!”

“For his “Pontapé”: it was the

first Brazilian techno hit to travel
worldwide”
 ANUÁRIO 2018 | 139

“Pelos 20 anos de carreira com

extrema consistência”

“For his 20 years’ career with extreme

consistency”

“Pelas grandes tours internacionais

em solo Brasileiro ao longo de anos”

“For the great international tours on

Brazilian soil over the years”
140 |

“Por gerenciar o melhor clube do

Mundo, em solo brasileiro”

“For managing the best club in the

world, based in Brazil”

“Pelos anos de conhecimento

compartilhado através de management
de artistas”
“For years of shared knowledge through
artist management”
 ANUÁRIO 2018 | 141

“Por sempre conectar o pop com a

música eletrônica”

“For always connecting the pop with the

electronic music”

“Pela prova de que grandes sonhos

tornam-se realidade”

“By proofing that great dreams come

true”
142 |

“Por colocar a mulher em destaque na

indústria da música”

“For highlighting prominent women in

the music industry”

“Pelo poder coletivo de renovação de

um cenário musical”

“By the collective refreshment power in

a musical scene”
 Concept—Stage Design—Visual Content—Show

Electric Love Festival, Áustria

Laroc Club, Brasil

TWOFIFTYK opera no Brasil com

exclusividade da M-S
A TWOFIFTYK é um studio de design holandês
multidisciplinar, responsável pela criação de grandes
clubs e festivais como Electric Zoo, EDC Las Vegas,
Laroc Club, Awakenings, e os shows
proprietários Armin Only, Martin Garrix,
I Am Hardwell entre outros.

M-S Live Productions

m-s@m-s.live
 DIRETOR GERAL ANUÁRIO BRMC 2018
Claudio da Rocha Miranda Filho COORDENAÇÃO EDITORIAL
Bruna Calegari
GERENTE GERAL Claudio da Rocha Miranda Filho
Claudia Campà João Anzolin

CURADORIA EDITORA EXECUTIVA

Bruna Calegari Bruna Calegari
Gary Smith
Leo Janeiro DIREÇÃO DE ARTE
Maurício Soares Ricardo Lin
Eduardo Nogueira
RELACIONAMENTO
Gabriel Moraes CAPA
Gonçalo Vinhas Eduardo Nogueira

COMUNICAÇÃO REDAÇÃO
Alex Jukes - Jukebox PR Alan Medeiros
Guigo Monfrinato Alexandre Albini
João Anzolin - Hot Content Bruna Calegari
Luisi Valadão - Lupa Comunicação Felicio Marmo
Hélio Miguel
PRODUÇÃO EXECUTIVA Inácio Martinelli
Carol Marinoni João Anzolin
Fabiano Tamburus Paulo Cani
Patricia Muller Sary
TECNOLOGIA
Ilan Kriger TRADUÇÃO
Erica Alves
ADMINISTRAÇÃO Letícia Martins
Clarissa Crisóstomo Marcelo Godoy

JURÍDICO AGRADECIMENTO
Dr. Vicente Donnici Ebraim Martini
Yohan Augusto
Fernando Sigma
Os artigos assinados nesta Victor Flosi
publicação são de inteira
responsabilidade de seus autores e REVISÃO
não representam a opinião do Brazil Bruna Calegari
Music Conference. A reprodução do
conteúdo somente será permitida se O Anuário Brazil Music Conference
previamente autorizada, com crédito 2018 é uma publicação produzida por
da fonte. Hot Content Mídia e Conteúdo. Todos
os direitos reservados.