Concierto Clásico

CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA:

Es una forma musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la orquesta.

Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del Clasicismo, ya que va a
aunar en una sólo forma los nuevos avances de la orquesta (timbre orquestal y novedades de la
Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.

En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el papel de solista era
el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo conciertos para otros instrumentos
(violonchelo, flauta travesera, trompeta, clarinete).

Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos experimentan cambios notables. Algunos de los
instrumentos de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el clave es reemplazado por el
piano, que posee mejores posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la
flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya que sus características tímbricas no se
adecuaban al nuevo estilo musical.

Otros instrumentos, sobretodo los de viento,mejorarán sus posibilidades ya que serán mejorados
técnicamente por los constructores.
Esto permitirá ampliar registros, mejorar timbres,…

Una de las grandes aportaciones del Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la
orquesta. Este instrumento de viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos
conciertos.

FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO: CONCIERTO, SONATA

Y SINFONIA
CONCIERTO
El concierto es la forma en que la melodía, el ritmo y la armonía se combinan en una composición,
diciendo así las cualidades del sonido global de una obra. Dice la forma de relacionarse las diversas
voces que intervienen en una pieza musical, sean vocales o instrumentales.
Existe un momento, llamado cadenza o cadencia, al final de algunos movimientos, donde el solista toca
sin acompañamiento, es decir, ella sola. Esto lo hace para mostrar su técnica. Esta parte no era escrita
en la partitura. Esto quiere decir que la solista improvisaba lo que ella quería.
Aquí dos características que me han parecido las más importantes:

-El concierto no tiene nada que ver con el concerto grosso barroco.
-Es en realidad como una sinfonía compartida entre la orquesta y un solista, en la que
ambos tienen igual importancia.

Mozart hizo varios conciertos: 27 para piano, 5 para violín y varios para otros instrumentos.
SONATA
Es una obra que la forman o tiene tres o cuatro movimientos, echa para uno o dos instrumentos. inicialmente
predominaron las formas de tres movimientos.

En el primer movimiento se sigue un esquema con tres partes. el segundo movimiento es mas lento y tiene un
tema más melódico, usando un lied, con forma ternaria. el tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado,
casi siempre en forma de minueto que es una danza de origen francés.
LIED: Canción lírica breve para voz solista y acompañamiento.
Una sonata si es para una agrupación de cámara puede ser cuarteto, quinteto... si es para una orquesta, se llama
sinfonía y si es orquestal, pero con un solista se llama concierto.

Aquí os dejo una imagen de lo que viene a ser un minueto.

Mozart compuso sonatas para piano, para piano y violín, y para más instrumentos.

SINFONÍA
Una sinfonía es una obra para la orquesta, dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura
diferente; allegro, lento, minueto y allegro brillante o presto.
El tamaño de la orquesta dependía de la obra que había escrito el compositor, pues unas requerían muchos más
instrumentos que otras. La sinfonía es la forma musical más famosa del barroco.
Mozart compuso 41 sinfonías, entre las que más destacan las "seis últimas". Beethoven compuso 9.
Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente
entre 1750 y 1820 por compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus
Mozart y Ludwig van Beethoven. Coincide con la época cultural y artística (en la
arquitectura, la literatura y las demás artes) hoy denominada Neoclasicismo. Tuvo sus
grandes centros de difusión en Berlín, París, Mannheimy, sobre todo, Viena. Se caracteriza
por la claridad de las texturas, la simetría de las frases, la consolidación de la tonalidad
plena y el establecimiento de las formas musicales clásicas (sinfonía, sonata, cuarteto...).

Estética y características generales[editar]

