APUNTES N° 2 INGRESO 2017

INTRODUCCION A LA NARRATIVA AUDIOVISUAL

Profesor Héctor Tokman

Email : hector.tokman@gmail.com

Estructuras del Lenguaje Audiovisual

La gran variedad de técnicas y elementos que requiere la comprensión del

lenguaje audiovisual, a los efectos de la filmación de una película, exige tener un
orden sistemático para este particular y conspicuo aprendizaje.

Son tantas las especialidades y en especial cada una de ellas tan profunda, que
de verdad se requiere un método muy adecuado para ir graduando los
conocimientos.

Por otro lado los avances tecnológicos en cuanto a registro, captura, proyección y
modalidades de distribución nos exigen una capacitación continua. Los cambios
desde el invento del cine hasta nuestros días han sido siempre una característica
de la industria.

1.-ESTRUCTURAS PRACTICAS

Producir es transformar la materia prima en un producto; siguiendo esa lógica para

los cineastas la materia prima es la idea y el trabajo consiste en convertir la
misma en un producto audiovisual.

Con lo cual queda claro, que todas las áreas del lenguaje audiovisual están
involucradas en la tarea de producir:
Guionista, director, arte, fotografía y sonido, músicos y pos productores tienen
sus responsabilidades específicas en cada una de las etapas de la producción

La Producción Ejecutiva es el las área que vincula los aspectos creativos con los
aspectos, operativos, administrativos, jurídicos y financieros de un proyecto
cinematográfico.

La Producción operativa es el área que vincula los aspectos creativos con los
aspectos logísticos de la realización.

El Productor Ejecutivo es el responsable del “Desarrollo de un Proyecto ” que

consiste activar un diseño, para transformar una idea en un proyecto viable, con
un alto potencial de materialización de un producto audiovisual.

Luego junto con la producción operativa y todo el equipo técnico y artístico

emprenden la realización.

La industria cinematográfica y televisiva internacional propone altos estándares en

cuanto al Desarrollo de Proyectos.

El Desarrollo de Proyectos debe ajustarse a exigencias de la industria que son

aplicables a cualquier lugar del mundo.

Nuestro país tiene incorporado en la postulación a los fondos de fomento del

INCAA , para cine y televisión todos los conceptos que se van a desarrollar en
esta asignatura.

Nuestro medio necesita de Productores Ejecutivos, creativos, emprendedores, con

proyectos propios y visión, capaces de generar producciones que resguarden los
aspectos artísticos inherentes a este oficio y que sean hábiles para insertar
nuestra cinematografía en la escena mundial.

Organización de la Preproducción:

Timing de preproducción: Desgloses por áreas. Integración del equipo técnico y

artístico. Realización de chequeos de locaciones , permisos, contratos, cesiones
de derechos, ensayos con actores, departamento de arte, departamento de
cámara y fotografía y sonido, transporte, catering, guión técnico. Plan de rodaje,
plan de filmación diario, plan de edición, composición musical, plan de
posproducción de imagen, plan de posproducción de sonido, diseño gráfico,
subtitulados, pack piezas gráficas y de difusión, tráiler.

2.- LOS MATERIALES DE REGISTRO Y SUS SEGMENTOS

El concepto material abarca:

 El cuerpo de la cámara
 El soporte
 Los lentes

La primera forma de registrar, se la denomina fílmica y se realiza con una

película, que consiste en una banda de celuloide sobre las que se fijan los
fotogramas del film. Está conformada por varias capas y es sensible a la luz y
requiere de un proceso posterior de laboratorio.

Es un registro molecular que por sus características de resolución y calidad

cromática, aún las nuevas tecnologías no han podido superar.

Existen variados tipos de cámaras y de películas, 35 milímetros, 16 milímetros,

Súper 8 entre los más usados y conocidos, son diferentes formatos. A su vez las
películas se clasifican por su sensibilidad, que es un índice de respuesta para las
diferentes condiciones de luz.

A mediados del siglo XX, directamente ligado al invento y propagación masiva de

la televisión, comienza la era del registro en cintas de video , que fruto de
continuos avances e investigaciones en los últimos años adquiere el formato
digital, en el que se puede reproducir en una multiplicidad de dispositivos y
comienza a competir en las salas cinematográficas con la resolución del fílmico.

