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Historia del
Arte de los
Países
Anglosajones
Mª Jesús Suesta Estellés
1. Expansión geográfica
2. Cronología
3. Fuentes
1. Arte de la cultura celta en el ámbito de los anglosajones. Su zona inicial de arranque es la Europa
central, pero se fueron expandiendo de Este a Oeste de Europa, Austria, suiza… por el Oeste llegará a
Francia, España, Inglaterra, Irlanda, influencia en Asia Menor y dentro de Asia Menor, en Turquía
Central. Por el Sur, llegará a Italia y Grecia. Por el Este es importante su expansión por Hungría y
Rumanía.
2. A nivel cronológico, el origen de la cultura celta está en la Edad del Bronce y la Edad del Hierro.
Entre el 2000 y el 700 a.C., en la Edad del Bronce y la del Hierro del 700 a la Conquista de Roma, en el
siglo III a.C. y concluirá en el siglo I a.C.
En torno al 2000 a.C. había una incipiente lengua entre los celtas. En este periodo ya había una
aristocracia guerrera muy posesionada en su sociedad, principal mecenas de las artes en el mundo
celta.
Son uno de los primeros pueblos en caer, en el 225 a.C., tiene lugar la batalla de Telamón, lo que
supone la caída de la cultura celta a manos de Roma. Eran grandes guerreros y no les había ido mal
incluso con Roma unos años antes, pues en el 387, los romanos caen en manos de los celtas. En el
279 a.C. los celtas habían hecho caer la ciudad de Delfos en Grecia, la ciudad donde estaba el
oráculo, meca de peregrinaje en todo el Egeo. Desde el punto de la expansión, de una manera muy
arraigada en la zona anglosajona.
Es en la Edad del Hierro cuando se establece con sus ítems bien definidos. Abrimos los dos periodos
más significativos de la cultura y el arte celta: la fase Hallstatt y La Téne, en las proximidades del lago
de Austria. La primera, temprana, va del 700 a.C. al Siglo V a.C. y la segunda, más tardía, del Siglo V
hasta la caída en el 225 a.C. El arte más refinado es la de la segunda, de hecho los historiadores
cuando se refieren a este arte, hablan principalmente de esta etapa.
Poco a poco hay una síntesis entre lo romano y lo celta.
Cronología
- Edad del Bronce (ca. 2000 a.C. – 700 a.C.)
- Edad del Hierro (ca. 700 a.C. – 225 a.C.)
*Hallstatt
*La Tène (manifestaciones más refinadas)
- Época de dominación romana (ca. 225 a.C. – V d.C.)
Se abre en el Siglo V por la caída de Roma y del Imperio romano de Occidente. Diocleciano separa el
Imperio entre Oriente y Occidente en el Siglo III. En el 313, Constantino y el Edicto de Milán declaran
el cristianismo como religión oficial del Estado. Lo cristiano se acaba mezclando con lo romano.
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3. Las fuentes: La fuente histórica más antigua es del Siglo V a.C. con Herodoto, referencia histórica
sobre quien eran los celtas, sus costumbres, etc.
Polibio, del Siglo II a.C., también nos habla de que es lo celta.
En el siglo I a.C. empiezan a multiplicarse las referencias, destacando Tito Livio, Estrabón, etc.
La palabra celta viene de las fuentes griegas y romanas, les llamaban los “keltoi” y “galos” o “celtoi”.
Estas fuentes nos dan mucha información pero hay que tener mucho cuidado pues no son los
mismos celtas, sino otros, con lo que se tiende a deformarlo. Para Grecia, ellos mismos son el
símbolo del orden, la civilización, la armonía, todo lo que queda fuera de Grecia y Roma es bárbaro.
Hablan de orfebrería, arte, etc… Todo lo que queda fuera de las fronteras de lo griego y romano es la
otredad.
“Los galos son altos de estatura y su carne es muy húmeda y blanca mientras que
su pelo no es que sea rubio por naturaleza, sino hasta que usan medios artificiales
para aumentar esta cualidad del color… Su aspecto da miedo”
“Ellos dicen que los barbaros que viven en el océano echan colores en bronce
recalentado y estos se adhieren y se vuelven duros como la piedra manteniendo
los diseños que se han hecho de ellos”
Filóstrato, Vidas de los sofistas
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Pero a pesar de todo lo que digan los griegos y los romanos, no son barbaros porque tienen una
sociedad muy organizada y jerarquizada.
Con las Guerras Médicas entran en contacto la cultura griega y la persa. Cuando llegan los griegos
empiezan a conocer a los magoi, la antigua casta de sacerdotes medas, persas del antiguo Irán, casta
sacerdotal, los magoi, tenía conocimientos muy profundos sobre su religión, controlaban los textos,
presidían cualquier ritual religioso, las creencias, etc. Esos magoi hacen magia, no religión. A partir de
entonces, todo lo que no forme parte de la religión de los griegos es magia.
En la cultura celta aparecen frecuentemente tres figuras unidas, genios de la tradición celta que
forman parte de la religión celta, que no la magia.
Estamos ante una civilización, aunque no esté acuñado, la cultura ha alcanzado su estadio de
civilización, ha alcanzado la máxima complejidad económico-social, político y cultural. Dentro de las
culturas de Neolítico no tienen esa complejidad que me permite calificarlas como civilizaciones.
Estas cuatro características las tiene la cultura celta desde la edad del bronce, manifiestan una
temprana complejidad social, política, económica y religiosa, hasta llegar a la Edad del Hierro, lo que
se traduce en:
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No podían ser barbaros cuando tenían todos estos requisitos y complejidades, es una civilización a la
altura de Roma o Grecia.
……………
CONTEXTOS
- Arqueológicos (arqueólogos, historiadores, historiadores del arte, epigrafistas, antropólogos
físicos…)
FUENTES
- Historiadores griegos y romanos (Herodoto, Polibio, Tito Livio, Estrabón…)
En esos territorios anglosajones, antes de que cuaje la civilización celta, había un Neolítico en el que
es necesario entrar, con contextos domésticos y rituales muy interesantes: ya había arquitectura
monumental. El Neolítico en toda la vertiente atlántica se sitúa entre el VI-V Milenio a.C. Ya han
conocido la domesticación de las plantas y los animales.
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Se caracteriza por que tiene diez viviendas, cada una de cuarenta metros cuadrados, de esas diez
viviendas, hay nueve iguales que se caracterizan porque hay una habitación principal donde se
desarrolla toda la vida y hay una vivienda donde el espacio esta compartimentado; esta se ha
interpretado que pueda ser un taller donde se tallaba piedra o hueso.
Hay piedra, adobe… En el centro está lo que se llama el hogar, para cocinar y dar calor a la vivienda.
Hay armarios, espacios para guardar cosas, camas y aparte varios utensilios como cajas de madera
para almacenar alimentos y el excedente de la agricultura. Hay enseres para la vida cotidiana, y otros
más rituales.
Este poblado se descubre en el Siglo XIX y se empieza a estudiar. Gordon Childe es el primero que
empieza a estudiarlo en profundidad, y escribe “Revolución Neolítica”, donde cuenta como en estos
momentos se pasa de la sociedad depredadora (comen lo que caza, pesca, etc., pero no produce) a la
que ya tiene cierta organización. Durante el neolítico hasta las sociedades complejas encontramos al
especialista a tiempo parcial, todo el mundo tiene que contribuir a conseguir el alimento que da
sustento a todos. Cuando ya se pasa a la civilización el especialista a tiempo parcial pasa a tiempo
completo.