El siglo XVIII fue el de la Ilustración, y su estética se trasladó al estilo musical: gusto por lo
natural, lo equilibrado y lo claro; rechazo del artificio y el exceso de sofisticación de la
música barroca; imitación de la naturaleza, en forma de estructuras simples y frases
simétricas similares a las de la música folclórica; en la ópera, verosimilitud y cercanía al
espectador de los argumentos, e integración íntima del drama y la música.
Además el público de la música culta se extendió de la vieja aristocracia a la pujante
burguesía, que compraba masivamente ediciones de partituras y llenaba los teatros de
ópera y de concierto, lo que impulsó a los compositores a acercar su estilo a lo popular. La
difusión de la música aumentó y se internacionalizó, y con ella la fama de los compositores
más destacados, de modo que el estilo se unificó en toda Europa y los autores más
conocidos hicieron frecuentes giras por las principales capitales del continente.
Como consecuencia de todo ello las características principales de la música del Clasicismo
son:
•Uso de la textura de melodía acompañada, consistente en el predominio de la voz más
aguda, que centra el interés en su melodía, mientras el resto de instrumentos la
acompañan; sólo en ocasiones se usa la homofonía o la polifonía imitativa. El
acompañamiento es ya escrito explícitamente (desuso del bajo continuo).
•Melodías de un mayor carácter cantabile y simétricas, con frases estructuradas en
antecedente y consecuente (o pregunta y respuesta), que típicamente se cierran en las
armonías de dominante y tónica, respectivamente.
•Armonías muy claras y funcionales, basadas en los acordes de tónica, dominante y
subdominante, que estructuran las frases y la forma musical con cadencias muy claras. El
ritmo armónico (velocidad a la que cambian los acordes) suele ser más lento que en el
Barroco: es típico el acompañamiento arpegiado llamado bajo de Alberti en el piano, o el
trémolo en el acompañamiento orquestal.
•Se escribe mucha más música en modo mayor (más alegre) que en modo menor. Se
amplía el campo de las modulaciones y se usan tonalidades cada vez con más
alteraciones.
•Compás muy claro y regido también por la armonía.
•Se amplía la orquesta y su rango dinámico. Cada vez se escribe en detalle una mayor
variedad de dinámicas y articulaciones, dejando menos espacio a la interpretación del
ejecutante.
•Se usan formas estandarizadas (en particular la llamada forma sonata) pero con gran
interés y variedad en la estructura interna de la música. Es en este periodo cuando se
definen claramente las formas y estructuras en las que se basa la música culta occidental
casi hasta nuestros días: la sonata, la sinfonía y el concierto clásico.

Periodos y autores de la música del Clasicismo[editar]

Véase también: Anexo:Compositores del Clasicismo

Los estilos preclásicos[editar]

A mediados del XVIII convivieron diversas corrientes musicales. El Rococó o estilo galante,
ejemplificado por Johann Christian Bach (hijo de Johann Sebastian Bach y conocido
como el Bach de Londres), se caracterizó por el paso de las texturas complejas a melodías
claras con acompañamientos sencillos, y la creación de estructuras formales bien
definidas con secciones claramente articuladas: una fusión de la claridad formal de la
música francesa con las innovaciones armónicas y estructurales del estilo italiano, como
las del sinfonista milanés Giovanni Battista Sammartini. En Alemania surgió
el Empfindsamer Stil o estilo sentimental, que buscaba la expresión directa y natural de
sentimientos, y que practicaron Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emmanuel
Bach (el Bach de Berlín), hijos ambos también de Johann Sebastian.
Una de las figuras decisivas en la fijación de la forma sonata fue el compositor
italiano Domenico Scarlatti. El estilo de sus obras era innovador porque utilizaba
estructuras claras, y melodías con acompañamientos cada vez más comprensibles para el
oyente. Otro compositor influyente fue Christoph Willibald Gluck, reformador operístico
que pretendió volver a una fusión de música y texto, restándole importancia a la
improvisación de ornamentos típica del bel canto y atendiendo más a la modulación como
forma de articular las escenas dramáticas.
En el campo sinfónico fue fundamental la aportación de la Escuela de Mannheim, cuya
orquesta de corte estuvo en la vanguardia de la técnica orquestal (cambios dinámicos
espectaculares, introducción de los clarinetes...). A esta escuela pertenecieron Johann
Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz, Franz Ignaz Beck y Christian Cannabich.

1750 a 1775

Para la década de 1750 las formas instrumentales como el concierto y la sinfonía (ésta
originalmente la mera obertura de las óperas) habían ganado la suficiente fuerza como
para ser interpretadas independientemente de la música vocal, y tenían gran aceptación
en las cortes.
El compositor del momento era Franz Joseph Haydn. Además de escribir sinfonías de
estructura claramente clásica, escribió sonatas para pianoforte, el nuevo instrumento de
teclado en plena fase de perfeccionamiento y que permitía mayores capacidades
expresivas. Fue considerado también el gran creador del cuarteto de cuerda, pues sus
obras para esta formación, de gran refinamiento melódico y armónico, dieron una
importancia similar a los cuatro instrumentos y fijaron la forma, lo que contribuyó a que el
cuarteto quedase establecido hasta nuestros días.
Hacia 1770 surgió el estilo llamado Sturm und Drang, inspirado en una especie de
protorromanticismo literario del mismo nombre que podemos ejemplificar en el Werther de
Goethe, y que en música produjo obras sinfónicas de ambiente trágico y apasionado, casi
todas en modo menor, como algunas sinfonías de Haydn y C.P.E. Bach.