Los costos de producción se han democratizado y el paradigma de las salas de

proyección cinematográfica hoy convive con otras múltiples manera de
distribución, como lo es la televisión por aire, el cable y a través de la internet y
teléfonos celulares.

A ) Encuadre: es la delimitación bidimensional, rectangular y transversal del

espacio situado ante la cámara, efectuada mediante el visor y el objetivo,
plasmada primero en el marco del fotograma y luego en el de la pantalla
(recuadro).

Cuando el camarógrafo inicia el registro de una imagen apretando el disparador

con una cámara y hasta que esta acción se finaliza se alcanza al concepto de
Plano, que es la porción de realidad capturada por la cámara. Es la parte de una
película rodada en una única toma. Se clasifican de la siguiente manera:

•Plano panorámico: muestra un gran escenario o una multitud. El

sujeto o no está o bien queda diluido en el entorno, lejano, perdido,
pequeña. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático
cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre
frente al medio. Se da así más relevancia al contexto que a las figuras
que se filman. También se utiliza para mostrar los paisajes.

•Plano general: presenta a los personajes de cuerpo entero y muestra

con detalle el entorno que les rodea.

•Plano conjunto: toma dos o más personas de cuerpo entero.

•Plano entero o plano figura: denominado así porque encuadra a todo

el sujeto.

•Plano americano: o también denominado 3/4, o plano medio largo,

recorta la figura por la rodilla, aproximadamente. Se utiliza desde los
westerns para mostrar al sujeto con sus revólveres.

•Plano medio: recorta el cuerpo a la altura de la cintura.

•Plano medio corto: captaría el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad

del pecho. Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un
recuadro, y descontextualizarla de su entorno para concentrar en ella la
máxima atención.

•Primer plano: toma el rostro y los hombros de la figura humana. Este

tipo de plano al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano,
se corresponde con una distancia íntima que sirve para mostrar
confidencia e intimidad respecto al personaje.

•Primerísimo primer plano: capta el rostro desde la base del menton

hasta la punta de su cabeza. También dota de gran significado a la
imagen.

•Plano detalle: sólo muestra en su maxima expresion a un objeto. Sirve

para enfatizar algún elemento de esa realidad y destaca algún detalle
que de otra forma pasaría dasapercibido.

•Two Shot: es un tipo de toma o encuadre empleado en el cual el

marco abarca una vista de dos personas. Los personajes o sujetos no
tienen que estar el uno al lado del otro, hay muchas tomas que tienen a
un sujeto en el primer plano y otro sujeto en el fondo.

Se denomina COMPOSICIÓN a la distribución de los elementos que

intervienen en una imagen dentro del encuadramiento que se realiza a
partir del formato de la imagen y de acuerdo con la intencionalidad
semántica o estética que se tenga. Se pueden considerar diversos
aspectos:

- LÍNEAS VERTICALES. Producen una sensación de vida y

sugieren cierta situación de quietud y de vigilancia. En general las
líneas verticales, igual que las líneas horizontales, se asocian a una
situación de estabilidad. No conviene abusar demasiado de las líneas
verticales porque pueden cansar y provocar una sensación de
monotonía en el espectador.

- LÍNEAS HORIZONTALES. Producen una sensación de

paz, de quietud, de serenidad y a veces de muerte. En general las
líneas horizontales, al igual que las líneas verticales, se asocian a una
situación de estabilidad. No conviene abusar demasiado de las líneas
horizontales porque pueden provocar una sensación de monotonía en
el espectador.

- LÍNEAS INCLINADAS. Producen una sensación de

dinamismo, de movimiento, de agitación y de peligro. En general las
líneas inclinadas dan relieve y sensación de continuidad a las
imágenes. Las líneas inclinadas al igual que las líneas curvas
proporcionan un ritmo más dinámico a las secuencias de vídeo y
resultan más agradables que las líneas verticales y las líneas
horizontales .

- LÍNEAS CURVAS. Producen una sensación de dinamismo,

de movimiento, de agitación y de sensualidad. En general las líneas
curvas dan relieve y sensación de continuidad a las imágenes. Las
líneas curvas al igual que las líneas inclinadas proporcionan un ritmo
más dinámico a las secuencias de vídeo y resultan más agradables que
las líneas verticales y las líneas horizontales.