¿Cuáles son los rituales? Surge una arquitectura ritual, arquitectura ritual que es la arquitectura
megalítica, con tres tipos de arquitectura megalítica:
Dolmen: Tumba megalítica. Tiene un corredor de lajas verticalmente, el corredor nos lleva hacia la
cámara funeraria.
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Dolmen de Newgrange, Irlanda (ca. 3200 a.C.): Es importante por la cubrición: una bóveda de
aproximación de hiladas, de lo más temprano en esta tecnología en Europa, se anticipa a las
micénicas del II Milenio a.C. y también a las del Imperio Antiguo de Egipto en las cámaras funerarias
de las pirámides. Precede al conocimiento del arco, por ello se hace por paramentos independientes
hasta llegar a cubrir. Ya presenta elementos decorativos.
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Ningún elemento es casual: ella está sobre una cama, para los celtas había una estrecha relación
entre la muerte y el sueño, lo que los griegos llamaron una relación entre “hypnos” (el sueño) y
“tanatos” (la muerte). Eso ya indica alguna creencia en torno a que la muerte física no es la
definitiva, para ellos había vida, si morir es como dormir, significa que morimos físicamente, pero
seguimos viviendo. En las tumbas de la alta sociedad celta, aparece el Caldero de la Resurrección. La
resurrección tiene que ver mucho con la religión cristiana y con las culturas que tienen una idea
lineal de la vida (y no la circular o cíclica de las culturas orientales o la Antigua América). Para los
celtas, más que resurrección es un renacimiento.
Por este contexto se deduce que hay vida mas allá de la muerte, con ello se relaciona el quílix, la
crátera y el oinochoe.
Se los llevaban para celebrar los banquetes fúnebres, los sysposium de los griegos.
Llama la atención que sea una mujer y no un hombre el de este estatus social, la mujer tenía una alta
consideración en la cultura celta, su consideración se equipara a la del hombre. Para ellos, el
matrimonio no es un acto religioso, sino un contrato, pero no como el entendido en el cristianismo,
los dos tienen los mismos derechos y deberes, y en caso de que uno muera, hereda toda la dote del
otro y a partir de ahí puede hacer lo que le plazca, volver a casarse, etc. Esta mujer, al igual que el
resto, como tal, tenía ya su estatus, era una sacerdotisa, druida (druida es tanto para los hombres
como para las mujeres). Ser druida es tener un amplísimo conocimiento astronómico, conocer las
constelaciones y sus movimientos porque a partir de todo ello era posible predecir cosas.
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“Los leñadores llegaron hasta un antiguo bosquecillo sagrado. Sus ramas entrelazadas rodeaban un
frío espacio central en el que nunca brillaba el sol, pero donde abundante agua emanaba de oscuros
manantiales”
Los druidas, además de todo lo que hemos visto antes, conocían muy bien la naturaleza, la utilidad
de cada planta, árbol. Para los celtas, todo lo viviente había sido creado por una misma energía
absoluta “oiw” que precedía a la creación y sería posterior al final de los tiempos. Pero esta energía
está concentrada sobre todo en los bosques. Para los celtas, el santuario es el bosque, por ello se han
encontrado muy pocos. Estos bosques se conocen como “neméton”. Excepcionalmente, hallaremos
algún santuario, pero está más ligado a lo funerario, es tan excepcional como que todos ellos son de
época romana, en fase Hallstatt y La Tenè no hay de estos santuarios. Los pocos que existen son de
planta circular. Pero no todos los bosques valen, el culto celta se desarrollaba en bosques de robles,
el árbol sagrado para los celtas. La palabra celta para robre es “duir”, de donde deriva la palabra
druida, el que conoce todo lo astronómico y la naturaleza. El cedro produce el muérdago.
“Los druidas se ocupaban de los asuntos sagrados, la conducta del público y los sacrificios privados, e
interpretaban todos los temas religiosos. A ellos acudían gran número de jóvenes con el fin de
obtener instrucción, y los druidas eran tenidos en una altísima consideración entre ellos”
Julio Cesar, La Guerra de las Galias
Organización social
Rey
Druidas / aristocracia guerrera
Artistas – Algunos salen de la casa real.
Pueblo
Esclavos (solían ser prisioneros de guerra)
“Los leñadores llegaron hasta un bosquecillo sagrado. Sus ramas entrelazadas rodeaban un frio
espacio central en el que nunca brillaba el sol, pero donde abundante agua manaba de oscuros
manantiales…”
Lucano, Farsalia
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Los druidas, pues así llamaban a sus magos, nada tienen más sagrado que el muérdago y el árbol que
lo porta. A causa de este árbol solo eligen bosques de robles.
Los druidas, una de las riquezas que manejaban era como curar la infertilidad. En el sexto día de luna
nueva, el druida de la comunidad podía subir al roble y cortaba una rama de muérdago. Era
necesario que la portara con una oz dorada de bronce. Esa rama de muérdago se recogía en un
manto blanco y se sacrificaban dos toros blancos (el color blanco se relaciona con la luna). Después,
se preparaba una pócima que las mujeres que querían quedarse embarazadas, les iba a dar el don de
la fertilidad, ayudaba a concebir.
En Grecia un niño solo se convertía en ciudadano de pleno derecho cuando hacia el servicio militar,
las mujeres cuando se casaban. Piden la fecundidad a la diosa que las ha estado defendiendo.
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Resumen:
Sacerdotisa: alta consideración de la mujer en la cultura celta.
Lecho donde yace es una cama relación muerte – sueño entre los celtas
Muerte = sueño / ajuar: cratera, oinochoe, kylix para banquete funerario; Caldero de las
“resurrección”; otros enseres… creencia en el mas allá (Renacimiento, concepción cíclica del
tiempo entre los celtas)
En las Culturas del Egeo hay deidades celtas primitivas ligadas a la fertilidad
que sobre su cabeza, en el tocado, llevan la papaver somniferum.
Deméter, en el mundo griego, diosa de la tierra y de la fertilidad, también
la lleva, porque en Grecia también fue importante para los rituales
místicos. Se usaba en los cultos y ceremonias que tenían que ver con esta
diosas como los Misterios de Eleusis (Deméter, Perséfone o Proserpina y
Baco o Dionisos), siguiendo la religión órfica. Otra ceremonia muy
importante ligada a esta diosa era la Festividad de las Tesmoforias
también conocidas como las aloas (de aquí viene el aloe vera).
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Pegaso es el caballo alado que sale de la cabeza de la Gorgona, por eso es dorado, porque reúne
tantas virtudes que debe ser dorado, de los dioses, y, ¿Porque un caballo? Porque entre los celtas, es
el animal más importante, tan importante que los celtas tuvieron una diosa de los caballos: la Diosa
Épona. Para los celtas el caballo simbolizaba la bravura, la velocidad, la belleza y la vigorosidad
sexual, además era signo de prosperidad porque todo el mundo no podía tener un caballo. La diosa
Épona también era diosa de la abundancia y de la prosperidad, de ahí que no nos sorprenda que en
las casas celtas, desde la más poderosa a la más humilde, hubiera una figura
de esta diosa, de diferentes materiales, claro, de oro hasta de barro, pero
estará. El caballo se convirtió en símbolo de la aristocracia guerrera, son
guerreros, necesitan un caballo.