1775 a 1790

El centro de gravedad de la música europea se situó en Viena, donde un joven compositor

comienza a revolucionar la ópera y el concierto: Wolfgang Amadeus Mozart. Aunque se
basó en los aportes de Haydn, Mozart prefería melodías más cantables, al estilo italiano.
Además en sus obras se aprecian más cromatismos y otras modificaciones armónicas. En
cuanto a la instrumentación, utiliza más variedad de instrumentos, en ricas combinaciones
tímbricas.
En la década de 1780 Muzio Clementi adquiere prestigio con sus sonatas y estudios para
piano. Este compositor incentivó la extensión de la tesitura del instrumento, entre otras
modificaciones que brindaron nuevas posibilidades. Similar papel jugó para
el violonchelo Luigi Boccherini, italiano afincado en España.

Las formas musicales del Clasicismo[editar]

En este periodo se establecen las principales formas musicales vigentes hasta entrado el
siglo XX, y las estructuras que las rigen; entre estas estructuras se destaca la
llamada forma sonata, implementada en los primeros movimientos de la mayoría de las
formas musicales del momento (sonata propiamente dicha, cuarteto,sinfonía, etc.).
Las formas instrumentales del Clasicismo reciben su nombre según el conjunto al que
están destinadas:
•La sonata está escrita para un instrumento solista (generalmente el piano), o bien para
piano y un segundo instrumento (violín, flauta, etc.).
•El trío, el cuarteto, el quinteto... denominan a obras escritas respectivamente para tres,
cuatro, cinco... instrumentos. Entre estas combinaciones quedan fijadas algunas plantillas,
como la del cuarteto de cuerda o el quinteto de viento.
•La serenata, el divertimento y la casación suelen estar escritas para un conjunto de
tamaño medio (pequeña orquesta de cuerdas, banda de viento), para ser interpretados al
aire libre.
•El concierto está escrito para un instrumento solista y orquesta.
•La sinfonía es una obra escrita para orquesta sinfónica.
Todas estas obras son estructuradas de modo similar, tomando como modelo la sonata.
Tiene esta tres o cuatro movimientos:
•En el primero se sigue un esquema con tres partes: primero una exposición en la que el
compositor nos presenta dos temas, uno enérgico, en la tonalidad principal, y otro más
melódico, en la dominante o el relativo mayor. En segundo lugar, el desarrollo, en el que
se establece un conflicto entre los dos temas, que son fragmentados, transportados,
variados... Finalmente la reexposición, en la que la tensión armónica se resuelve al volver
a escucharse los temas iniciales en la misma tonalidad.
•El segundo movimiento, lento, suele ser más melodioso, utilizándose la forma lied, de
estructura ternaria y carácter lírico.
•El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma
de minueto, danza de origen francés, o de scherzo(en el caso de Beethoven).
•En el cuarto movimiento se adopta casi siempre la forma rondó, que alterna un tema
principal a modo de estribillo, en la tonalidad principal, con episodios en otros tonos.
En la sonata propiamente dicha los compositores solían prescindir a veces de alguno de
los cuatro movimientos canónicos, a su elección. El concierto nunca tiene minueto,
quedando por tanto estructurado siempre en sólo tres movimientos.
Los divertimentos y serenatas, por el contrario, solían ampliar la secuencia habitual con
algún movimiento suplementario.
Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de
ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y de composición de la
época: así, los de viento aumentan el número de agujeros y llaves para adaptarse a las
tonalidades con muchas alteraciones. Algunos instrumentos que surgen en este periodo
son el pianoforte, el arpeggione y el clarinete, mientras pierden vigencia casi hasta su
extinción la viola da gamba, el clavicordio, la flauta dulce (que volverá a renacer en el
siglo XX), el bajón y el laúd, entre otros. El fortepiano se impuso sobre el clave de tal forma
que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso en los conciertos
solistas.
Este es un periodo clave también para la orquesta porque se configura la orquesta
sinfónica como tal, por influencia de Mozart, Haydn y la escuela de Mannheim. De la
orquesta de cámara heredada del Barroco se mantiene la sección de cuerdas como base,
aunque esta es ampliada en número y suele complementarse con al menos un par de
oboes y de trompas. Al avanzar el siglo queda fijada la sección de instrumentos de madera
a dos: dos flautas traveseras, dos oboes, dos clarinetes y dos fagotes. La sección de metal
solía incluir entre dos y cuatro trompas, dos trompetas (con timbales) y, ocasionalmente,
uno o varios trombones. Se abandona la práctica del bajo continuo, y con ello el clavecín
en la orquesta, salvo para los recitativos operísticos.