- EL AIRE. Se denomina AIRE al espacio más o menos vacío

que se deja entre los sujetos principales que aparecen en una imagen y
los límites del encuadre. Algunas de las normas que conviene tener
presentes al respecto son las siguientes:

- El primer plano y el plano medio han de dejar aire por

encima de la cabeza de las personas.
- Cuando en una secuencia de vídeo los sujetos caminan, es necesario
dejar un espacio delante de ellos.

- REGLA DE LOS TERCIOS. Una de las principales reglas

de la composición es la REGLA DE LOS TERCIOS. Según ella, los
personajes u objetos principales tendrían que estar colocados en las
intersecciones resultantes de dividir la pantalla en tres partes iguales de
manera vertical y también de manera horizontal. De esta manera se
 consigue evitar la monotonía que producen los encuadres demasiado
simétricos. A consecuencia de la regla de los tercios hay que tener
presentes los siguientes aspectos:

 Los personajes principales no han de ocupar el centro

del encuadre.
 La línea del horizonte nunca dividirá horizontalmente el
encuadre en dos partes iguales.

- SIMETRÍA. La SIMETRÍA se produce cuando en un encuadre aparece

repetido un elemento de manera que uno de ellos parece el reflejo del
otro en un espejo. Las composiciones muy simétricas resultan
agradables, dan una sensación de estabilidad, pero pueden resultar
monótonas. Las composiciones asimétricas son más dinámicas,
producen una sensación de inestabilidad y pueden generar más tensión
dramática.Al componer las imágenes hay que asegurarse que los
espectadores centren su atención en los lugares convenientes y no
miren demasiado los elementos secundarios

B) Campo visual: representación del espacio visual longitudinal enfocado con

nitidez, lo que permite mayor o menor profundidad óptica de la imagen. Por
otro lado, se denomina Fuera de campo al espacio que excede los márgenes
del cuadro o profundidad de campo cuando se abarcan los dos enunciados
anteriores. La PROFUNDIDAD DE CAMPO es entonces el área por delante y
por detrás del objeto o personaje principal que se observa con nitidez.

Depende de 3 factores:

 La distancia focal. Las cámaras con objetivos de poca

distancia focal (gran angular) proporcionan más profundidad
de campo a las imágenes.

- La apertura del diafragma. Un diafragma poco abierto
aumenta la profundidad de campo de las imágenes.

- La distancia de los objetos a la cámara. La profundidad de
campo aumenta cuando se enfocan los elementos más
lejanos y disminuye al enfocar objetos próximos.

GRAN PROFUNDIDAD DE CAMPO. Cuando en una imagen hay

GRAN PROFUNDIDAD DE CAMPO se ven con claridad la mayoría
de los objetos de la imagen, tanto los que están más próximos al
objeto principal como los más lejanos.
La profundidad de campo se puede incrementar de diversas
maneras:

 Cuando se aumenta la iluminación de los objetos con unos

focos, de manera que se pueda cerrar más el diafragma de la
cámara.
 Cuando se utilizan objetivos de poca distancia focal (gran
angular ).

POCA PROFUNDIDAD DE CAMPO. Cuando en una imagen hay

POCA PROFUNDIDAD DE CAMPO sólo se ven con claridad los
objetos situados cerca del objeto principal que se ha querido enfocar.
La profundidad de campo se puede disminuir de diversas maneras:

 Al trabajar con diafragmas muy abiertos.

 Cuando se utilizan objetivos de gran distancia focal
(teleobjetivos ).

La DISTANCIA FOCAL es la distancia que hay entre el centro de la

lente del objetivo enfocado al infinito y la película fotográfica (o el
mosaico de registro de la cámara de vídeo) donde se formarán las
imágenes.
Cada objetivo tiene una distancia focal determinada. Los objetivos se
pueden clasificar en:

GRAN ANGULAR. Los objetivos GRAN ANGULAR tienen una

distancia focal corta. Los objetivos de gran angular amplían el campo
visual y la profundidad de campo pero distorsionan la realidad,
exageran la perspectiva y hacen que los objetos parezcan más
distantes y lejanos de lo que están en realidad. El uso de este
objetivo es recomendable para las tomas de objetos en movimiento,
ya que permite mantener el enfoque con facilidad.