Épona puede aparecer sola, con uno o dos caballos. En época romana aparece con un templete. No
hay que confundirla con Artemisa, la diosa de la caza, que aparece
asociada a veces al caballo y a los animales, Artemisa llevara un atributo
que nos permitirá distinguirla, la antorcha, la clave para no confundirla.
Los caballos tenían tanto valor que aunque los celtas si sacrificaban
algunos animales para ritos votivos, casi nunca se sacrificaron caballos.
Se entendía como una locura, fatal para el propietario y la comunidad.
Este caballo celta es una especie de poni. A pesar de que no era lo más
común, en ciertos lugares como Checoslovaquia encontramos pozos
votivos con ofrendas de estos animales.
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Se trata de un caldero de plata, interesante porque la plata fue de los materiales menos utilizados
por los celtas. Concretamente, este caldero está realizado por doce placas ensambladas de plata,
más la base que sería otra más.
En los diseños se combina el grabado, el modelado y el cincelado. Estudios recientes determinan que
trabajaron cinco artistas en la realización de esta pieza. Consta de 65 centímetros de diámetro por
cuarenta y dos centímetros de altura. En esta pieza trabajaron cinco artistas diferentes. Aunque todo
lo que se representa en ella es celta, de creencias celtas, se sabe que no es una pieza que se realizó
en territorio anglosajón, ni tan siquiera en los países escandinavos, sino que se trabajó en el sureste
de Europa, en concreto en Tracia. Tracia fue muy famosa por ser un lugar de plateros. Además la
plata procede también de allí.
Todo lo que se representa en él es celta, es una pieza que se encarga en Tracia, para alguien que vive
en Dinamarca. De todas las placas nos centraremos en las dos más significativas. Aun así, es
importante saber que todas ellas en resumidas cuentas representan a dioses, animales y plantas que
se refieren a la fecundidad, la regeneración y la perpetuidad de la vida.
mansión habita el dios Gagde, que tiene un caldero lleno de agua. Todo aquel que llega allí,
experimenta la regeneración ya que lo sumerge en ese mismo caldero, permitiéndole la
vuelta a la tierra.
Número 2: Es la dualidad, representado por una doble espiral. Dualidad que lo impregna
absolutamente todo: día y noche, luz y oscuridad, femenino y masculino, verano e invierno…. Es
como el Ying y el Yang. La existencia es porque los opuestos se complementan y permiten esa
existencia. En el trisquel está tres veces presente.
Número 4: Son los Puntos Cardinales. No se va a representar tanto en el arte, el arte celta está
inspirado en la observación de la naturaleza, las aguas, las plantas, las flores. Los movimientos de la
naturaleza son ondas, formas curvilíneas. Es un arte que se inspira exclusivamente en la naturaleza.
Como se mueve la tierra, el agua en verano o en invierno, etc.
Numero 5: Los cinco elementos. Tierra, agua, aire y fuego, agregando el espíritu, todo está habitado
por oiw, el espíritu, la energía espiritual. Los fundamentales para los celtas son el agua y la tierra en
su cosmovisión. Se representan con cinco círculos concéntricos. El círculo es la base de todo, los
movimientos de la naturaleza. Relación entre el agua del Caldero de Resurrección y el de cualquier
fuente natural, todas regeneran.
La Diosa Sulis: La tradición de ir a fuentes de agua para que su inmersión te pueda curar o sanar no
viene del cristianismo sino de estos Países Anglosajones y que tanto interesaron a los romanos, por
eso esta diosa no desparece.
Todas tienen el mismo significado: ofrendas a los dioses para ganarse los favores y apaciguar su ira,
tener prosperidad en la tierra, etc.
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En los depósitos acuíferos son muy abundantes las piezas que tenían que ver con la indumentaria
guerrera.
“En sus cabezas llevan cascos de bronce que poseen figuras salientes que le dan al que las lleva la
apariencia de una gran estatura. En algunos casos, los cuernos forman una pieza con el casco,
mientras que en otros, llevan figuras en relieve o las partes delanteras de pájaros o cuadrúpedos”
Diodoro Sículo, Biblioteca de Historia
El material era bronce, hierro, o cuero, en los tres casos pero sobre todo en
los dos primeros están revestidos de bronce dorado, al que se agregan
incrustaciones de piedras preciosas y una de las más frecuentes es de origen
marino: el coral, incluso de oro y plata. En cuanto a la forma, o son
semicirculares o ligeramente apuntados y coronados generalmente por
animales temibles.
Relación valor económico – valor simbólico, por ello los análisis deben de empezar siempre por el
material, porque está hecho de este material, que valores entraña, etc.
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Los metalisteros celtas eran itinerantes, hay que imaginarse el territorio celta-anglosajón con talleres
de artistas que trabajan para una corte pero que puntualmente pueden trasladarse a otra corte y
llevarse con ellos temas y técnicas. Los estilos entraban también de un lugar a otro por medio de los
matrimonios entre cortes. Y por regalos de corte, de unos reyes a otros.
Los talleres eran regionales y los temas, técnicas y estilos se movían de las tres formas que acabamos
de mencionar.
La decoración del escudo está basado en círculos que remiten a la creación (oiw) y la dualidad: la
doble espiral que simboliza el número tres. Tres son los círculos que decoran el escudo: la totalidad.
Y cinco círculos concéntricos en el de en medio.
1 = Creación
2 = Dualidad
3 = Totalidad
5 = Elementos
La piedra y el libro son tratados como objetos de metalistería. El libre se trabaja como una pieza de
orfebrería.
Libro de Kells
Lo que más ha pervivido del mundo celta es la metalistería: un
libor, escultura, un libre, una pieza engastada en un metal, etc.
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Simbiosis de los dos mundos que significa la creación: la cruz como símbolo de
salvación, envuelta por el círculo, la creación y la energía creadora, sobreviven el
símbolo de creación y la salvación ligada al creador.
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Las espadas suelen ser de hierro, la espada va dentro de la vaina que también solía ir
muy decorada. Están muy oxidadas. La empuñadura suele estar recubierta de bronce
dorado, vemos esa combinación otra vez al igual que en los cascos y los escudos.
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1. Espacio
Desde el centro de Europa (Austria, Suiza) se extiende hacia el Este, Sur, Oeste y Norte de Europa.
2. Temporalidad
Neolítico: poblados, dolmen, cromlech, menhir.
Edad del Bronce (ca. 2000-700 a.C.): Raíces.
Edad del Hierro: Hallstatt y La Tène (ca. 700 a.C. hasta la conquista romana). Apogeo La Tène.
Periodo Celto-Romano (225 a.C. VI d.C.). Síntesis y continuidad de lo viejo y lo nuevo.
Periodo cristiano
6. Religión: Compleja.
- Druida
- Oiw: Potencia/energía creadora. El bosque, el roble, el muérdago, otras como el papaver
somniferum.
- Astronomía – calendario lunar – festividades (IMBOLC, BELTENÉ, LUGNASAD, SAMAIN).
- Concepción cíclica del tiempo: hombre-naturaleza.
- Creencias entorno a la vida - muerte: Reencarnación (muerte física, liberación, viaje a la
tierra de Annwn, baño en caldero de la Mansión de Bruidhein, Renacimiento).
- Dioses: Diosas madres, geni cucullati, Epona, Dios del Sol, Dagdé, Cernunnos, Sulis.
- Tumbas y los depósitos acuíferos votivos.
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En el siglo III d.C., más concretamente en el 410, se produce la primera entrada de lo cristiano en
Inglaterra. Roma está en este territorio. En el momento en el que en Roma, como corazón del
Imperio decidía algo, se extendía por todas la provincias. La primera vez que el cristianismo es
aceptado como religión por Roma es en el 313 con el Edicto de Milán, después de fracasar el Edicto
de Tolerancia. La fecha en la que el cristianismo es aceptado por primera vez por Roma es el 313 por
el Emperador Constantino, pero no es la religión oficial de Roma, empezara a serlo en el año 376 con
el Emperador Teodosio. Cuando llegan los cristianos se asientan en Gran Bretaña. En el 410 se retira
Roma de estos territorios ingleses.
Algunos historiadores afirman que entre el 410 y el 590 se produce un vacío de cristianismo.
Aprovechando que se han ido los invasores, vuelven a sus tradiciones y raíces más puras sin simbiosis
y se reforzarán y fortalecerán mucho entre ellos, se produce un renacimiento de esos antiguos reinos
celtas. Refuerzan sus fronteras ante cualquier invasor. Los celtas quieren volver a sus orígenes más
puros.
Pero otros historiadores afirman que lo cristiano se debilita pero no desaparece del todo. Aparece
San Patricio en el 432 d.C., el padre de todo ese monacato ingles que se extiende en estos siglos. En
el 596 también se habla de otras figuras: San Agustín (596) y San Columbano (521-596).
En los siglos V y VI se extiende el monacato entre los países anglosajones, la primera expresión del
cristianismo en estos países. El arte que veremos serán monasterios, libros miniados y cruces.
Hay un desarrollo paulatino, no tan rápido como si se hubieran quedado los romanos, pero sigue
creciendo poco a poco, de manera ralentizada.
Cuando San Patricio llega intentará ubicar en Irlanda un modelo de iglesia episcopal tal y como
conoce Roma en estos momentos. Pero al final se regirá por el monacato, intentará ese modelo pero
fracasará. La tendencia debe ser la del monacato.
Hay que tener en cuenta que el Cristianismo surge en Oriente y se va extendiendo a Occidente a
través de Roma, se ha movido de forma autónoma antes de Roma, llega al territorio anglosajón y allí
se instala, no tiene que resultar por ello sorprendente. Recordar la escisión de la iglesia católica, etc.
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Los primeros monasterios estarán hechos en madera, son pequeños y están ubicados en bosques y
lugares retirados para la vida monástica y poco a poco se pasará a la piedra. A medida que crezca el
Cristianismo, crecen los monasterios y su complejidad en cuanto a estructura arquitectónica.
Tienen una iglesia ligada al espacio residencial, las celdas y el refectorio para comer. Son lugares
donde se acuna el conocimiento, espacio para y por el conocimiento donde se copian, estudian y
realizan libros, punto nuclear desde donde se va a difundir el Cristianismo primitivo en estos
territorios.
Libro de Kells
Vamos a ver las técnicas de manufactura de estos libros miniados
anglosajones.
Se pasa del papiro al pergamino.
La primera cuestión importante es la del soporte: es pergamino, se ha
producido el paso del papiro al pergamino en el cambio de siglo I a.C.
al I d.C. El pergamino tiene la principal ventaja que se conserva mejor
que el papiro y su hoja es relativamente flexible. La desventaja es que
es más caro, pero conforme nos adentramos en la Edad Media, se
produce el tránsito de un papel a otro en el Cristianismo. Este elegirá
el pergamino para soporte de sus textos para marcar una diferencia
respecto al mundo pagano. Ese cambio de soporte es simbólico, del
paganismo al cristianismo.
El pergamino procede de animales: cabras o vacas, y cuanto más joven mejor calidad, era importante
elegir la calidad del animal, lo primero era cuidar mucho la elección de animal, de granja, que no han
padecido ninguna enfermedad como la peste, para libros de esta categoría.
Lo primero que se hacía era lavar la piel en agua fría durante veinticuatro horas como mínimo,
después se sacaba y lo siguiente era que se pudriera para quitar el pelo, para ello se sumergía en
depósitos de agua con cal, entre tres y diez días, dependiendo el origen del animal, la edad, etc. A
partir de ahí, se extendía muy bien para quitar el pelo con un cuchillo u oz, estando tensada en
bastidores. Una vez ya tenemos todo el pelo fuera, lo siguiente será dejarlo secar. El proceso es
largo.
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Ojo, tinta de carbón y metálica. La de carbón es la más antigua, preparada con negro carbón que se
obtiene quemando maderas, de donde se obtiene un hollín negro, mezclado con otras sustancias. A
parte, la tinta metálica fue muy utilizada en los Países Anglosajones, la cual es una mezcla de agallas
y hierro. La primera vez que se escribió sobre esta tinta fue el Tratado de Teófilo, del Siglo XII.
Una de las razones de su uso es que en estos países había muchas
agallas, producto de los robles. La agalla se forma cuando en una de
las ramas del roble, una avispa pone sus
huevos, en torno a los huevos se forma
una larva, esa es la agalla. Ésta es rica en
taninos, que mezclados con el hierro
generan tonos rojizos y ocres. La tinta
metálica permea mejor el pergamino que la de carbón.
El tanino de la agalla que se mezcla con el agua del río con muchos hierros
forma trozos rojizos. Esta tinta se conserva de mejor manera.
A la hora de decorar, la inicial cobra una gran importancia. Predomina
más el color que la escritura. El monje vuelve a tratar la superficie del
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pergamino, pero no con piedra pómez, sino con vidrio pulverizado con miga de pan. En
consecuencia, esa superficie era más luminosa que la otra. Tiene mucha luz por las técnicas, colores y
materiales empleados. Tras haber tratado la superficie se empieza a decorar con oro, láminas de oro,
el color es lo último.
Los rojos, rosas, ocres, gama cálida de la miniatura anglosajona: son de origen mineral. Lo más
empleado es la hematita (es lo mismo que decir un óxido de hierro) o tierras rojas y ocres de
composición diversa. Eso significa que va a llevar hierro pero no es fontis purísima. Todas las tierras
llevan hierro, dependiendo los otros componentes, varían los colores:
Manganeso – ocre
Titanio - Naranja
Fósforo – Amarillo
Son pigmentos muy económicos porque hay en todas partes y en una gama muy variada. Son muy
buenas para la miniatura porque los pigmentos con hierro los podemos moler hasta donde
queramos. El cobre tiene su punto, pues si me muele mucho se pierde el color y si no, pesa mucho.
En la miniatura es fundamental mover al máximo un pigmento, pulverizarlo para reducir la partícula
y conseguimos más luz y menos opacidad.
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Bermellón: Sulfuro de mercurio (azufre y mercurio) con un poco de hierro. Es muy común
encontrarlo en la zona anglosajona, y no se mezcla porque era poco abundante, no estaba en toda
Europa. Importantes yacimientos en Irlanda, y menos en Inglaterra y Escocia. Es costoso, por eso es
raro que se mezcle, aunque hay un pequeño porcentaje de mezcla, especialmente para eliminar ese
matiz naranja y hacer un rojo más puro. Es caro, pero responde perfectamente a las exigencias de un
objeto tan preciado.
Cinabrio: Mercurio que da mucha luz a los rojos (anaranjado) va muy bien con la estética de la
miniatura.
Mercurio: Hay que mezclarlo para que no sea tóxico (medicina, cosméticos) pero en arte es extraño.
Rojo de Plomo o Minio: Está menos identificado químicamente en los libros. Es de origen mineral y
proviene de la raíz de la rubia tintorum, fue más utilizada en el arte del Mediterráneo Antiguo.