OBJETIVO NORMAL. Se considera que el OBJETIVO NORMAL por

excelencia es el que tiene una distancia focal de unos 35 mm. El
objetivo normal es el que llevan la mayoría de cámaras fotográficas
ya que proporciona un buen campo visual, unas imágenes de
tamaño adecuado sin distorsiones y una aceptable profundidad de
campo. También son los objetivos más habitualmente utilizados en
las cámaras de vídeo.

TELEOBJETIVO. Los objetivos tipo TELEOBJETIVO tienen una

distancia focal larga. Los objetivos de tipo teleobjetivo acercan los
elementos que enfocan pero reducen el campo visual y la
profundidad de campo, comprimen los objetos y acercan más el
 fondo.
Cuando se hacen tomas cercanas de la figura humana con ellos,
pueden provocar deformaciones grotescas. Con este objetivo es
difícil mantener el enfoque cuando se realizan tomas de movimiento

OBJETIVO MACRO. Los objetivos MACRO permiten realizar

fotografías a pequeños objetos situados a muy poca distancia de la
cámara: flores, insectos... El objetivo macro también se utiliza para
realizar fotografías de imágenes en soporte papel.
En este caso hay que disponer de una iluminación con un ángulo de
45 grados sobre cada uno de los lados del papel a fotografiar (para
evitar sombras) y situar la cámara totalmente fija en un trípode.

Los objetivos zoom permiten variar su distancia focal, de manera que

pueden ajustar su comportamiento a diversas circunstancias entre
las posiciones extremas de teleobjetivo y gran angular.

C) Angulación: la cámara suele ubicarse a la altura del rostro del personaje, pero
también existen los ángulos enfáticos, es decir, aquellos que buscan connotar la
imagen.

•Cenital o aplomo: la cámara se ubica perpendicularmente hacia el

suelo.

•Picado: la cámara se ubica de arriba hacia abajo.

•Normal: la cámara se ubica frontalmente al eje vertical u horizontal.

•Contrapicado: la cámara se ubica de abajo hacia arriba.

•Supina: la cámara se ubica perpendicularmente hacia el cielo.

D) Movimiento: depende del desplazamiento de la cámara en función de los

sujetos y objetos situados frente a ella.

•Panorámica o paneo: movimiento rotativo de la cámara sobre su

propio eje, puede ser horizontal, vertical u oblicua.

•Travelling: la cámara se coloca sobre un soporte móvil (dolly) y realiza

movimientos hacia adelante, atrás, izquierda, derecha o en sentido
oblicuo. Hay travelling aéreo: de retroceso y de seguimiento. La
combinación de ambos movimientos en una única toma se denomina
trayectoria. Una modalidad
 imperfecta de travelling se obtiene con el objetivo de distancia focal
variable de la cámara conocido como Zoom.

•Cámara en mano: movimientos obtenidos por medio de

desplazamientos del propio operador.

•Steadycam: cámara fija al cuerpo del operador mediante un armazón.

Movimientos ópticos:

- ZOOM. El movimiento de ZOOM se realiza con las cámaras que

tienen objetivos variables, es decir, objetivos zoom. Permite hacer que
los objetos se acerquen o se alejen sin desplazar la cámara. También
se llama travelling óptico. Hay que tener presente pero que a diferencia
del travelling, con el zoom que a medida que uno se acerca o se aleja,
cambia la perspectiva , porque se modifica la distancia focal

E). Iluminación:

La luz es una condición genética de la imagen. Su utilización depende de criterios

técnicos, dramáticos y estéticos.

Además de su valor funcional, la ILUMINACIÓN tiene un valor

expresivo ya que puede resaltar o suprimir formas y crear una
atmósfera determinada que produzca muy diversas sensaciones. Se
pueden distinguir dos tipos básicos de iluminación: iluminación suave y
iluminación dura. Las tomas interiores exigen crear luminosidad y
contraste. Para conseguirlo se usan 4 fuentes de luz:

- Iluminación principal.
- Iluminación de relleno.
- Iluminación posterior.
- Iluminación de fondo.

Las tomas exteriores, sobre todo en días soleados, exigen controlar el

contraste existente mediante el uso de reflectores que suavicen las
sombras. Los días nublados son muy interesantes para hacer registros
exteriores ya que la luz es más suave y uniforme y genera menos
contraste.