Es muy probable que la rubia que se estaba usando en los libros anglosajones, provenga del
Mediterráneo, igual que veíamos elementos mediterráneos en la tumba de la sacerdotisa de Vix por
ejemplo. El intercambio y movimiento entre el Mediterráneo y el Atlántico están vigentes desde la
Edad Antigua.
Es un colorante, por lo que será más translucido que un tinte, que un pigmento. Ayuda a la luz.
Sangre de Dragó: De la especie calamus draco que es lo que le da el nombre popular. Parece una
gota de sangre coagulada porque es color y es resina, lo que suda la planta es una resina roja, que ya
lleva el aglutinante dentro. Para diluirlo no basta con agua, será necesario algún aceite o alguna
solución con cal. En el caso del libro anglosajón será el aceite (que como pigmento no se usa hasta el
Renacimiento, se le da otro uso desde mucho antes).
En el Barroco, se utilizó la gota directamente para las lágrimas de la imaginería (Cristos, dolorosas,
etc) especialmente en España. Supone un problema para los restauradores porque es una sustancia
orgánica, es aceite, es resina.
AMARILLOS
Reseda Luteola: colorante amarillo, de esta planta más abundante en el Mediterráneo que en la zona
anglosajona, por tanto hubo intercambio.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
VERDES
Malaquita: Carbonato básico de cobre.
Paratacamita: Menos usada, silicato básico de cobre, el cobre va ligado a una matriz de sílice.
Atacamita: Cloruro básico de cobre.
El más usado es el primero, pues en el territorio anglosajón hay mucha humedad. El carbonato de
cobre, con la humedad y el tiempo se puede convertir en atacamita, el debate está en saber si las
atacamitas son atacamitas o son malaquitas convertidas en atacamitas…
AZULES
Azurita
Lapislázuli: Las únicas minas están en Afganistán, por tanto es caro, por importación.
Pastel: Orgánico, procede de la planta del pastel (isastis tintoria), el tinte se encuentra encapsulado
en las hojas. Este es el que más se ha identificado en los libros.
Índigo: Se importa desde América, por tanto no se identifica en esa primera etapa del Cristianismo.
(indigofera jamaicena) no lo había en los países anglosajones, tampoco en el Mediterráneo.
Ambos son azules muy parecidos, la base es la misma. El índigo se importa de forma masiva
(comercio regulado por los Reyes Católicos y demás monarquía hispana), y esto supone una
bancarrota para Alemania y Francia que eran los primeros productores de pastel, ya que el índigo a
pesar de venir desde tan lejos, es más intenso, más barato, es una gran competencia. La conquista de
América dará lugar a la importación de numerosos colorantes y se produce un importante cambio en
la pintura a nivel técnico.
En este sentido, la Santa Inquisición mete mano para que no se utilicen materiales de fuera, pues era
idolatría, etc. Esto se hace para intentar reflotar la economía de los países productores de pastel.
En el libro renacentista, conviven pastel e índigo.
Otro producto que trajo problemas fue el rojo de grana cochinilla (dactylopius cocus) hace que se
deje de consumir el rojo kermes (cocus illius). Ocurrió lo mismo que con el pastel, la Inquisición se
mete por medio con amenazas de cierre de talleres, de hoguera, etc. No afectó demasiado, un buen
ejemplo es el Greco y en general los pintores manieristas.
Decoración :
Aglutinante. Diversos, pero muy importante la goma arábiga
1. Oro
2. Colores
2.1 Blancos de cal
2.2 Negros carbón de origen vegetal y animal
2.3 Gama cálida minerales (pigmentos) hematita y tierras ocres y rojas de composiciones
diversas: bermellón y minio.
Respecto a los colores de tonos azules se utilizó mucho la Isahs tintoria, planta de naturaleza índigo.
Como azul orgánico, el que se ha identificado generalmente es el pastel. El índigo procedía de
América, por lo tanto no se encontraban en los textos decorados del primer cristianismo.
La base del colorante es la misma. Fue traída de América. Las principales productores de pastel
estaban en el sur de Europa, Alemania y Francia. Así, Alemania fue el principal productor del pastel
desde Edad Antigua. Cuando el índigo fue importado desde América con el comercio controlado por
la corona española supuso una catástrofe para los productores de pastel del Norte de Europa. En
consecuencia, el índigo se utilizará mucho más por ser más económico y tener más calidad. Para
controlar esta situación, la Santa Inquisición promulgó algunas cédulas que penalizaban la utilización
del índigo.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Las principales producciones de kermes habían estado en Italia. Estos tintes eran de tan buena
calidad que se utilizó durante mucho tiempo, ejemplo de ello fue la pintura de El Greco con la
granacohinilla, Tiziano también.
[Lindisfarne Gospels]
La portada del Evangeliario de Lindisfarne, tiene una fusión de
elementos celtas. Toda la pagina de arranque del evangelio de
Lindisfarne está engarzada con piedras preciosas, coral, turquesa,
lapislázuli, etc. Todo de tal modo que pareciera una obra de
orfebrería. Esos libros a nivel de símbolos enlazan la cruz del
cristianismo engastada a lo que es el círculo, OIW de los celtas.
Todos los márgenes tienen un engaste de piedras preciosas
rodeadas de laberínticos que nos remite a lo celta y vegetal.
[Libro de kells] Tiene exactamente los mismos símbolos como una X y una P. Se denomina hirro (x= fi,
p=ro), y es el emblema de Cristo. Estos libros fueron casi todos evangeliarios. A veces lo cristiano es
más evidente.
[Evangelio de Lindisfarne]
Las páginas que aparecen encabezando la vida de
cada santo están decoradas casi sin símbolos celtas,
pero en las formas de los extremos de los marcos
hay una especie de reinterpretación de formas que
tienen más que ver con esa decoración de los países
anglosajones. Hallamos estos evangeliarios en
pergamino y con una figuración que casi recuerda al
mundo romano. En estos lugares de Europa el revival
de lo romano surgirá en la época de Carlo Magno y
en la época teutónica.
[Cruz de Ruthwell]
Labrada por sus cuatro lados, el lado norte y el sur se reservan para las
figuraciones celtas y el este y el oeste para representaciones cristianas. En el
lado este se representa el arquero, La visitación, María Magdalena lavándole
los pies a Cristo, La Anunciación y por último la crucifixión. Esta figuración no
ha sido representada de una forma ordenada cronológicamente. El lado oeste,
evangelistas san marcos y san Lucas al principio. San Juan bautista, Cristo
crucificado, Cristo en la huida de Egipto y la multiplicación de los peces y
panes. El lado norte y el sur nada tienen que ver con los lados este y oeste. En
los enroscamientos de estos elementos nos encontramos elementos muy
importantes del Cristianismo. También vemos las uvas representando la
Eucaristía y símbolo de esa ultima cena, y cáliz de salvación.
La invasión vikinga: los vikingos llegan con sus creencias y las tradiciones
ligadas a esas creencias que no tienen que ver con las culturas cristianas. Así se
intentó reforzar mediante las figuraciones cristianas esta fe cristiana.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
[Cruz de Bewcastle]
Los cuatro lados se labraron también y de nuevo se produce esa relación entre
las iconografías cristianas y en los otros lados hay elementos que simbolizan el
mundo vegetal. Aquellas que aluden a la dualidad mediante círculos, serían
celtas, mientras que los elementos vegetales que se muestran como vides
aluden a la eucaristía cristiana. También hay animales que quedan encerrados
en lo vegetal y que nos acercan a los bestiarios medievales donde los animales
son virtudes cristianas. Las representaciones figurativas a veces están muy
erosionadas pero guardarán un significado cristiano, en las cruces las
representaciones figurativas tienen que ver con el Cristianismo, es en la
representación de lo vegetal donde hay que saber diferenciar.
[Cruz de Monasterboice]
Lo que le dicen a la sociedad irlandesa es que Dios es el que les va a salvar y
no los vikingos. En medio de la coyuntura difícil que puede hacer que el fiel
dude, hace que Dios sea sin ninguna duda el Dios por excelencia, siempre
utilizando esa fusión entre lo celta y el cristianismo.
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Finales del siglo VII d.C. El enterramiento y tesoro de Sutton Hoo, enterramiento de un rey inglés.
Aparecen monedas de finales del s.VII. El rey fue enterrado en la estructura de un barco, ya que para
llegar al mundo de Avalon, el más allá, el difunto debía de hacer una travesía por mar que lo llevara a
ese lugar. Dentro del barco aparece una indumentaria propia de un guerrero. Como un casco
ligeramente abombado o circular, llevaba protección para las orejas y una máscara integrada.
Además encontraron una fíbula, orfebrería con símbolos celtas muy concretos, enroscamientos que
remiten al mundo vegetal, que finalmente es la naturaleza.
Hebilla con incrustaciones de lapislázuli, y un broche de oro y piedras de una calidad y un exotismo
hasta ahora no conocido, como la cornalina y el lapislázuli. También se encontraron cuencos de plata
de influencia bizantina, con cruz austera, que tiene que ver con la relación del imperio bizantino.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Otra hebilla
Colección de cuencos:
Ya apenas hay motivos celtas, aquí aparecen motivos bizantinos, los cuencos presentan una cruz con
círculo en el centro. Son de plata.
Todo el proceso de evangelización hace surgir una serie de representaciones iconográficas, que se
entremezclan con los símbolos de las culturas celtas antiguas.
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ROMANICO ANGLOSAJÓN
El término Románico se emplea por primera vez en el ámbito de las lenguas para hacer referencia a
la recuperación de las lenguas romances frente al Latín, pero en un principio no se usa como un
término arquitectónico o pictórico. Luego ya se emplea en los ámbitos arquitectónicos, etc.
No es tanto problema asumirlo para lo que es la arquitectura porque el termino Románico hace
referencia a Roma, la cual se está recuperando. Recuperación en el uso de bóvedas como la de
piedra, la más importante. Desde un punto de vista general, el Románico tiene tres etapas muy
claras:
Primer Románico: Se extiende desde finales del Siglo X hasta el último cuarto del Siglo XI.
Románico Pleno: A partir de 1070 hasta finales de la primera mitad del Siglo XII, 1150,
aproximadamente.
Tardorrománico o Románico Tardío: Segunda mitad del Siglo XII hasta el primer cuarto del Siglo
XIII.
Este es el marco general que sirve para determinar la particularidad del Románico Inglés: hasta
aproximadamente 1070 no encontramos construcciones plenamente románicas en Inglaterra.
Existen precedentes bajo el gobierno de Guillermo I.
Los precedentes de desarrollan en tiempos del Rey Eduardo el Confesor que entre 1045 y 1050
decide reformar la Abadía o Iglesia Abacial de Westminster.
De ella nos quedan ruinas, pero conocemos muy bien su planta y a través de la arqueología.
Conocemos aspectos que nos ayudan a conocer cómo era. Gracias a los hallazgos arqueológicos,
primer indicio, unido a que sabemos cómo era la planta, el Tapiz de Bayeux, nos permiten acercarnos
a como era. Esta ampliación permite que la Iglesia abacial tenga una nave de doce tramos con un
importante transepto. Es muy importante el coro donde se eleva una torre. Esta ampliación debe
considerarse un precedente con mucha influencia de Normandía. Pero en 1040, el Abad Robert
Champart ordena la reconstrucción de Jumièges, de gran
influencia, ambas son de planta basilical, sus tres naves se
caracterizan porque la central es más elevada y ancha que las
laterales. Se cruzan por un transepto importante que en el exterior
se decora con un elemento como una torre y una cabecera
imponente. Sus tres naves, tanto en una como en otra están
cubiertas con bóveda de piedra, cuando lo normal era que
estuvieran cubiertas con madera, lo que supone un cambio desde
el punto de vista tecnológico y permite su mejor conservación. Se
recuperan las bóvedas de cañón y de arista de Roma.
Proliferación de capillas para el culto a las reliquias y aumento
considerable del clero, no todos se colocan en el ábside principal.
Ello también genera la girola o deambulatorio. En Inglaterra
preceden al Románico, construcciones como la de Westminster, la
cual se inspira en la de Jumièges.
- Planta Basilical: tienen varias naves y de ellas, la central será más elevada y ancha que las laterales.
- Tipo sala o Hallenkirche: Todas las naves tienen la misma altura.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Tapiz de Bayeux
Son 70 metros de tapiz, totalmente
narrativo, es como seguir un cómic,
una escena detrás de otra. Nos narra
la conquista de Inglaterra desde los
previos a la Batalla de Hasting a la que
corona a Guillermo I. Está hecha de
lino con hilos de muchos colores. Es
muy estrecho, cincuenta centímetros de ancho. En las
letras, las inscripciones están en latín.
Eduardo el Confesor estaba preocupado por su sucesión en el trono, por lo que decide exiliar a su
suegro Godwin y nombrar como heredero a su primo Guillermo de Normandía. Pero Godwin tenía
un hijo: Harold, el cual no es enviado al exilio. En un momento dado, Harold cae en manos de
Guillermo de Normandía, pero este le dice que cuando Eduardo muera, le apoyará como sucesor,
pero llegado el momento no le apoyó, como es obvio. En el 1064 muere Eduardo el Confesor, y antes
de morir cambia de opinión y ordena como sucesor a Harold. En 1066, Guillermo I se proclama rey de
Inglaterra. Los cuatro años de intermedio se fortalecen al máximo castillos, etc, la construcción era
para fortalecer todos los espacios de protección, y cuando ya no hay tanto riesgo para una invasión
foránea se van estableciendo las nuevas bases.
Guillermo I llamará a Lanfranco como arzobispo a la cabeza de Canterbury. Los focos más
importantes del Románico Inglés serán Canterbury, York y Roen.
Odo de Bayeux:
Hermanastro de Guillermo de Normandía. Es de las iluminaciones mas
bonitas de la época, de Canterbury. Muere el Rey, y Harold es el nuevo
Rey, su cuñado como Rey de Inglaterra, ello desencadena la Batalla de
Hasting que coloca a Guillermo como nuevo Rey.
¬ Plantas basilicales: con la nave central más alta y amplia que las laterales.
¬ Para la cubrición de la nave central se usan bóvedas de cañón, para las laterales bóvedas de
aristas.
¬ Lo normal son tres naves, raramente cinco. Las naves axiales desembocan en un transepto muy
bien definido dividido también normalmente en tres naves. Ello desemboca en un deambulatorio
o girola que envuelve toda la cabecera. Pueden tener ábsides en batería para el culto a las
reliquias.
¬ Es común que haya un nártex a la entrada.
¬ No vamos a encontrar tipo sala o hallenkirche en territorio anglosajón.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
¬ Algo muy propio de este territorio en el románico es la increíble jerarquización en vertical de los
espacios. La central, de una manera muy notable va a sobresalir sobre las laterales, aunque estas
también son bastante altas. Todo esto sería el gótico septentrional.