- ILUMINACIÓN SUAVE. La ILUMINACIÓN SUAVE o iluminación tonal

es una iluminación difusa que reduce los contrastes excesivos y permite
apreciar bien los detalles a la sombra. Se puede conseguir
compensando adecuadamente la iluminación principal (interior o
exterior) con reflectores o focos de relleno. Es una iluminación plana,
igualada y menos dramática que la iluminación dura, y proporciona una
apariencia agradable a las personas.

- ILUMINACIÓN DURA. La ILUMINACIÓN DURA o iluminación de claro

y oscuro, es una iluminación direccional que sirve para destacar las
formas y los contornos de las personas y los objetos. Produce un fuerte
contraste. Se consigue utilizando una potente iluminación principal con
una débil iluminación de relleno. Cuando se utiliza una iluminación dura
las personas pueden aparecer con una imagen amenazadora.

- TEMPERATURA DE COLOR. Cada tipo de luz tiene una temperatura

de color determinada. Para adaptar la cámara a la temperatura de color
del ambiente hay que hacer un balance de blancos, mediante el cual se
indica a la cámara cual es el color blanco. Las salidas y puestas de sol
y las luces incandescentes tienen una temperatura de color baja y de
tono rojizo. Al mediodía la luz tiene una temperatura más alta y de tono
azul. La luz de una vela también tiene una temperatura de color baja y
de tonalidad rojiza.

El COLOR de los objetos se produce por la luz que reflejan. Los objetos
que no reflejan la luz aparecen de color negro. Los COLORES nos
producen, de manera inconsciente, diversos sentimientos y
sensaciones. Se pueden considerar dos sistemas de registro
cromático:

- Aditivo, el que se usa en la imagen electrónica (rojo, verde, azul)

- Sustractivo, el que se usa en la pintura (azul, rojo, amarillo).

Cuando se crean imágenes conviene limitar los colores puros que se

utilizan ya que si se usa un único color dominante se podrá centrar
mejor el interés en la idea principal. Entre las principales propiedades
de los colores están:

- La tonalidad, que diferencia un color de otro.

- La saturación, que representa la fuerza del color, su grado de pureza
o de mezcla con el blanco.
- La luminosidad, que es la mayor o menor capacidad que tiene para
reflejar la luz.

Según su tonalidad los colores se pueden clasificar en dos grupos:

- COLORES CÁLIDOS (resultan excitantes y estimulantes). En general

los espacios con colores cálidos parecen más grandes, cercanos y
pesados.
 BLANCO. Es el color de la luz y de la claridad. Se asocia a limpieza,
pureza, paz, calma.
AMARILLO. Es el color del sol y llama la atención por su brillantez.
Evoca alegría, vitalidad y diversión. También es el color de la riqueza,
ya que el oro es amarillo.
NARANJA. Sus tonalidades suaves transmiten una sensación
agradable de ambiente familiar y de confort. Por otro lado como es un
color muy visible se usa para señalizar peligros y llamar la atención.
ROJO. Es el color de la sangre y del fuego. Se relaciona con la acción,
el coraje, la pasión, el dinamismo... Comunica sensaciones de
excitación, agresividad y movimiento. También se usa para llamar la
atención e indicar peligro .

COLORES FRÍOS (resultan sedantes). En general los espacios con

colores fríos parecen más pequeños y lejanos.

VERDE. Es el color de la naturaleza que tranquiliza y relaja. También

se asocia a la esperanza, salud, vitalidad, seguridad.
AZUL. El color del cielo y del mar. Simboliza cosas grandiosas,
autoridad, lealtad, dignidad, el infinito. Cuando es claro relaja y
proporciona frescor, seguridad y confianza; cuando es oscuro resulta
triste.
- VIOLETA. Se relaciona con ambientes elegantes o lujosos.
- GRIS. Color neutro, metálico. También evoca falta de color, tristeza,
pobreza.
- NEGRO. Tiene dos significaciones principales. Por una parte (en
nuestra sociedad) se relaciona con el misterio, la ignorancia, el miedo,
la soledad, la oscuridad, la muerte. Pero también se asocia a poder,
dominio, elegancia

Sonido: elemento extraóptico definidor del plano. En el film está integrado por
sonido fonético (voces), sonido musical y efectos sonoros (ruidos).

Durante el rodaje existen dos modalidades de registro sonoro, uno es el sincrónico

que se realiza obteniendo los diálogos directamente desde los sistemas de
captura de la cámara y la otra modalidad es la asincrónica, mediante grabadores
analógicos o digitales , en donde la sincronización se realiza a posterior en el
trabajo del montaje.