El gótico del norte acentúa respecto al resto la altura de las naves. Esa
elevación tan grande de la nave central permite la articulación en
vertical de tres niveles.
El primero, a través de arcadas, marca en tránsito de la nave central a
las laterales, mediante arcadas de sistemas sustentantes múltiples: se
juega con diversos soportes, se combinan entre sí.
El segundo nivel conduce a un triforio o galería desde donde se puede
observar la celebración de la eucaristía.
El tercer nivel permite horadar y que entre la luz al interior, es el
claristorio.
Catedral de Winchester
Sistemas de arcadas que descansan en sistemas
sustentantes múltiples.
Catedral de Ely
En la Iglesia de Clayton vemos a Dios gobernando desde la Jerusalén Celeste con sus arquitecturas.
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Biblia de Bury
Las historias están vinculadas a una Edad Media, sigue recordándonos a la
obra de orfebrería propia de época celta. Por como aparecen una serie de
elementos que se enroscan y cierran las historias.
Es muy importante y repetitiva esta Maiestas Domini, rodeada del
tetramorfos. El uso del color es muy expresivo en términos de fauvismo, no se
mezclan ni superponen colores ni efectos naturalistas. Ausencia de
naturalismo por el hieratismo y por cómo se trabaja el color, de manera muy
plana. Todas las imágenes tienen que ver con las enseñanzas, todo tiene que
ver con Dios y por ello tiene que estar lleno de luz (Yo soy la luz del mundo).
Todo ello viene del campo de las ideas estéticas a las artes plásticas. Hasta
que no aparece el oleo en el Renacimiento no se pueden trabajar las mezclas. La forma de rodear a
los personajes y los marcos recuerda el repertorio del mundo celta (excepto la mandorla).
Salterio de Winchester
Muestra el mensaje de Dios: llegará el Juicio final que puede salvarte o ser
condenado por siempre. Llama la atención la expresividad. Todo lo que
vemos es propio del románico anglosajón, es la entrada a los infiernos.
Genralidades (resumen)
A nivel arquitectónico: se tiende mucho al uso del nártex para preceder al acceso al interior de la
basílica. Lo más importante es la elevación de la nave central y de las laterales. El románico inglés lo
acentúa mucho frente al resto. Importancia de la luz en el románico anglosajón.
Importancia de la figura de Cristo en pintura y escultura, en escenas que nos hablan de que él es el
Juez, el Cristo en Majestad.
Seguimos viendo lo celta en el escenario privado (biblias, salterios, códices…) permanece donde no
duele ni atenta contra el nuevo orden. Obras que se disfrutan a nivel privado.
A nivel formal, mucha expresividad y hieratismo.
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GOTICO ANGLOSAJON
¬ Enrique II
¬ Juan Sin Tierra
¬ Enrique III
¬ Eduardo III
¬ Enrique VII
¬ Enrique VIII
El gótico entra en Inglaterra en una época muy temprana, a mediados del Siglo XII. Ello es por
Enrique II de la Dinastía de los Plantagenet. Inglaterra y Francia tuvieron durante toda la Edad Media
una guerra secular que explica que Inglaterra no quisiera asimilar los modelos del Gótico francés.
Querían una arquitectura, un gótico con sello propio. Con esa actitud empieza a acuñarse un
nacionalismo. Es un país muy nacionalista, de proteger y defender lo suyo. Crea un sello muy anglo-
normando. Ellos lo reinventan y reinterpretan a su manera.
Catedral de Salisbury
Es una de las arquitecturas más representativas de este gótico Inglés.
Empezó a construirse en 1220, al igual que Amiens. Pueden estar a
las afueras de la ciudad, como es el caso de Salisbury. La de Amiens,
sin embargo se planificó en el centro de la ciudad.
La planta se concibe como una sucesión de rectángulos. En un inicio
se planificó con una torre al norte, pero luego no se hizo. El cuerpo
principal de la catedral concluye al sur con un claustro, ese recinto
cuadrangular desemboca en la planta poligonal que es la Sala del
Capítulo, un rasgo de la Arquitectura Inglesa. Esa sala tendrá
normalmente planta poligonal. Puede haber casos que lleguemos a esta sala capitular desde un
extremo de la catedral y no desde el claustro.
La planta suele ser basilical. Llama la atención que tiene dos transeptos, el central y principal cae
más al centro. Por lo general vamos a encontrar dos transeptos. Tienen un crucero, que
exteriormente se simboliza con un cimborrio. Detrás del crucero hay un púlpito. La distribución del
espacio explica la distribución de la gente, el púlpito delimita el acceso de los fieles, aunque aún
quede mucha catedral por detrás. El elemento que hay detrás del primer crucero es una sillería para
el clero y en el segundo crucero esta el presbiterio para el altar mayor.
En las catedrales inglesas solían ubicarse altares secundarios en las naves laterales de los transeptos.
Después del segundo transepto hay una sucesión de volúmenes escalonados para el coro. El coro
desemboca en una capilla axial donde se sitúa el coro alto.
Entramos al interior…
Diferencias con el gótico francés. El inglés es muy elevado en altura, pero es más bajito que el
francés. Compensa con la tremenda extensión del cuerpo longitudinal. La Catedral de Salisbury tiene
casi veintiséis metros de altura, la de Amiens alcanzó cuarenta y cuatro. En el gótico inglés las
elevaciones de los espacios son inmensas, pero comedidas con el francés. En el caso de la Catedral de
Colonia, se percibe también una gran elevación.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Gran riqueza en la diversidad de materiales que se emplean en la construcción. La piedra caliza está
siendo utilizada en el ochenta por cien de la construcción y un mármol negro que se puede pulir muy
bien lo que da un efecto decorativo muy bonito. Policromía pétrea muy destacada. En muchos casos
había policromía en determinados lugares. Combinación de materiales en Inglaterra frente al único
material utilizado en Francia.
Los baquetones adquieren una gran importancia en la arquitectura del gótico, son muy delgados. Los
muros ingleses son mucho más gruesos que los franceses, por ello se utilizan esos baquetones como
nervios, que consiguen contrarrestar esa densidad.
Para pasar de un espacio a otro, podemos ver decoraciones como la de la catedran del Wells de la
foto. Es un mundo muy natural, de nostalgia hacia lo antiguo.
Kings College
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
La figura del pantocrátor crea un abismo entre el fiel y la religión, se intentó revertir esa sensación de
cara al Gótico, por ello pasa a ser María la protagonista. A través de ella se intenta acercar de nuevo
la religión al fiel, una figura más humana. En las fachadas va a ser muy recurrente las imágenes de
reyes y reinas, pues es un arte de las ciudades, con su corte, su realeza católica (en este momento).
Imágenes que hablan de la religión. Imágenes marianas y de la realeza son imágenes muy comunes
en las fachadas de las catedrales góticas inglesas.
Gorleston Psalter
Nos acerca a la realidad de la Inglaterra del Siglo XIX y una crítica que los artistas realizan a la época
que se está viviendo, industrial, que está arruinando el espíritu del arte.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Todo se da en la época Victoriana, época en la que reina la Reina Victoria, de 1837 a 1901. No es un
gobierno uniforme en el sentido de que tiene tres etapas claramente diferenciadas a todos los
niveles (cultural, social, político, económico…):
1837 – 1850
1850/1851 – 1874
1874/1875 – 1901
Es en la primera etapa, en el 1848 que nace el Prerrafaelismo el Inglaterra, al mismo tiempo que
Francia conoce el nacimiento del Realismo. Esta etapa estuvo marcada por la reconstrucción de la
Corona (después de la Dinastía Hannover). Ésta había dejado arruinada la corona inglesa, por ello, la
Reina Victoria restaura la política y la economía de la Corona con ayuda del parlamento. Recupera lo
gótico, un estilo propio, autóctono para subrayar ese Nacionalismo Inglés. Después de un siglo de
Revolución Industrial, es el centro de finanzas del mundo, una potencia en toda regla.
La reina dirá:
“En día 1 de Mayo de 1851 ha sido el día mas grande de nuestra historia. El más
grande, inmenso y conmovedor espectáculo que se ha visto jamás, y el triunfo de mi
amado Alberto de Sajonia y Coburgo. Su nombre quedará inmortalizado en esta gran
idea suya”
La tercera etapa es de decadencia. Inglaterra sufre una crisis económica brutal, similar a la crisis
positivista que está sufriendo Francia. En Francia estamos asistiendo al origen del Simbolismo (1886).
El prerrafaelismo surge en 1848 hasta aproximadamente 1860, después entra en su segunda etapa,
dentro de la cual los mismos pintores prerrafaelistas van transformándose en simbolistas. El origen
del simbolismo está dentro de la segunda generación del prerrafaelismo.
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John Ruskin y
Rossetti
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Fusión de las artes plásticas con la literatura, relatos literarios, poesías. No es la primera vez que el
artista se adentra en la literatura, como por ejemplo ya lo hizo William Blake y Henri Füsli
(prerrománticos ingleses). A parte de ellos, en Alemania, los Nazarenos ya lo han hecho, un
movimiento del Romanticismo Alemán, han creado obras de arte inspirados en relatos literarios. Los
prerrafaelistas van a tener en cuenta la literatura de otras épocas y las de época contemporánea,
muchos de ellos también escriben poesías y relatos, anida en ellos esa fusión de literatura y arte,
Rosseti puede tener obras que se inspiran en su propia poesía o creación literaria.
Dos de los escritores inspiradores de estos prerrafaelistas son: John Keats y Alfred Kennyson.
Se inspiran en leyendas y relatos de la Edad Media y Protorrenacimiento, antes que Rafael Sanzio.
Autores importantes para ellos son también Dante y Shakespeare.
La integración de las Artes: estamos en el Siglo XIX (el XVIII es el Arte de las Academias, se establece
el concepto de Bellas Artes: Arquitectura, escultura y pintura, artes mayores). Los prerrafaelistas
están en contra de esto, dicen que el arte expresa, desde un textil, una orfebrería, todo es válido,
quieren acercar el arte a la vida cotidiana. Van a integrar las artes y las van a acercar a lo cotidiano.
Otra mujer es Jane Burden (nombre de soltera), pasando a ser Jane Morris, musa inspiradora
también para su marido.
No fueron las únicas que contribuyeron en la creación de un nuevo estereotipo femenino.
Estereotipo de la femme fatal, ese eterno femenino está detrás del Prerrafaelismo, sus
características serán básicas.
Otras serían:
Annie Miller Anne Ryan
Louisa Ruth Herbert Maria Zambaco
Ellen Frazaer Effie Gray
Esa fisonomía es de cabello suelto muy abundante y muy revuelto y enmarañado, el cabello de
medusa, un cabello amenazador, suele ser rojo o negro, raramente rubio. Sus ojos son de color claro,
normalmente verdes, tan amenazadores como esos cabellos amenazadores. Los labios son carnosos,
rojizos muy seductores. El cuello es muy largo donde puede morder el vampiro, el cuello del cisne,
remite a la Edad Media, donde el cisne es un animal mágico, mortuorio y femenino. Su naturaleza
férrea con cejas bien definidas y nariz muy recta. La piel será muy blanca.
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Rosetti, La Ghirlandata,
1873
Rosetti, Proserpina, 1874
Todo esto pasa al cine como por ejemplo en “Drácula” o “Abierto hasta
el amanecer” de Tarantino.
Es un rostro andrógino
Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
* CONTEXTO HISTÓRICO
- Miembros fundadores
(Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt, John Everett Millais)
- Crítico de apoyo: John Ruskin
-Aportaciones del prerrafaelismo: decoración vegetal estilizada, poesía-pintura, integración de las
artes, importancia del diseño exlibri….
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Una vez ya tenía el entorno, la pintó a ella, la modelo fue Elisabeth Siddal, pero Ofelia muere
ahogada en un agua muy fría, quería representar como Ofelia había muerto, como le cambiaba el
color de la piel, la musculatura rígida y para poder analizar eso, la modelo pasó horas y horas en una
bañera fría. En ese tiempo la piel cambiaba de textura y tonalidad. A raíz de ello sufrió una neumonía
que casi le cuesta la vida.
Es la época de la fotografía, rompe planteamientos dentro de las artes, el retrato ahora se hará solo a
través de la fotografía. Hay fotografía prerrafaelista: Julia Margaret Cameron, que plantea también
el tema de la mujer como artista.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
Los cuadros de Millais hablan del otoño: caída, muerte, tiene incluso cuadros concretos que se
llaman así, sentimiento de desamor ligado a la muerte.
SEGUNDA GENERACIÓN
WILLIAM MORRIS
Wiliam Morris nos da la creación del movimiento “Art & Crafts”. Aboga desde sus entrañas a que
tiene que haber una integración de las Artes. Supo de las infidelidades de su esposa con Rossetti, aún
así, él seguía centrado en su trabajo.
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EDWARD BURNE-JONES
Edward Burne-Jones
El sueño del rey Arturo en Avalón
(1881-1898)
Obra encargada por George Howell,
mecenas más importante de Burne-
Jones. El encargo tiene tanto que ver
con el que le fascina. Esto se convierte
en un tema personal, le lleva el resto
de su vida, trabajó en él hasta el
último día antes de morir. Era tal la
perfección. Lo concibió como un
tríptico, aunque no era en madera. El
personaje principal, el rey Arturo y en
los lados figuras más secundarias. El
cuadro está dominado por un claustro en mármol jaspeado y dentro un baldaquino, y bajo de él,
sobre un sepulcro descansa el Rey Arturo. El baldaquino tiene doce recuadros que relatan la historia
del Santo Grial. Le velan su hermanastra, la Hechicera Morgana, a sus pies las reinas de la Tierra
Devastada y las reinas de las Tierras Norgales. La figura de blanco es la Dama del Lago. El resto en
primer plano son las reinas de las Tierras Lejanas y de la Tierra del Este. Junto a Morgana hay una
planta: la papaver somniferum, la clave de que el Rey Arturo no está muerto, sino dormido, ella ha
preparado ese brebaje. También hay centinelas con grandes trompetas que custodian el sueño del
rey y amazonas llevan la armadura del rey. Todo envuelto en una decoración que recuerda a la Tierra
de Avalon, allí reposa Arturo, volvemos al Mundo Celta.
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Historia del Arte de los Países Anglosajones - Curso 2010 – 2011
“No puedo esperar que todo el mundo tenga los mismos sentimientos que yo tengo y que
siempre he tenido con respecto a este tema. Es un terreno tan sagrado para mi que en
comparación no hay nada que se le aproxime...”
E. Burne-Jones (Tomado de “La Bella Durmiente. La Pintura Victoriana en el Museo de
Ponce)
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