3 .- MATERIALES HUMANOS

Equipo técnico

Aquí ya no se trata de materiales inertes, sino de seres vivos, con toda la carga
emocional que ello implica. Ya sea psicológica, emocional y dinámica de grupo.
Importa en este sentido la calidad humana de todos los cabezas de equipo , el
conocimiento de la gente y toda la ductibilidad posible.

El quipo técnico está a cargo de un conjunto de especialistas. Su número y función

varía considerablemente según la índole y la envergadura económica del
proyecto.

En nuestra producción latinoamericana es corriente la conformación de un equipo

técnico de unas 20 a 30 personas..

En otro extremo del diseño de producción, es posible realizar una película con un
equipo reducido de ocho a tres y hasta de una sola persona cubriendo todos los
aspectos.

Lo importante es entender que hacer una película es producir y que producir es

transformar la materia prima en un producto y que en ese sentido, todos los del
equipo técnico estamos involucrados en la producción.

Luego comprenderemos los aspectos y las etapas.

Aquellas funciones gerenciales, las operativas, y las creativas…pero todas en la

búsqueda de un resultado final , que es la concreción del film.

La división del trabajo esta relacionada con las diferentes etapas de la

construcción: Idea, el guión, el desarrollo, la preproducción, el rodaje, el montaje
de la imagen y el sonido, la posproducción y las etapas de difusión y distribución.

La producción es estratégica, basada en la organización financiera y logística pero

concibiendo su trabajo como un acto creativo , la dirección asume la realización
técnica y artística, trabajan en escenarios que muchas veces entran en conflicto,
pero siempre , en función de un resultado final.

Equipo artístico

La relación con los actores, la dirección de la interpretación es por sobre todo una
gran experiencia personal del director, a veces intransferible y de características
diferentes en cada film e inclusive con cada actor.

Comencemos diciendo que puede suceder a partir de un casting , tener que

trabajar con actores profesionales o con personajes que surgieron a partir de
búsquedas reales. El resultado final es diverso, nadie puede aventurar que el
profesionalismo se impone a los personajes elegidos de la vida cotidiana.
4.- ESTRUCTURAS CREATIVAS

El tratamiento de estas estructuras se refiere a su expresión audiovisual.

La continuidad, la progresión, la imagen el sonido y el montaje con sus ritmos

son partes de sus herramientas

A) Continuidad

La CONTINUIDAD hace referencia a la relación que existe

entre las diferentes tomas de una filmación a fin de que no rompan en el
receptor la ilusión de continuidad. Cada toma ha de tener relación con
la anterior y servir de base para la siguiente. Por lo tanto se debe
asegurar:

La continuidad en el espacio:

 La dirección de miradas
 Entradas y salidas de cuadro
 Enlaces de movimientos
 La continuidad en el vestuario y en el escenario
 La continuidad en la iluminación: que no haya cambios
repentinos de tonalidad dentro de un mismo espacio y secuencia.

La continuidad emotiva

 Motivados por razones de producción, es muy común que el actor

tenga que continuar con sentimientos y vivencias emotivas, días
diferentes de filmación y /o de locaciones y es el trabajo de todo el
equipo de dirección y de arte que junto al actor retoman la situación
dramática.

La continuidad en el tiempo.

 Es un tema sensible el manejo del tiempo en el relato audiovisual, a

veces los días y las noches se suceden, otras las semanas, los años ,
los tiempos biológicos , la historia se adelanta, retrocede y no es
caprichosa la necesidad de continuidad. Son tratamientos muy sutiles
que responden a toda la creatividad del equipo.

B) La progresión
Este aspecto corresponde, a las estructuras narrativas, temáticas y dramáticas
expuestas en la 1° parte de los apuntes.

C) Imagen y el sonido

El predominio de lo visual en el Lenguaje cinematográfico es una arbitrariedad,

luego del fin del cine mudo, el lenguaje evolucionó hacia una muy fuerte
compensación entre el sonido y la imagen.

Cuando se habla de imagen audiovisual no puede pensarse únicamente en las

apariencias figurativas y sonoras, sino en una conformación de significados que
expresan todos los códigos que componen el plano, donde la historia se sumerge
en una estructura plástica, fotográfica y sonora que la hacen evidente.

Alguien dijo dentro de la historia del cine, que la incorporación del sonido había
permitido descubrir el valor del silencio.

¨Pero la realidad impone, que los diálogos, las voces omnipresentes, los textos en
off, los ruidos, los sonidos incidentales, la música y aún los silencios de
composición sonora constituyen una estructura, ya sea por analogía o por
contraste

D) Montaje

El montaje que deviene de diferentes formatos de registro de imagen y sonido,

sean fílmico, video o digital, han tenido a los largo de la historia de la tecnología
diferentes herramientas, que no afectan al concepto.

El armado del montaje visual y sonoro constituye uno de los momento más
importantes de la construcción. Estamos frente a una nueva reescritura del relato,
proceso posterior al rodaje.

Las bases del montaje se sustenta en la necesidad de seleccionar la diferentes

tomas que se hicieron durante el rodaje y reunir aquellas elegidas a los efectos de
realizar una línea de tiempo, un desarrollo temporal de la historia, según la guía
escrita. Luego de la selección comienza un trabajo donde se aplican criterios para
seleccionar los momentos más significativos, se descartan los superfluos, se
piensa en la emotividad, en el avance de la historia, en las leyes de la continuidad
y en los ritmos del propio montaje.

El RITMO de un material audiovisual, se consigue a partir de una buena

combinación de todos los valores descriptos y siempre al servicio de lo que se
quiere contar. Es la ordenación narrativa y rítmica de los elementos objetivos del
relato. El proceso de escoger, ordenar y empalmar todos los planos rodados
según una idea previa y un ritmo determinado.
La expresión del montaje es el elemento más importante de todos los anteriores y
fruto de todos ellos. La elección, el ritmo, la medida van a la búsqueda de darnos
una significación. Porque imágenes sueltas pueden adquirir al unirse agrupadas
un nuevo significado.

Tipos de montaje:

Según la escala y la duración del plano:

Analítico: A base de encuadres que contienen planos cortos y en general de corta

duración. Se presta más a lo expresivo y psicológico. Se analiza la realidad
estudiándola por partes. Se crea un ritmo rápido en la sucesión.

Sintético: A base de encuadres que contienen planos largos y con frecuencia uso
de la profundidad de campo. Se da una visión más completa de la realidad, sin
voluntad de análisis. Como aparecen más objetos y más hechos, exige encuadres
de más duración para poder tener bastante tiempo de lectura.

Según con vistas a la totalidad del relato cinematográfico:

Narrativo: Pretende narrar una serie de hechos. Puede ser:

Lineal: El que sigue una acción única desarrollada por una sucesión de escenas
en orden cronológico.

Invertido: Se alterna el orden cronológico del relato a partir de una temporalidad

subjetiva de un personaje o buscando más dramatismo.

Paralelo: Dos o más escenas, independientes cronológicamente, se desarrollan

simultáneamente creando una asociación de ideas en el espectador. La finalidad
es hacer surgir un significado a raíz de su comparación. Una característica es su
indiferencia temporal, donde no importa que las diferentes accione alternadas
sucedan en tiempos diferentes o muy distantes entre sí.

Alterno: Equivale al anterior, basado en la yuxtaposición de dos o más acciones,

pero entre éstas existe correspondencia temporal estricta y suelen unirse en un
mismo hecho al final del film o de la secuencia.
Expresivo: Intenta sobre todo una interpretación artística o ideológica de la
realidad cinematográfica que quiere mostrar en el transcurso de un film. Puede
ser:

Métrico: Se basa en la longitud de los fragmentos.

Rítmico: En función tanto de la longitud de los planos como de la composición de

los encuadres. Intenta subrayar el impacto psicológico con una segunda sensación
confiada al ritmo del film. Se deforma la realidad de alguna manera, el ritmo real
de un suceso se retrasa o acelera según lo que el autor quiere provocar.

Tonal: Intervienen componentes como el movimiento, el sonido emocional y el

tono de cada plano.

Armónico: Resultado del conflicto entre el tono principal del fragmento y la

armonía.

Ideológico: Busca un sentido más intelectual en la narración de los hechos al crear

o evidenciar diferentes tipos de relaciones entre sucesos, objetos, personas...
Relaciones temporales, espaciales, causales, consecutivas, de analogía, de
contraste...